BIOGRAFIA DE ALFREDO SADEL

Nacido en Caracas, Venezuela, el 22 de febrero de 1930, desde muy niño manifestó sus aptitudes musicales que no pasaron inadvertidas en el colegio donde estudiaba, y dos salesianos, el padre Calderón y el Padre Sidi, se hicieron cargo de su instrucción musical educando su voz natural -un diamante en bruto aun sin pulir- y de darle lecciones de actuación escénica.

El niño provenía de un hogar infeliz por la irresponsabilidad y abandono de su padre, típico macho latino que dejó regados cerca de 50 hijos en la región. Su infancia fue triste y solitaria además de llena de privaciones, a cargo solo de la madre que debió guapear para levantar y educar la familia. El padre, ebrio y autoritario, le hacía cantar las canciones de moda, lo que curiosamente para una ventaja para el artista. “Aprendí a amar estas canciones -diría posteriormente- de Juan Arvizu, Imperio Argentina y las que cantaba el mismo Agustín Lara, que encerraban un mundo tan grande para mi”.

Su debut como ‘cantante’ se dió en la catedral de Caracas, cantando el Ave María e impresionando a quienes lo escucharon. Diversos mecenas ayudaron a su formación que empezó en la Escuela Superior de Música de Caracas y continuó en México, Nueva York, Buenos Aires, Barcelona, Salzburgo y Milán e incluían solfeo, piano, armonía y composición.

Pero su consagración ocurriría sin embargo en la música popular, por lo que hoy es recordado con cariño y afecto no solo en la región del Amazonas que “guarda el tesoro verde del alma indoamericana…” (como la define en Canta arpa, una de sus más bellas canciones), sino en el resto del continente.

Otras habilidades del joven Sánchez fueron el dibujo y la pintura, y caricaturas suyas fueron publicadas por el diario La Esfera y la revista Fantoches. Posteriormente trabajó en la agencia publicitaria Mc- Cann Erickson, y con este ingreso ayudaría en algo a la situación de su hogar.

Gracias a esto Alfredo pudo pagar la grabación de su primer disco de 78 RPM, por una cara el bolero Desesperación y por la otra, el pasodoble El Diamante Negro, dedicado al torero Luis Sánchez, amigo del cantante quien también alguna vez quiso hacerse matador e inclusive toreó en varias oportunidades.

Fue por aquellos días que sus amigos le aconsejaron cambiar su nombre porque ya se conocían en el medio un Alci y un Alex Sánchez. Tomó la primera sílaba de su apellido SA y le agregó DEL, última sílaba del apellido de su ídolo: Carlos Gardel.

Vendrían después las primeras grabaciones, Desesperanza y Caribe, de la compositora María Luisa Escobar, Lloraste ayer, de Jacobo Erder y Anoche te amé, de René Rojas, junto con No te puedo querer, que conociéramos en versión de Juan Legido, El Gitano Señorón.

Comienza a codearse con figuras prominentes de la época, su compatriota Mario Suárez, el boliviano Raúl Shaw Moreno y el chileno Antonio Prieto, quienes dominaban el ambiente musical junto con los boleros de Los Tres Reyes y la Voz de la Ternura, la puertorriqueña Virginia López.

Empieza a destacarse a nivel continental y viaja al Canadá desde donde pasa a Estados Unidos, presentándose en lugares como el Latin Quarter y el Chateau Madrid de Nueva York, acompañado por la orquesta de Aldemaro Romero. Lo más importante de esta gira es la producción del L.P. Mi canción, una selección de temas hispanoamericanos que pronto se convirtió en un éxito de ventas.

Su gran apostura física lo convirtió en mimado de las ‘pavitas’ y delirio de las mujeres en las naciones donde fue conocido. El cine lo llamó pronto y participó en producciones como A La Habana me voy, con los cubanos Blanquita Amaro, Otto Sirgo y el argentino Tito Luisiardo y un año después en Flor del campo. MGM lo llamó a Hollywood donde permaneció un año recibiendo sueldo y al no serle asignado ningún papel, se fue a México donde sus discos lo habían hecho conocido. En 1956 participa en El Ratón, al lado de Raúl ‘Ratón’ Macías y Tu y la mentira, con Miguel Aceves Mejía y Evangelina Elizondo.

En 1958 se traslada a Cuba donde el amo era el chileno Lucho Gatica. El musicólogo César Miguel Rondón dice de esos días: “graba discos, se presenta en televisión y su fotografía aparece con elogios en casi todas las revistas y publicaciones de la isla. Se llama Alfredo Sadel miembro legítimo de toda la pompa y la euforia farandulera que conoció el continente por aquella época”.

Su paso por la isla quedó registrado en dos grabaciones hechas en épocas distintas y entre otras bellas melodías incluyó Lágrimas negras de Miguel Matamoros, Noche azul, de Ernesto Lecuona y Si me pudieras querer, de Ignacio Villa, Bola de Nieve.

En Cuba se le manifiestan unos nódulos en la garganta que resultaron ser benignos. Su curación la atribuyó a un milagro de Fray José de Guadalupe Mojica, a quien llamaba su benefactor. Regresó en 1960 a México donde interviene en Tres balas perdidas junto a Javier Solís, Elvira Quintana, María Victoria y Julio Aldama. Se vuelve a reunir con Aceves Mejía en El buena suerte, con la abuelita del cine mexicano Doña Sara García y de nuevo con Solís y Aldama, en En cada feria un amor.

Su carrera en el cine termina con Martín Santos, el llanero, coproducción mexico-venezolana con música de Juan Vicente Torrealba y Chelique Sarabia, de nuevo con Aceves Mejía, famoso por su falsete y su mechón de pelo blanco. En ella Sadel interpreta Di, tema de gran belleza en que despliega su formidable voz; también aparecen Lorena Velásquez y Adilia Castillo, el jilguero de Venezuela, muy recordada por el Golpe Tocuyano.

En 1961 se traslada a Europa dedicándose a la música llamada culta: óperas, operetas y zarzuelas que le ganan el aplauso de públicos selectos y exigentes. Los críticos alaban su bella voz de tenor que con los años ha ganado en intensidad. El pueblo sin embargo nunca lo olvidó y sus versiones de Humanidad, Vereda tropical, Incertidumbre, El cumaco de San Juan, El guarapo, Dominó, Cuenta mi alma, Desvelo de amor, Congoja, No te importe saber, Granada, Siempre te vas, Aquellos ojos verdes, Lágrimas (del colombiano Alvaro Dalmar) y sus versiones irrepetibles de Ansiedad y Madrigal (de Felipe Rosario Goyco, Don Felo), un amplio espectro que va desde el bolero hasta lo folclórico pasando por lo clásico, continuaron escuchándose -y aun se oyen-, en muchas radio estaciones de nuestra América.

Hizo dúos estupendos, entre ellos con la soprano Alba Marina y otro con Beny Moré, el Bárbaro del Ritmo, que ocupa lugar preferencial entre los coleccionistas latinoamericanos, particularmente su versión de Alma libre.

Destacó como compositor, debiéndose a su inspiración innumerables piezas como Yo no te engañé, Son dos palabras, Otra rosa, El hombre de hierro, Golondrinas del tiempo, Quiero a Maracaibo, Razonando, razonando y decenas más.

En 1978 volvió a Cuba recibiendo homenajes apoteósicos que lo animaron a grabar de nuevo música popular, entre ella un L.P. con música de Los Panchos y otro en que rendía su tributo al Morocho del Abasto, Carlos Gardel.

Se radicó en Nueva York desde 1985 y viajó bastante desde entonces a Caracas y Colombia, especialmente a Medellín, donde decía sentir con agrado el gran cariño tributado por su gente. Cuando más feliz estaba por la posibilidad de presentarse en el Metropolitan Opera de Nueva York, su salud empezó a deteriorarse. Se encontraba realizando presentaciones en Cali, Colombia, cuando debió viajar de urgencia a Caracas el 31 de diciembre de 1988.

BIOGRAFIA DE TONA LA NEGRA

Cuentan que no cantaba, sino que arrullaba, y lo que dijo cantando aún conmueve, dejando en los bohemios y románticos un aire de orfandad que aún les envuelve el alma, a grado tal que se ha perdido la cuenta de cuánto se ha escrito de María Antonieta del Carmen Peregrino Álvarez, Toña La Negra, por quien se desbordan torrentes de admiración al ser una de las voces con trayectoria más emblemática no sólo de la música popular de México, sino de la América nuestra.

Símbolo de una irresistible presencia, significativa para millones de habitantes del subcontinente, esta mujer sin par, fallecida el 19 de noviembre de 1982 en la capital de su país, sembró sentimiento, y lo sembró bien, de tal suerte que cuando se conoció la noticia de su partida, sus admiradores se preguntaban si el mundo podría seguir andando sin ella. Y sí, seguía caminando, pero mal, para estar claros, porque cuando se trata de sacar las cuentas en torno a las voces femeninas que han integrado esencia, conciencia, calidad y sentido social de pertenencia a un pueblo y a una raza, el saldo no es favorable.

Nació el 17 de octubre de 1912 en el barrio de La Huaca del puerto de Veracruz, y su llegada marcó la entrada de la hermosa ciudad mexicana a los terrenos tropicales en nombre de Cuba, en el son, la rumba y el danzón. De niña cantaba en familia, con su hermano Manuel, El Negro Peregrino, con quien siempre hizo magnífica pareja musical; pero, como ocurrió a Carmen Miranda, aquel símbolo inmortal de la música popular brasileña de la primera mitad del siglo XX, la marca del destino llegó en una fiesta. En el caso de María Antonieta, estaba presente en la reunión Agustín Lara, que ya empezaba a tocar las puertas de la fama y, como pasa en esas tertulias luego de tres copas de tequila, alguien dijo: " Que cante Toña", y cantó, dejando petrificado y sin habla al músico poeta, quien sólo atinó a preguntarse de dónde salía esa voz. Desde ese instante, Lara se apropió de la voz de ella, porque la fusión de ambos talentos fue lo más grande que pudo haber ocurrido. Él refrenda el recuerdo: "En 1932 escuché a una joven cantante desconocida. Abrir ella la boca y abrirla yo también, pasmado, fue todo uno. Cuando la oí cantar en aquella fiesta me levanté para preguntarle quién era, de dónde había salido. Me respondió que le decían Toña La Negra y que era de un barrio del puerto. Impresionado, la invité a comer al día siguiente, para descubrir que había llegado una nueva musa a mi vida. Escribí `Lamento jarocho` sólo para ella".

Antonieta recordaba que, influenciada por Manuel, su hermano mayor, desde los ocho años empezó a cantar en fiestas, concursos y kermeses, a veces sola y a veces a dúo con otra niña, Celia Pacheco. A los 17 años ya se había casado con Guillermo Cházaro Ahumada, quien la llevó a México con su primer hijo, de sólo dos meses de nacido, donde tuvo su debut profesional el 16 de julio de 1929 en el cabaret "El Retiro", donde se le conocía como "La Peregrino".

Existen varias versiones sobre la manera en que Toña llegó a la vida de Lara. Otra anécdota dice que él paseaba una tarde por Boca del Río; pero que la caminata fue interrumpida por la voz de una morena que lavaba ropa y entonaba una de sus canciones. "Por vida de Dios, es un pecado que alguien con tanto talento esté aquí lavando ropa", dijo Agustín, para luego hablar con sus padres y llevársela a la capital, encaminándola al triunfo tras bautizarla con el sobrenombre que la haría famosa, hecho que se disputarían el magnate de la radio Emilio Azcárraga Vidaurreta y su amigo Enrique Contel, quienes cuentan haberla escuchado en 1929, durante aquella primera visita que ella hizo a la ciudad de México con su primer esposo.

Tres años después, de vuelta a su puerto natal, en realidad aparece en su vida el compositor y pianista, quien le escribe "Lamento jarocho", "Veracruz", "Noche criolla", "Oración caribe", "Palmera", "La clave azul" y "La cumbancha", que presentaron en el teatro "Esperanza Iris" en enero de 1933, con tanto éxito que debieron prolongar su temporada de actuaciones.

Sin embargo, La Negra tuvo su propia historia al narrar que fue su hermano Manuel quien la presentó con Agustín Lara en 1930, en ocasión de un homenaje a su talento: "Canté para él con timidez y, al escuchar `Enamorada`, se quedó pasmado, fascinado diría yo. Enseguida comenzó a escribir para mí `Lamento jarocho`, la canción que significó mi entrada a la fama". Sea cual haya sido la historia verdadera, su carrera siempre estará ligada a la del músico poeta, quien escribió para ella sus más célebres composiciones.

La conquistadora

Así, días después de cumplir los veinte años, Toña La Negra debutó como cantante exclusiva de los temas de Agustín, y vinieron los delirios multitudinarios en el teatro capitalino "Esperanza Iris", la locura en el "Politeama", la conmoción y la conquista del corazón de un México que se reencontraba a través de ese dúo inmortal.

Se incorporó al elenco de XEW, donde cantó acompañada por Lara y la orquesta de Alfredo Girón, ofrecer aquellas fastuosas funciones teatrales y hacer grabaciones para RCA Victor que, sin duda, hoy constituyen uno de los más preciosos legados en la historia del bolero con piezas que alcanzan un valor incalculable para historiadores y coleccionistas, por el cúmulo de vivencias que recrean el México que se fue y no volverá.

"Este amor salvaje", "Por qué negar", "Obsesión", "Mentiras tuyas", "Y sin embargo te quiero", "Noche criolla", "Pesar", "Vereda tropical", "Cada noche un amor", "Angelitos negros", "Lágrimas de sangre", "Estás equivocado", "De mujer a mujer", "Como golondrinas", "Diez años" y "Cenizas", que dice: "Después de tanto soportar la pena de sentir tu olvido, después que todo te lo dio mi pobre corazón herido, has vuelto a verme para que yo sepa de tu desventura, por la amargura de un amor igual al que me diste tú…". Esos son algunos de sus títulos repartidos en casi cien acetatos.

En alguna de sus interpretaciones, ella, en nombre de la negritud, pedía piedad para el que sufre.

No necesitó promover escándalos ni asumir posturas de diva para destacarse, y lo jarocho, lo veracruzano -el haber nacido en la alegría de un puerto que fue llave y entrada de la cultura española a México en 1519- lo transpiraba con dulzura, y de ahí su permanencia.

No sólo fue intérprete de Agustín Lara, sino de compositores y poetas que combinaban el hacer y el decir: entre ellos Rafael Hernández, Sindo Garay, Gonzalo Curiel, Ignacio Piñeiro, Pedro Flores y Andrés Eloy Blanco, además de asumir un papel bien femenino en una época en que a las mujeres se les negaba hasta el voto, tomando un papel que iba más allá de tener hijos y esperar, hermanádose así con María Teresa Vera, Rita Montaner, Omara Portuondo y otras figuras -y hoy Guadalupe D`Alessio y Paquita la del Barrio, toda proporción guardada-, que reivindican orgullosamente a su género.

La ternura de siempre...

Sólo se alzó con su ternura, nada pidiendo, sino recibiéndola a lo largo de medio siglo exacto de tránsito profesional, sin que después de 1982 se le deje de escuchar en la radio, en la intimidad del hogar o en un viejo disco hoy convertido en CD, asombrados siempre de la permanencia de su voz, y es que, como se dice de Carlos Gardel, cada día canta mejor. Para los de su tiempo ella no ha muerto, y eso que han pasado más de dos decenios de que un paro cardiaco acabó con la vida de esa mulata color canela que, más bien, se murió de ternura.

Toña llevó siempre una vida personal discreta, reservada, lejos del brillo de las luces y los escándalos. Tuvo tres hijos con Cházaro Ahumada, casándose después con el baterista y jazzista Víctor Ruiz Pazos. En sus últimos años, con visitas frecuentes a sus amistades y algunos malestares de salud, vivió casi retirada de fiestas, escenarios.

biografia de agustin lara

Agustín Lara Aguirre del Pino nació en la ciudad de México, D.F., el día 30 de octubre de 1900. Fueron sus padres el Dr. Joaquín Lara y María Aguirre del Pino. Su infancia transcurrió en Tlacotalpan, Veracruz, donde nacieron sus dos hermanos, posteriormente, la familia Lara tuvo que trasladarse nuevamente a la capital de la República. Establecieron su nuevo hogar en Coyoacan, con el auxilio de Refugio Aguirre del Pino, hermana mayor de la mamá del compositor, que era directora del hospicio donde Agustín confiesa haber tenido el primer contacto con el instrumento musical que fue un armonio utilizado en dicho centro. El Dr. Lara, desde la iniciación del gusto por el arte musical descubierto en el pequeño Agustín, se opuso terminantemente a las inclinaciones de su vástago, quien sufrió por este concepto y por la extrema rigidez disciplinaria de su padre.

Desde pequeño tuvo disposición para ejecutar en el piano las melodías de moda y para improvisar fragmentos musicales. A la edad de 13 años, tuvo la oportunidad, aunada a la necesidad económica, de trabajar como pianista, haciéndola en el "Club de Señoras" que como es lógico suponer, se trataba de un sitio de disipación noctámbula. Ahí tuvo sus primeros ingresos, enfrentando a temprana edad, los rigores de una vida con fuertes pinceladas dramáticas.

El Dr. Lara que no estaba en la ciudad de México, se sorprendió al regresar, de encontrar al joven pianista en una actividad que lo llenó de indignación y provocó la determinación de recluirlo en el Colegio Militar, a fin de someterlo a una severa disciplina. Ahí pasó Agustín Lara un año, donde reprobó, consiguiendo con esto a que el Dr. Lara lo enviara a Durango, en un trabajo pesado. A ruegos de la señora Lara, fue perdonado, reingresando al Colegio Militar.

En 1927, liberado de la disciplina militar, se encaminó por el sendero musical, trabajando en un cabaret del rumbo de Santa María la Redonda, donde, a consecuencia de un impulso de celos, una mujer lo hirió en la cara.

En 1929, comenzó a trabaja en sus canciones, haciendo amistad con cantantes de impacto como Maruca Pérez, Juan Arvizu y el Trío Garnica Ascencio, los que comenzaron a interpretar sus canciones.

En la época en la que la radiodifusión cobra características de impacto popular, el 18 de septiembre de 1930, fue lanzada al aire una nueva emisora con planes ambiciosos e incluyó al novel compositor Agustín Lara, interpretando con su estilo y su discutida voz, canciones que prontamente fueron oídas en todo México; la Hora íntima de Agustín Lara, se caracterizó por el estreno, en cada programa, de una o varias canciones de su inspiración.

Tratar de enumerar los éxitos de Lara sería difícil, debido a que es uno de los más fecundos compositores y sus éxitos suman varios cientos. Su canción Granada ha dado la vuelta al mundo en las voces de los más famosos artistas.

De su vida sentimental, solo se puede decir que a confesión del propio músico, su primer matrimonio se efectuó en 1939 con Carmen Zozaya. En el mismo renglón de lo sentimental, están también los nombres de María Félix, Clarita Martínez, Yolanda Gazca, Vianey Lárraga y Rocio Durán, con ésta última se casó en España en 1965. No tuvo descendencia y adoptó al hijo de Vianey al que bautizó con el nombre de Agustín, llevando así los apellidos de Lara Lárraga.

Realizó varios viajes a Europa siendo el último en 1965, cuando recorrió la Península Ibérica, donde fue objeto de numerosos homenajes. En 1967, debido a su precaria salud, fue retirándose del ambiente artístico hasta permanecer aislado de todos, en su casa de la esquina de Edgar Allan Poe y Homero de la Colonia Polanco.

Falleció en el Hospital Inglés de la ciudad de México el 6 de noviembre de 1970 y fue velado en el Teatro de la Sociedad de Autores y Compositores de Música, de donde fue trasladado el día 7, al Palacio de Bellas Artes, de ahí partió a la Rotonda de los Hombres Ilustres en el Panteón Dolores.

biografia de betty missiego

nació en Perú, en Lima más exactamente, el 1 de enero de 1945. Comenzó su carrera artística como bailarina, pero una desafortunada caída le obliga a retirarse y abandonar su puesto de primera bailarina del ballet Nacional Peruano, lo cual no impide que continúe en el mundo artístico con un programa televisivo que le da enorme popularidad. En 1969 se establece en España, donde comenzó su andadura como cantante, que se ve avalada por la gran cantidad de premios conseguidos en festivales. En 1972 consigue la nacionalidad española y seis años más tarde representa a España en el World Popular Festival de Tokio y en la Olimpiada de París.
Pero el respaldarazo final vendrá de la mano del festival de Eurovisión de 1979 en Jerusalén, donde nos represento con la canción Su canción. A punto estuvo de ganar; hechas casi todas las votaciones, solo quedaba la de España, que no se podía votar a simismo, y que llevaba once puntos de ventaja sobre Israel, pero votaron doce a Israel y Betty se quedó sin el ansiado festival.

biografia de vitin aviles

La trayectoria artística de Víctor Manuel Avilés Rojas, conocido por todos como Vitín Avilés, abarcó fructíferas pasantías por varias de las más célebres orquestas exponentes de la música afroantillana, colaboraciones discográficas con otras tantas y exitosas etapas como solista. Este admirado cantante fue calificado por los críticos más exigentes como tan buen rumbero como bolerista. Dicho en palabras claras, se trata de un intérprete versátil y de estilo único. A juicio de muchos de sus seguidores, su mayor mérito lo constituyó haber sido seleccionado por Xavier Cugat como vocalista del álbum “Merengue by Cugat!” (CBS, DKC-10454), grabado en 1955, respondiendo a la petición del entonces dictador dominicano Rafael Leonidas Trujillo. Tal producción sigue siendo considerada la más exitosa, a nivel mundial, en la historia del merengue.

Irónicamente, el nombre de Vitín Avilés alcanzaría pleno cartel estelar a partir de 1974, luego de más de 30 años de intenso quehacer artístico, durante los cuales intervino destacadamente en cerca de 40 álbumes de música cubana tradicional y salsa, acompañado por bandas y conjuntos estelares. Aquel año grabó el disco de boleros “Canta al amor” (Alegre, SALP-8676) que generó tres exitazos: “Fui más leal” y “¿Por qué ahora?” (de Bobby Capó) y “Temes” (de Tite Curet Alonso). Esta producción es considerada un clásico de la discografía nacional.

Vitín Avilés era un músico intuitivo. Jamás estudió canto ni instrumento alguno. Nació el 30 de septiembre de 1924 en el barrio San Silvestre, Mayagüez. Durante su temprana juventud ejerció el oficio de barbero que aprendió con su progenitor, al tiempo que hacía sus pinitos como aficionado en diversos programas de la radioemisora WPRA en su natal Mayagüez. Por su privilegiada voz, se le anunciaba pomposamente como «Mojiquita», remoquete con que se pretendía compararlo con el aclamado tenor mexicano José Mojica.

En 1943 emprendió su carrera profesional al incorporarse a la Orquesta Hatuey, dirigida por el pianista William Manzano. Con aquella organización, en la que también figuraba Mon Rivera, estuvo cerca de un año. Y, luego de varios meses en Orquesta Anacaona, del pianista cubano Abdías Villalonga, decidió radicarse en San Juan, en 1944.

En la Ciudad Capital encontró rápidamente acomodo en la naciente orquesta del trompetista Miguelito Miranda. Fue acompa?ado por esta banda que, en 1947, grabó un disco por primera vez. Tal placa (78 rpm) contenía la guaracha “La televisión”, en cuya letra sus autores, los cubanos Tony Fergo y José Carbó Menéndez, anunciaban la llegada a Latinoamérica del que sería considerado “el invento del siglo”. Pocos meses después, nuestro biografiado decidió establecerse definitivamente en Nueva York que, entonces, era una de las plazas más importantes para los músicos hispanos.

En la Gran Urbe agotó una pasantía de doce años (1947-1959) con la famosa orquesta del cubano Pupi Campo, también cantante. No obstante, en el interín colaboró en grabaciones con la Lecuona Cuban Boys, Machito & His Afrocubans, las encabezadas por Enrique Madriguera, Moncho Usera, Tito Puente y Tito Rodríguez, así como con Payo Alicea & Sexteto La Playa, el Cuarteto Marcano y, como apuntamos al principio, con la gran banda de Cugat.

Culminado su ciclo con Pupi Campo, este talentoso puertorriqueño fue reclutado por su compatriota Noro Morales, con cuya orquesta trabajó en muchas ciudades de Estados Unidos y en Puerto Rico. Desde 1959 hasta el fallecimiento de aquel virtuoso pianista, actuó permanentemente en el Hotel La Concha, en San Juan, aunque mantenía su residencia oficial en Nueva York. Posteriormente, fue vocalista oficial de la batuteada por Usera (1964-1965); dirigió su propio combo y grabó como solista para los sellos Seeco y Musicor, así como con Steve Hernández y Su Orquesta Latinoamericana (1970). Durante el período 1971-1975 – además de actuar frecuentemente frente a su grupo – fue habitual en la nómina de la banda de Charlie Palmieri. Con éste se acreditó tres exitazos: las guarachas “La vecina” y “La hija de Lola” (originales de Raúl Marrero) y el bolero “Dueña de mi corazón”, de Pepé Delgado.

A su álbum mejor vendido, “Canta el amor”, cuya producción dirigieron Tito Puente y Joe Cain, le siguió el titulado “El mensajero del amor” (ASLP-6004), editado por Alegre Records en 1975 y cuya dirección musical se delegó en el argentino Horacio Malvicino. A raíz de aquellos lanzamientos se recrudeció una vieja polémica basada en la similitud de su estilo y de su timbre vocal con los de Tito Rodríguez. ¿Quién imitaba a quién? Tal era la incógnita que muchos admiradores de ambos anhelaban develar. Pero, en realidad, ninguno intentó jamás imitar al otro. Todo era pura coincidencia. Se recuerda que, en 1954, compartieron la grabación de un disco con cuatro canciones en 33 rpm. Y, cuando cada cual hacía solos, hasta a los más fervorosos seguidores de ambos les resultaba difícil diferenciarlos. Por otro lado, tanto Vitín como Tito, amigos desde muy jóvenes, disfrutaban de la controversia que había surgido en torno a ellos y nunca uno acusó al otro de pretender imitarlo, aunque la mayoría de los coleccionistas y conocedores seguirían insistiendo en que la característica de acortar la duración de las notas “dejándolas caer” y entonar semi-hablando las melodías, así como el peculiar timbre vocal que guiara al estrellato a Tito Rodríguez se evidenciaron primero en Vitín Avilés.

Desafortunadamente, la compañía Fania – que había adquirido el catálogo Alegre – no dio seguimiento al impacto de aquellas producciones bolerísticas que hubieran encaminado a este gran cantante hacia la consagración definitiva. Además, en Nueva York, Puerto Rico, Venezuela y otros mercados importantes la radio limitó la difusión de música romántica para dar paso a la balada pop, forzándolo a concentrarse en el ámbito salsero. En 1979 grabó en Caracas el álbum “Vitín Avilés con la Súper Orquesta Venezuela” (Velvet, GS-3007), compartiendo las vocalizaciones con Nelson Pinedo y Nelson Alizo, éste último, también pianista, arreglista y director de la referida banda. A partir de los 80 dedicaría la mayor parte de su actividad musical al trabajo de estudio, integrando los coros en grabaciones de otros artistas. Con cierta regularidad se presentaría en salones de baile acompañado por diversos conjuntos.

Vitín Avilés contrajo nupcias con la dama Isabel González en 1983. De su primer matrimonio es fruto Víctor Manuel Jr. (n. en 1944), quien se desempeña como mecánico de la empresa Norelco. Tiene otro hijo, Christopher (n. en 1979), que es adoptivo. Hasta el 2000, había grabado 50 álbumes como cantante de orquestas estelares y en calidad de solista. Sus colaboraciones con otros solistas y agrupaciones salseras integrando los coros sobrepasaron el centenar.

El artista mayagüezano que se conoció en el ambiente como “El Cantante del Amor” falleció el 1ero de enero de 2004 en un hospital de Manhattan en la ciudad de Nueva York.

biografia de sandro

Baladista pop argentino (así lo define la revista Rolling Stone), nacido Roberto Sánchez el día 19 de Agosto de 1945. Su pasión por la música nace de niño, cuando le encantaba imitar al Rey del Rock, Elvis Presley, su gran ídolo. En 1960, Sandro formó su primera banda llamada “Trío Azul”. Cuando Agustín Mónaco abandonó la banda, esta se convirtió en un dúo (que duró poco tiempo) llamado “Los Caribes”. Poco tiempo después, el cantante formaba parte de “Los Caniches de Oklahoma”, más tarde llamados “Los de Fuego”. El primer single solista de Sandro, “¿A esto le llamas Amor?”, fue lanzado en el año 1963, seguido por el single de “Los de Fuego”, “Hay mucha agitación”. El cambio radical fue en el año 1967 cuando Sandro obtuvo el primer lugar en el “Festival Buenos Aires”, cantando su canción “Quiero llenarme de ti”. Pronto el cantante llegaría a actuar en los lugares más importantes del mundo, tales como el “Madison Square Garden” de la ciudad de Nueva York en el año 1970. Su creciente popularidad hizo que en el año 1971 Sandro actuara frente a 60.000 personas en el Estadio de San Lorenzo, en Argentina.

Sus habilidades para la actuación lo llevaron a interpretar diversos roles en 16 películas (Subí que te llevo, Muchacho, Quiero llenarme de ti, etc.) y en una popular novela portorriqueña llamada “Fue sin querer”.

También tuvo su propio programa de TV, en Argentina en los años ’90. Se llamó “Querido Sandro”, y se emitió por canal 13.

El fenómeno Sandro, poco a poco se convirtió en mito, al punto tal que su talento es más reconocido hoy que en sus comienzos.

Cada nueva presentación en vivo genera grandes expectativas entre los fans, ocasión en la que el ídolo aprovecha para batir más y más records.

Además, se mantiene siempre vigente ya que miles de fans concurren año tras año a su casona del barrio de Banfield, para celebrar su cumpleaños en forma multitudinaria.



Un artista único, excepcional que a 40 años de su debut sigue entreteniendo como siempre, y emocionando más que nunca.

biografia de tite curet alonso

Es uno de los compositores puertorriqueños más prolíferos de la última mitad de siglo. Y uno de los que más canciones ha llevado al primer lugar de la popularidad.

Catalino Curet Alonso nació en el barrio Hoyo Inglés del municipio de Guayama. Su madre era costurera. Su padre era músico de la orquesta de Simón Madera y profesor de español. Ante la separación de sus progenitores, Tite se mudó con su madre a Barrio Obrero de San Juan. Y según recuerda, cuando le solicitaba dinero a su padre, éste le devolvía la carta, marcada con la debida corrección de acentos, y con el pedido cumplido.

Su carrera en la música comenzó con educación básica en teoría y solfeo con el profesor Jorge Rubián. Sus primeros pasos en la composición los dio en Nueva York, en 1965, cuando compuso para Joe Quijano sus primeros temas.

Tres años más tarde, Tite compuso la canción "El gran tirano" para el bolerista cubano Roberto Ledesma. Y ante la no utilización del número por parte de éste, se dio la oportunidad de adaptar la canción, en una versión femenina, para la cantante cubana La Lupe.

"La tirana" convirtió a Tite Curet en una sensación del pentagrama popular. Y añadiendo al repertorio de la legendaria intérprete "Carcajada final" y "Puro teatro", la carrera del compositor guayamés comenzó a despuntar en grande.

En 1969 el trío Los Andinos le grabó "Detuve el reloj", el trío Los Condes se anotó un éxito similar con "Brujería" y Tito Rodríguez le convirtió en clásico los temas "Tiemblas" y "Don Fulano".

Coincidiendo con el surgimiento del movimiento salsero en Nueva York, Tite Curet Alonso se convirtió en uno de los compositores de mayor demanda del movimiento. Su producción junto a Jerry Massucci para marcar el regreso de Cheo Feliciano a la canción hizo historia y produjo éxitos como "Anacaona", "Mi triste problema", "Pa' que afinquen", "Si por mi llueve" y "Franqueza cruel".

En 1971 le dio a Willie Colón el éxito "Piraña". Meses más tarde produjo para Ray Barretto "Testigo fui" y "Vale más un guaguancó". Su comunión con el género afroantillano le dio aciertos como "Las caras lindas de mi gente negra" y "De todas maneras rosas" grabadas por el sonero Ismael Rivera, "Periódico de ayer" interpretada por Héctor Lavoe, "Plantación adentro" compuesta para Rubén Blades, "La esencia del guaguancó" cantada por Pete "El Conde" Rodríguez y "El prestamista" producida para el maestro Rafael Cortijo.

Sin embargo, su versatilidad como compositor le ha llevado más allá de la salsa para incursionar en otros géneros como compositor. En la balada produjo "Tema de Nilsa" que le grabara Johnny Olivo. En el merengue "Yo me dominicaniso" para Los Hijos del Rey. En la etapa del neofolklore compuso para Tony Croatto "Cucubano", que posteriormente grabara el quinteto internacional Menudo. Y sus temas navideños han formado parte del repertorio de varios cantantes.

Su presencia en competencias internacionales se dio con la participación de Los Hermanos Castro en el Festival de Río, donde interpretaron su composición en portugués "Y después del amor". En Buga, Colombia, obtuvo el primer lugar con "Deja al poeta cantar" que interpretó Irma Bruno. En el Festival de la Salsa en Venezuela llegó a la posición cimera con "Sal saludando" interpretado por Cheo Feliciano.

Ha trabajado versiones al español de numerosos temas internacionales. Le dio letra en español a "Candilejas" de Charlie Chaplin que grabó Wilkins, su versión de "Si yo fuera rico" le dio un gigantesco éxito a Chucho Avellanet, así como trabajó las primeras versiones al español que grabó Nelson Ned.

Sus composiciones han formado parte de la banda sonora de películas como "Mujeres al borde de un ataque de nervios", "Bad Habits" y "Godfather II".

Junto a su labor como compositor, Tite Curet ha desarrollado una extensa carrera periodística a través de publicaciones como "Variedades", "Estrellas", "El Mundo", El Reportero", "Vea" y "El Vocero". Ha publicado el libro "De la vida misma", así como mantiene un programa semanal en Radio Universidad.

El legendario compositor puertorriqueño Catalino "Tite" Curet Alonso murió el 5 de agosto de 2003 de una enfermedad respiratoria en Baltimore. Tenía 77 años de edad.

PIERO 

BIOGRAFIA DE PIERO

Piero, el conocido cantautor cuyo verdadero nombre es Piero De Benedictis nació en Italia en abril de 1944 y comenzó interpretando temas italianos en Argentina, esto fue a mediados de los 60. En 1969, después de ganar un festival en español logro cierta popularidad; pero en 1976 se exilia en Panamá por problemas políticos aunque no detuvo su carrera. Más tarde se marcha a España e Italia.
En 1981 reaparece en el espectáculo llamado la gran vuelta de Piero y graba un álbum doble bajo el titulo “Calor Humano”. En 1985 realizo un tour por Latinoamérica y participa en un proyecto para ayudar a jóvenes pobres conducido por la UNICEF, donde se defendía los derechos de los niños y jóvenes.
En el 2001 aparece con un nuevo trabajo de temas no editados.
Piero siempre ha estado trabajando y en su haber hay una larga lista de temas de su propia inspiración.

JOSE JOSE 

BIOGRAFIA DE JOSE JOSE

JOSE JOSE:
El 17 de febrero de 1948, en la ciudad de México, nació José Rómulo Sosa Ortiz (José José), hijo de un tenor y una concertista de piano, lo que le valió para acostumbrar su oído a la música.
Desde pequeño, entre juegos y travesuras, entonaba cantos infantiles y cantaba el himno nacional en fechas importantes en su vida de estudiante, comenzando así a pulir su voz.
Aprendió a tocar la guitarra y se integró a un trío, comenzando de esta manera a mostrar su herencia musical, a la vez que estudiaba mecánica de aviación. En la década de los 60 comenzó animando la vida nocturna de la ciudad de México, pues cantaba en clubes nocturnos y otros sitios de cierta importancia.
Talentoso, tenaz, insistente y sobretodo dotado de un amplio registro, se trazó un estilo, que le sirvió para que en el año 1965 realizara su primer trabajo discográfico donde incluyo temas que se escuchaban en esos días.
Mas tarde se incorpora a un trío de jazz y en 1967 firma un contrato para la casa RCA- VICTOR; pero continua su labor hasta que en 1969 recibe la oportunidad de grabar su primer larga duración que causo furor y conmoción a la vez.
En 1970 encuentra la canción que definitivamente le abriría las puertas al éxito y fue un tema del compositor Dino Ramos, y se embarca en una nave que lo conduce por el mar de la felicidad y el triunfo “La Nave Del Olvido”. El éxito logrado fue tal, que además recibe ofertas de la televisión y el cine, que le sirve para ampliar su popularidad.
La década de los 70 le sirve para mejorar la situación económica de su familia, lo que lo ayuda a sentirse mejor emocionalmente. Este año se presenta en el Segundo Festival De La Canción Latina, conocido hoy como OTI y aquí logra el tercer lugar con el tema “El Triste”. Cabe destacar que el público considerando que el prometedor artista debía ganar el primer lugar protesta la decisión del jurado. Días después este tema se convierte en éxito nacional e internacional, corroborando así que el público tenía la razón. A partir de aquí los éxitos no se hacen esperar y comienzan a escucharse uno tras otro.
Para esta fecha comienzan sus giras a nivel nacional e internacional y para el de abril de 1970 llega a la ciudad de Los Ángeles a recoger su primer disco de oro, pasando de esta forma a convertirse en el artista más joven de moda dentro del género romántico, un logro rápido y que perduró por varios años. En ocasiones la fama no se sabe asimilar y eso pasó con José José, pues aquí comienzan a aparecer mujeres y amistades que junto al dinero terminan por conducirlo a una crisis física y espiritual y comienzan a mezclarse triunfos y tristezas y en 1971 retomado su carrera con un ímpetu nuevo graba el tema “Buscando Una Sonrisa”, que también fue tema de su primera película. Este año logra el premio como revelación del año y pasa a convertirse en un ídolo mundial.
El 1972 es otro año repleto de triunfos, fama y éxito y aseguraba en sus presentaciones un lleno total, motivo por el cual todas las plazas reclamaban su presencia y en cada sitio que se presentaba desplegaba romanticismo a la máxima potencia. Independientemente de la fama y fortuna y el continuo subir de su nombre, el matrimonio que había contraído hacia dos años con una mujer veinte años mayor que él y su salud mental, comienzan un deterioro tan rápido como su ascenso al trono, aquí comienzan a agudizarse una vez mas los problemas de salud y en 1973 su salud se agravó tanto que sufrió un paro respiratorio; pero sus ganas de vivir y su publico logran que se recupere y pase de nuevo a cosechar nuevos triunfos dentro de su carrera musical. Su trabajo continuó y varias ocasiones mas ha tenido problemas de salud por la adicción al alcohol; pero cada vez que reaparece su público lo recibe como en sus primeros años y por gusto es apodado el príncipe de la canción.

SILVIO RODRIGUEZ 

BIOGRAFIA DE SILVIO RODRIGUEZ

Silvio Rodríguez, por parte de padre, y Domínguez, por parte de madre, nace un 29 de noviembre de 1946 en San Antonio de los Baños, un pueblo ubicado en un valle muy fértil en La Habana y zona fundamentalmente tabacalera, en el seno de una familia campesina. Su abuelo fue tabaquero y conoció a José Martí, cuando Silvio tan sólo tenia 12 años. Su padre, Víctor Dagoberto Rodríguez Ortega, fue campesino, y siempre fue un hombre liberal y de ideas socialistas. Su madre, Argelia Domínguez León, fue peluquera. Silvio ha manifestado en diversas ocasiones que su afición por la música le viene por parte de su madre, que se pasaba el día cantando boleros y sones santiagueros. Silvio tuvo un tío que tocaba el bajo pero, desde el punto de vista musical, fue su madre la que le dormía con canciones de la trova, se bañaba con danzones, barría con boleros y cocinaba con sones. Su madre debió ser música por vocación, y de hecho ha colaborado esporádicamente con Silvio en algunos trabajos.

Silvio ha sido estudiante, alfabetizador, empleado gastronómico, dibujante, soldado, cantante y padre. Fue empleado de la televisión cubana y trabajó con el grupo de experimentación sonora del ICAIC (Instituto Cubano de las Artes y de la Industria Cinematográfica), donde grabó sus primeros discos y canciones. Empezó a escribir poemas a los siete u ocho años. En la revista «Mella» dibujaba una historieta que se llamaba «El Hueco», una historia muy profunda, con textos de Norberto Fuentes. Cuando trabajaba allí, aprendió los primeros acordes de guitarra con su compañero Lázaro Fundora.

A los 16 años recomenzó los estudios de piano, pero tuvo que volver a dejarlos cuando, el 4 de marzo de 1964, fue llamado al Servicio Militar Obligatorio -SMO-, de las Fuerzas Armadas Revolucionarias -FAR-. Silvio partió rumbo a la región más occidental del país. Tenía 17 años cuando le enviaron primero a una unidad en Pinar del Río durante tres meses. Después desarrolló un primer periodo de doce semanas de entrenamiento en la Unidad 3234, de Infantería, en Artemisa, y fue trasladado a la Unidad 1087, de Servicios de Retaguardia del Ejército Occidental. Posteriormente, ubicado en la 2107, de Comunicaciones, en El Calvario, el recibió un curso de Telegrafía y desarrolló la labor de ayudante del operador de radio.

Entonces se compró una guitarra. En el ejército conoció a Esteban Baños, con quien aprendió mucho de la guitarra. A partir de ese momento, no abandonaría más el instrumento. En todo ese tiempo nunca dejó de escribir poemas y compuso algunos relatos. Entre 1964 y 1965 compuso sus primeras canciones. En 1967 debutó en el programa de televisión Música y Estrellas, vestido con sus botas militares que, según aclaró mas tarde, era lo único que tenia para ponerse. Su primera actuación fue en el Museo de Bellas Artes. Por esa época hizo dúo con Luis López, cantaban sus canciones y se presentaron en dos ocasiones a festivales de Aficionados de la FAR. No resultaron premiados, pero fueron felicitados. En 1975, cuando llevaba ocho años de profesional y había compuesto cientos de canciones, hace su primer disco en solitario, Días y Flores.

Su influencia sobre toda una generación, junto a sus compañeros de La Nueva Trova Cubana, también conocida como Movimiento de la Nueva Trova ha sido reconocida en todo el mundo, incluso por quienes no están de acuerdo con sus ideas políticas. Queda patente que el genio de Silvio es capaz de atraer a quien él quiere y a quien no. Ha colaborado con muchos cantantes y músicos de todo el mundo.

BASILIO 

BIOGRAFIA DE BASILIO

Basilio, disfrutó de popularidad cuando la música de los 60 comenzó a decaer y lo logró durante diez años. Su figura exótica, alto, atractivo y de amplia sonrisa dejando al descubierto su blanca dentadura logro enamorar a las mujeres y en la prensa se le llamaba el cantante de color.
Su verdadero nombre es Basilio Fergus Alexander y nació en Panamá en 1947 dentro de una familia acomodada y se aficiono a la música influenciado por su hermana que estudiaba piano.
Al fallecer sus padres, se fue a vivir con unos tíos que no consentían su espíritu rebelde, aventurero e intranquilo y cansado de la tutela familiar se marcha a Francia a estudiar medicina; pero el no era de estar mucho tiempo en el mismo lugar y entonces decide mudarse a Madrid donde encontró los ambientes musicales a los que se asocia y rápidamente logra un contrato, entonces viaja a Londres a grabar su primer disco donde apareció el tema “No Digas Adiós” que lo catapulta al estrellato en España. Su bonita voz y su swing lo ayudaron al éxito y rápidamente apareció en las revistas y la televisión, haciéndose muy popular en el mundo del espectáculo.
En febrero de 1970 fue elegido para competir en el certamen donde se escogería la persona que representaría a España en Eurovisión y quedo solo a dos puntos de Julio Iglesias; pero para él esto no supuso decepción.
Su vida rodeada de coches caros y chicas rubias lo mantenían en las revistas del corazón y voz y estilo lo colocaron en los hit-parade. Rápidamente se escucho fuera de España, su voz llego a Portugal, Francia, Inglaterra e incluso Japón y con temas como “Tal Vez Mañana”, “El Tiempo Vuela”, “Como El Perfume De Una Rosa” y otras mas apareció su primer larga duración.
Su fama se extiende por Latinoamérica y participa en otro festival donde con el tema “Alguien” de Augusto Alguero llega al lugar numero dos.
Basilio cuidaba mucho su figura, su vestir y siempre lucia elegante y coqueto.
En 1971 en el programa-concurso Canción 71 se presentó y con la canción “Tierras Lejanas” se llevo el primer lugar.
Su buena racha queda rota por su inconsistencia, frivolidad e informalidad y su luz comenzó a apagarse y se marcho a Miami.
Cuando ya todos se habían olvidado de Basileo, un día amanecieron con “Cisne Cuello Negro”, un tema de Manuel Alejandro que era interpretado por la bella y potente voz de Basileo y regresa a la cumbre.
De repente su estela de éxitos se volvió a esfumar, y se marcho de España.
En la década de los 80 el tema “Vivir Lo Nuestro” y la voz de Basileo reaparecieron en la radio y ya en los 90 se volvió a escuchar con “Costumbres”.
Su voz aun se recuerda como en sus mejores momentos, lastima que él no supo valorar una carrera que le dio fama y fortuna, echando por el suelo lo logrado por la poca responsabilidad en su carrera.

ARMANDO MANZANERO 

BIOGRAFIA DE ARMANDO MANZANERO

Armando Manzanero nació el 7 de diciembre de 1935, en la ciudad de Mérida, México y desde temprana edad comenzó sus estudios de música logrando a la edad de 16 años comenzar su actividad profesional al trabajar como pianista.
A la edad de 22 años comenzó como director musical en la disquera CBS y pasando a ser pianista de grandes figuras como Lucho Gatica y Pedro Vargas por citar solo algunos.
En 1959 edita su primer disco y mas tarde con temas como “Somos Novios”, la cual ha sido traducida al inglés por el conocido Perry Como y otros como “Adoro”, “No”, Voy A Apagar La Luz” entre muchas mas, lo han mantenido al tope del éxito.
Manzanero ha recibido muchos premios y trofeos, como el quinto lugar en el festival de la Canción En México, en 1962, en Miami en el año 1965 gano el primer lugar en un festival y otros muchos mas como en 1993 premio a la excelencia otorgado por la Revista Billboard. Manzanero también se ha presentado en muchos escenarios internacionales como Sao Pablo, Buenos Aires, El Metropolitan De México, el Teresa Carreño de Caracas, Venezuela, Madison Square Garden en New York, además de lugares reconocidos de Europa, Asia y otros sitios de gran prestigio internacional.
La carrera de Armando Manzanero se extiende a través de mas de treinta discos, mas de 400 canciones, sobrepasando los cuarenta años de total prestigio, e incluso componiendo temas para películas; pero su mayor trofeo es ser reconocido por diferentes generaciones y que sus canciones permanezcan en los corazones del público por mucho tiempo.

SONIA SILVESTRE 

BIOGRAFIA DE SONIA SILVESTRE

Sonia Silvestre, conocida cantante dominicana, nació en la ciudad de San Pedro de Macorís el 16 de agosto de 1952 y en 1963 su familia decidió emigrar a Santo Domingo. Ya establecida en la capital Sonia hizo contactos con los ambientes de rock, hippie y muchos movimientos juveniles de izquierda que estaban de moda en esos años.
Mientras estudiaba pedagogía, realiza lo que fue su primera presentación como vocalista en 1970 en el programa Gente. Deapues comienza a presentarse en un centro nocturno logrando buena aceptación; pero la fama real la alcanza en el IV Festival De La Canción Dominicana donde alcanza el segundo lugar con el tema “Donde Podré Gritarte Que Te Quiero” de la autoría de Leonor Porchella De Brea. Más tarde graba su primer LP donde todos los temas pasan a convertirse en éxitos.
En 1973 viaja a Cuba donde realiza varias presentaciones enriqueciendo su repertorio y dando una imagen de significado social, motivada por el movimiento de la nueva canción y se muestra versátil al interpretar temas dentro de diferentes géneros musicales. Muestra de ello es “La Tarde Esta Llorando” dentro de la balada, “Yo Pisare Las Calles Nuevamente” dentro de los temas de movimientos sociales y “Mi Guachiman” mostrando su trabajo dentro del folklore
Las presentaciones de Sonia han sido internacionales, apareciendo en Puerto Rico, Nicaragua, Venezuela, España, Colombia, México y Estados Unidos y ha logrado presentaciones en varios certámenes de gran importancia logrando premios y reconocimiento en todos ellos.
La discográfica de Sonia es extensa donde destacan “Sonia
En Buenos Aires”, “Sonia Nueva Canción”, “Sonia Canta Poetas De La Patria”, “Amor Y Desamor” y ha incursionado en la bachata (genero del folklore dominicano) con mucho acierto.
Durante los años 1975 y 1977 logro ser reconocida como la mas popular por Premio El Dorado y ellos mismos le dieron el premio por el mejor espectáculo en 1977, lo que demuestra que su trabajo ha ido en ascenso.
Definitivamente el trabajo realizado por Sonia Silvestre (Sonia Margarita Silvestre) no tiene desperdicio y su destacada labor en la música la hace acreedora de un espacio dentro de los cantantes de moda en los años de la década prodigiosa.

RAPHAEL 

BIOGRAFIA DE RAPHAEL

En 1962, Raphael se alzo con el triunfo en el Festival De Benidorm; pero este galardón lo logro después de su aprendizaje en centros nocturnos, donde adquirió la suficiente experiencia para una carrera que ya llega a mas de cuarenta años.
Según declaraciones del cantante, que nació en Linares, una pequeña ciudad del sur de España el 5 de mayo de 1943, estará en el negocio del canto por mucho tiempo más y muestra de eso es que cuando realiza sus presentaciones en Madrid o en otra ciudad del mundo, el público lo recibe como en sus mejores momentos. Y si como en sus mejore momentos, porque definitivamente ya no es el mismo que una vez vimos cantando “Yo Soy Aquel”. Su experiencia es mucho mayor; pero su voz no es igual y suena a cansada.
La voz de Raphael siempre fue el centro de su personalidad, pues va de tenor a barítono dentro de la canción popular y moderna y fue bien recibido en su país porque en una época que la mayoría de los cantantes eran imitaciones de los ingleses o norteamericanos, el creo un personaje basado en su raíz flamenca y con tonalidades de los cantantes franceses, donde la expresión del cuerpo forma parte de la música. Esa independencia de lo extranjero hizo que fuese respetado desde su primera aparición. Definitivamente Raphael es Raphael y no hay otro igual.
Después del triunfo en el festival, su carrera fue ascendente; pero ha tenido dos etapas, una del 1962 hasta 1966 y la otra de 1966 hasta 1968.
Su primera etapa, donde la unión musical con el compositor Manuel Alejandro, le dio ventas increíbles con temas que lo fueron consagrando con esas letras amorosas de sus inicios. Entonces aparece “El Tamborilero”, un tema grabado en época de navidad, lo que definitivamente le da un giro de 180 grados a su carrera y su aparición en el Festival De Eurovisión en 1966 con “Yo Soy Aquel” y al siguiente año con “Digan Lo Que Digan”, que comienza su carrera totalmente ascendente e imparable y pasa definitivamente a ser conocido en el resto de los países.
Después de tocar el cielo tantas veces, en 1969, comienza la comercialización de su trayectoria y aquí aparecen discos con canciones del acervo latinoamericano, tal vez tratando de extender su fama por ese continente, cosa que no necesitaba, pues esto ya lo había logrado con temas espectaculares. De aquí en adelante el intérprete pierde su genio, su figura y su estrella da paso a que muchos cantantes se le acerquen competitivamente; pero hay que reconocer que con el paso del tiempo no solo él ha perdido calidad. Definitivamente los ochenta no son los sesenta.
Miguel Rafael Martos Sánchez, ese hombre que conocemos como Raphael, logro realizar una carrera que incluye el cine nos ha dejado muestras de calidad vocal pocas veces escuchadas y su presencia en el escenario es indiscutiblemente mucho mas que excelente

ROCIO DURCAL 

BIOGRAFIA DE ROCIO DURCAL

Roció Durcal nació en Madrid el 4 de octubre de 1944 y su nombre verdadero es Maria De Los Ángeles De Las Heras Ortiz. Provenía de una familia obrera y cuando pequeña era tranquila, nadie imaginaba el futuro que tendría por su forma de ser. Desde edad escolar soñaba con ser artista y le gustaba cantar para sus compañas de clase y así fue creciendo su inclinación por el arte.
su abuelo siempre la acompañaba a recorrer las emisoras de radio donde se realizaban concursos, que casi siempre ganaba y la edad de quince años dio su primer paso profesional y fue en televisión española en un programa concurso y un cazatalentos rápidamente se puso en contacto con ella. Aquí por primera vez hablo ella de sus deseos de ser artista. Aquí comenzó su entrenamiento y clases de canto, actuación y todo lo relacionado al cine y el canto. Finalmente llego la hora de su primer trabajo en el cine “Canción De Juventud” y aquí demostró que no se había equivocado, pues las ventas de taquilla fueron por todo lo alto y el éxito espectacular.
En 1962 aparece el segundo trabajo en cine para Roció y en esta ocasión fue con “Roció De La Mancha”. Para la promoción se realizo una gira por España y esto provoco verdaderos tumultos, pues a su paso todos la querían conocer y ella sabía hacerlo, pues su comportamiento ante los admiradores fue fenomenal.
A la edad de diecisiete años viaja a México y más tarde a Venezuela, Puerto Rico y poco a poco se fue dando a conocer. En 1963 otra nueva película, “La Chica Del Trébol” y su papel como actriz fue maravilloso.
En 1964, en el film “Tengo 17 Años”, mostró que ya había madurado mucho y muestra que ya no es una niña. Este año también trabajo en el teatro y su papel fue magnifico.
En los siguientes años sus trabajos en “Acompáñame” en 1965, “Buenos Días Condesita”, en 1966, “Amor En El Aire” realizada en 1967 continuaron mostrando que su trabajo iba en asenso y ya no era la chica prodigio de su infancia, sino una artista que se iba consagrando cada día mas. Después continuaron otras como “Las Leandras” realizada en 1969 y el 15 de enero de 1970 contrajo matrimonio con el ya famoso Junior.
Después de un retiro para atender a su hija, regresa a su trabajo y repitió en el teatro. En 1976, en un viaje a México, conoció a Juan Gabriel y este encuentro determino un cambio en su trabajo, pues aquí comenzó a desarrollar aun más su carrera de cantante y en 1977, después de aparecer su primer trabajo discográfico con temas de Juan Gabriel su carrera como cantante ascendió vertiginosamente.
Mas tarde se distancia del compositor y graba algunos trabajos de boleros, cosa que la mantuvo en el gusto popular. También trabajo con Marco Antonio Solís que resultó de un éxito increíble y ya en la década de los ochenta y noventa su carrera se ha mantenido en el tope de la popularidad.
No cabe dudas que Roció Durcal desde sus inicios demostró su calidad artística y esto junto con su sencillez la han ayudado a mantenerse durante mucho tiempo en la popularidad y el gusto del público.
Mas tarde sus temas de Rafael Pérez Botija, Roberto Livi y Bebu Silvetti donde demuestra versatilidad y su ultimo disco del 2002, donde destacan “Sombras Nada Mas”, “Caminito” y “A Media Luz” han hecho de Roció Durcal una estrella que no tiene fronteras en el canto.

LEONARDO FAVIO 

BIOGRAFIA DE LEONARDO FAVIO

Leonardo Favio, comenzó su carrera musical en 1968 y se destaco como cantante y compositor y a la vez participaba en varios espectáculos de radio en busca de mayor promoción. Con una voz intensa y muy peculiar fue escalando peldaños.
Después del cambio de su ciudad natal, Mendoza a Buenos Aires se adentra en el mundo del cine y realiza un pequeño papel en la película “Ángel De España” en 1957 y al siguiente año apareció en “El Secuestrador”.
En el 1970 con temas como “Fuiste Mía Un Verano”, “Ella…Ella Ya Me Olvido” y “O Quizás Simplemente Te Regale Una Rosa” logra dar su primer gran paso en la música al lograr que estas grabaciones ocupen los primeros puestos en las listas de popularidad y conquista definitivamente el publico de Latinoamérica. Muchos de sus primeros éxitos pasaron a convertirse en clásicos de la época; pero mas tarde su transformación a la música cristiana lo alejó del mercado popular y ha realizado varias giras para financiar sus propios proyectos.

JOSE LUIS RODRIGUEZ 

BIOGRAFIA DE JOSE LUIS RODRIGUEZ

JOSE LUIS RODRIGUEZ:
Posiblemente el ídolo mas importante de la canción hispanoamericana de los ochenta y noventa, es sin duda alguna José Luis Rodríguez, apodado el puma, después de realizar una telenovela en la que su personaje recibía ese sobrenombre. A esto hay que sumar su mirada felina que cautiva al público femenino.
Nació el 14 de enero de 1943 en una modesta casa en Caracas, Venezuela. Su padre era de Islas Canarias y del aprendió algunas coplas. Tras la muerte de su padre, la familia quedo en una completa pobreza.
Siendo José Luis un jovencito, se puso a trabajar y a los 17 años decidió que su futuro estaba en la canción y es cuando forma el cuarteto Los Zeppy, y que no eran más que imitadores de los afamados Platters. Aquí el era el vocalista principal. Con la experiencia adquirida y cierto éxito logrado se integra a la orquesta Billo`S Caracas Boys como solista, donde estuvo cuatro años, logrando reconocimiento; pero sus deseos eran ser solista, para de esta forma lograr un protagonismo total. La oportunidad dorada se le presenta cuando participa en su primera telenovela y después del éxito realiza otras donde cantar era parte el trabajo y así poco a poco cautivaba al público femenino y convencía al público masculino. Tras la popularidad lograda en las telenovelas, solo faltaba el éxito musical a nivel internacional y en 1977 lo logra con “Voy A Perder La Cabeza Por Tu Amor”, del compositor Manuel Alejandro. Tras este rotundo éxito musical extiende sus triunfos por muchos países incluyendo España.
Después llegaron éxitos como “Culpable Soy Yo”, “Dulcemente Amargo” y “Un Toque De Locura”.
En el escenario es un huracán de sentimientos; pero al bajar del mismo se nota frió y calculador y al hablar mide sus declaraciones. Otra de sus características es su elegancia y caballerosidad y aunque en la actualidad realiza menos presentaciones y grabaciones, dejó establecida su calidad al cantar y actuar.

NELSON NED 

BIOGRAFIA DE NELSON NED

Nelson Ned realizo una carrera musical de mucha calidad con temas sentimentales y logro éxito como compositor y cantante y la mejor prueba de su gran calidad fueron sus ventas no solo en Latinoamérica, sino que paso fronteras continentales y llego a Europa y África y en varios países ha sido premiado con discos de oro por sus ventas espectaculares. Como confirmación de sus triunfos como compositor, la prueba es la interpretación de ellos por otras voces e incluso cantantes extranjeros de la talla de Matt Monroe.
Su debut lo realizo en 1968 y ese mismo año con “Todo Pasara” logra ganar el primer festival de la canción en Buenos Aires, dando así un gran paso hacia un futuro prometedor. El siguiente año, en Brasil logra mucha popularidad y comienza su internacionalización, con presentaciones en Estados Unidos,, varios países latinoamericanos, cruza el Atlántico y llega a Europa y mas tarde a África.
Sus presentaciones en el Madison Square y el Carnegie Hall son algunas muestras de prestigiosas presentaciones y sirven para avalar una carrera exitosa.
Después de lograr aplausos, éxitos y triunfos en 1993 se convierte al cristianismo y decide solo grabar temas de contenido

PALITO ORTEGA 

BIOGRAFIA DE PALITO ORTEGA

De argentina salieron al mundo una extensa lista de nombres de triunfadores y ahí hay que destacar a Palito Ortega, que cargo muchos aplausos y fue un fiel exponente de esa nueva ola surgida en la década de los 60. Sus presentaciones llegaron a España. Sus triunfos no tiene discusión y lo hizo de una manera muy autentica y refrescante, pues la mayoría de sus composiciones tiene letras sencillas y alegres; pero eso junto su voz su suficiente para que el publico lo aceptara por varios años. Como muchos otros cantantes, su procedencia era humilde y antes del triunfo realizo varias labores independientes a la de la música.
En sus inicios utilizo varios seudónimos y apareció en varios sitios logrando que en 1959 bajo el nombre Nery Nelson; pero su asociación con Dino Ramos en 1962 fue fructífera para el y ya en 1963 comenzó con RCA Victor y con sus composiciones comenzó como hoy se le conoce, Palito Ortega. De aquí en adelante sus apariciones en televisión fueron frecuentes y comenzó a cosechar una cadena de éxitos que incluyeron temas como “La Felicidad”, “Al Lado”, “Corazón Contento” y “Despeinada” entre otros. Letras optimistas, divertidas que la juventud disfrutaba al maximo en contraste con su carácter tímido.
Por mas de veinte años gozo de la popularidad y participo en el cine, logrando mayores triunfos para una carrera que no se detenía. Finalmente grabo treinta cuatro discos y tuvo ventas de más de quince millones de copias.
En la actualidad esta de vuelta en la música y espera que su nuevo trabajo discográfico, salido en el 2003 tenga la aceptación de sus anteriores trabajos.
Palito Ortega nació el 8 de mayo de 1942 en Tucumán y en la década de los 80, su entrada a la política lo alejó del campo donde se dio a conocer.

ROBERTO CARLOS 

BIOGRAFIA DE ROBERTO CARLOS

Roberto Carlos lleva mas de treinta años en el mundo artístico, gozando de popularidad y cuando en la actualidad edita un nuevo trabajo es recibido cono en sus mejores momentos.
Roberto Carlos Braga, su verdadero nombre, nació el 19 de abril de 1941 en el seno de una familia humilde y en 1947 su maestra le surgiere que estudie piano.
A la edad de nueve años aparece en la radio interpretando temas que estaban de moda en esa época. en 1955 se traslada a Río De Janeiro e influenciado por los artistas roqueros de moda en esos años como Elvis Presley y Billy Halley forma un grupo llamado Sputnik. En el año 1959 aparece su primera producción, un disco en portugués que paso sin pena ni gloria; pero para 1965 ya era todo un ídolo en Brasil y sus apariciones en radio y televisión eran frecuentes. Este mismo año edita dos discos que lo terminan por convertir en el artista mas representativo de la nueva ola brasileña.
En 1968 comienza a buscar su internacionalización y se presenta en Italia, en el festival de San Remo ocupando finalmente el primer lugar. De aquí en adelanta su equipo de trabajo lidereado por su amigo inseparable Erasmo Carlos, comienza a trabajar duramente y empiezan a crear temas en español en busca del mercado latinoamericano y dando un giro a su música que lo lleva de un roquero a ser uno de los artistas mas románticos de la época de aquí en adelante con temas mas serios comienza a entrar en los corazones de sus seguidores a la vez que hablaba también de amor y paz.
En 1973 con “La Distancia” y “Un Gato En La Oscuridad” la carrera se vuelve imparable y realiza un concierto para la Cadena Globo. Este concierto logro tanto éxito que ha tenido que repetirlo todos los años. En sus discos siempre incluye algún tema donde habla de dios y es debido a su fe tan grande.
En su trayectoria musical el éxito ha sido tal que ha vendido mas de setenta millones de discos y aun cuida de su trabajo como en sus primeros días, pues el respeto que siente por el publico en lo principal en su trabajo.
En 1978 cuando su esposa estaba enferma le dedica el trabajo “Yo Te Amo” y se ha convertido en un tema siempre cantado en sus conciertos. Este año también publica “Lady Laura” que dedico a su nana. Este mismo año estaba en México para la presentaron de su concierto, el cual coincide con la visita del Papa. Aquí le piden que componga un tema para él y es cuando crean “Amigo”.
En la década de los 80 ya es todo uno de los grandes y su éxito había alcanzado a Francia, Italia y otros países por sus grabaciones en varios idiomas.
En 1989 se le otorga un Grammy dentro de la música hispana, lo que muestra que su recorrido por la música no ha sido cuestión de suerte, sino de calidad.

LOLITA FLORES 

BIOGRAFIA DE LOLITA FLORES

Indiscutiblemente la vida de Lolila esta marcada por el mundo artístico donde creció. La amistad de sus padres con la farándula española e incluso la amistad sostenida con artistas de la talla de Aydrey Hepburn, Ava Gardner y Frank Sinatra y rodeada de viajes, teatros, cine y música lograron que desde pequeña ese gusanillo artístico se incubara en su cuerpo y a la edad de cinco años apareció en el cine en una película titulada “La Gitana Y El Charro” y aunque en su juventud declaraba ser tímida e incluso pensó en ser azafata, no pudo escapar de lo que era interiormente y finalmente se decidió por la música.
Dolores González Flores, nació en Madrid el 6 de mayo de 1958 y es la mayor de tres hermanos y la fiesta de bautizo estuvo matizada por rumbas, música y guateque. Desde niña, rodeada de la farándula y el ir y venir de su madre Lola Flores hizo que creciese al cuidado de su tata Dioni; pero en ocasiones era incorporada a algunas giras de su madre, donde hacia reír a los presentes con las imitaciones que realizaba de Lola.
Desde joven tuvo amistad con Marisol y tal vez esto finalmente hizo que finalizado sus estudios de bachillerato, dejara los estudios por el arte y con su voz aguda, amplia textura y eso si mucha garra comenzó a recorrer España con su voz y hasta cruzo el Atlántico para darse a conocer en Hispanoamérica, rechazando ofertas de desnudos e incluso tuvo tiempo para componer algunos temas.
El primer tema grabado fue “Mi Carta” de su inspiración y su primer disco apareció en 1977. al siguiente año se publica su segundo trabajo discográfico, titulado “Esperame”; pero hubo que seguir esperando, pues aunque en el disco aparecieron temas de Perales, Manuel Alejandro y Juan Gabriel no tuvo el éxito que deseaba e incluso en su patria su carrera se estanco; pero si logro despegar fuera de ella, grabando temas que ni siquiera se escucharon alla.
La década de los ochenta continuo con su carrera fuera de España, donde recibió numerosos premios y entre sus amores y fracasos hasta que finalmente se casa con un argentino y sentimentalmente se estabiliza; pero musicalmente no lograba la aceptación que se esperaba. Después de otro receso musical por el nacimiento de su hija, parte fuera de su país para recoger los triunfos del disco “Locura De Amor”.
Finalmente en España logra el éxito, pero no fue fácil pues tuvo que luchar mucho, parece que la cruz de ser hija de Lola Flores es pesada; pero ella supo llevarla con dignidad hasta que logró por ella misma quitarse esa carga de encima y convencer a sus paisanos de su calidad artistica.

EMILIO JOSE 

BIOGRAFIA DE EMILIO JOSE

Cuando en 1970 Emilio José salió a la luz publica, con poemas de un famoso escritor y música añadida por él, daba la impresión de ser un moderno mas dentro de la canción protesta; pero a diferencia de muchos el cantaba al amor, al mar y a las flores, sin ir a complicaciones, pues el trabajo era algo sencillo.
En 1970 se trasladó de su ciudad natal, Córdoba a Madrid, aunque antes había vivido en Barcelona donde se desempeño en diferentes trabajos. Ya residiendo en la capital sale su primer trabajo en 1972 que incluyo temas como, “Puerto De Mar” y “Barrio De Marineros”. Este disco titulado “Campo Herido”tuvo buena aceptación y al siguiente año en el Festival De Benidorm con la canción “Soledad” se instalo en la cima de su carrera y económicamente le proporciono buenos resultados, pues otros muchos cantantes y orquestas la hicieron parte de su repertorio, lo que finalmente le da el empujón final.
Después de este éxito no ha logrado otro tema que lo iguale; pero continúo trabajando y en 1975 aparece un nuevo disco que dedico a su padre que ya había fallecido. Aquí sobresalió el tema “Mi Barca” y sus giras por Latinoamérica fueron frecuentes al igual que los reconocimientos que recibió. Mas tarde otro disco que dedicaba al mar, por la cantidad de temas le donde lo mencionaba.
Su trabajo siempre ha estado buscando la perfección y eso es difícil de encontrar; pero el ama la lírica y sobretodo siempre ha querido ser autentico, sin parecerse a otros. Este interés en su trabajo no ha permitido que se comercialice y aunque continuó adelante, no le ha sido fácil abrir las puertas.
En 1979 y 1980 aparecieron nuevas publicaciones con la casa Belter; pero cambia a la disquera Hispavox y en 1983 con un disco titulado “Un Paso Adelante” donde se puso mucha ilusión y el resultado fue bueno; pero siempre a la espera de otro tema que lo devuelva a la cima.
En 1992 reaparece con un disco similar al el inicio de su carrera, pues otra vez puso música a poemas conocidos; pero con resultados similares a los anteriores, pues su trabajo gusta y es aceptado; pero no logra regresar a las listas de éxito como en sus inicios.
Otro cambio de disquera, un nuevo disco y como el personalmente me relató, “lo veremos cantar por otro milenio mas”
Emilio José nació el 16 de junio de 1950 y su verdadero nombre es José Emilio López Delgado.

DYANGO 

BIOGRAFIA DE DYANGO

Dyango logró una profunda formación musical por los estudios realizado en un conservatorio, además conoce, maneja y domina varios instrumentos musicales. Todo esto lo coloca por encima de muchos de sus colegas. Estos conocimientos musicales los ha puesto en su carrera y junto a la experiencia que ha adquirido hace que mantenga una carrera activa y vigente. En ese conservatorio estudio solfeo, piano, trompeta y violín y comenzó en los clubes de la ciudad a ganarse la vida.
El verdadero nombre de Dyango es José Gómez romero, el nació en Barcelona el 8 de mayo de 1940 y su amor a la música es gracias a su padre que fue músico.
Dyango aprovecho el Festival De La Canción De Aranda De Duero para presentarse y darse a conocer con el tema “Me Dijo Que Me Amaba”, esto en 1965.
Su carrera al éxito no ha sido fácil, pues el público siempre lo que ha querido y admirado tanto en España como en Latinoamérica y la critica lo aceptaba por sus cualidades; pero no lograba entrar en las listas de éxito, cosa que finalmente sucede en 1976 cuando gana el Festival De Benidorm con la canción “Si Yo Fuera El”.
De esta fecha en adelante comenzó grabando un disco por año y poco a poco se fue dando a conocer y las disqueras comienzan a interesarse más en su trabajo.
En 1977 aparece un disco de boleros que incluyeron entre otros, temas como “La Barca”, “Nosotros”y “El Día Que Me Quieras”.
El año 1978 Dyango reaparece con un disco lleno de temas italianos y después en 1979 otro disco con éxitos de los sesenta, aquí incluyo “Ma Vie”, “Rogare” y “El Mundo”. Este trabajo le valió para darle otro empuje a su carrera que se tornaba indetenible.
La década de los ochenta realizo nuevas grabaciones que lo mantuvieron en el tope de su carrera musical, incluso cuando edito un disco en catalán.
Su estilo es de romanticismo clásico y en esa línea ha logrado grabar más de cuarenta discos. Su fama ha llegado a Latinoamérica y se ha mantenido en mercados difíciles como México, Argentina, Venezuela y Colombia.
Pero también esta el Dyango magnifico que conocimos finalizando la década de los sesenta donde grabó temas como “Éramos”, “Lejos De Mi”, “Ilusión”, la fabulosa “Aline” y Ausencia” entre otros. Además a realizado dúos con artistas de la talla de Celia Cruz, Oscar De León, Pimpinela y el tenor Jaime Aragall, pues Dyango sabe y a incursionado en otros géneros como cuando grabo “Un Bel Di Vedrenmo” de la obra “Madame Buterfly” y “Esperame En El Cielo” del trío Los Panchos. Eso hace que su personalidad musical se agigante y haya sido premiado con cincuenta y cinco discos de oro y cuarenta de platino y no solo en España y Latinoamérica, sino también en Estados Unidos.
De la discografía de Dyango cabe destacar los discos “Morir De Amor”, “A Corazón Abierto” y “Quan L`Amor Es Tan Gran”, este último en catalán.
Definitivamente Dyango es uno de los cantantes más internacionales que ha tenido España.

MANOLO GALVAN 

BIOGRAFIA DE MANOLO GALVAN

MANOLO GALVAN:
Manolo Galvan se ganó un puesto en el corazón de los argentinos, pues cuando su carrera como solista comenzó a tener valor y se residencio en ese país del sur de América fueron muchos los admiradores que ganó. Esto sucedió entre 1972 y 1973; pero su larga trayectoria se traslada mucho mas atrás, pues sus inicios fueron en el grupo Los Sonor, uno de los grupos grupo iniciadores de lo que se comenzó a denominar música moderna en España. En este grupo participo en la inauguración de una discoteca, que mas tarde llego a ser frecuentada por Los Sirex y el Dúo Dinámico.
Manolo abandona el grupo en busca de una carrera como solista y recibe una proposición para grabar un disco; pero esto fracasó porque para el productor su voz cascada no interesaba, esto mas tarde resulto su éxito, y entonces decide regresar a Málaga y comienzan sus contactos con los ambientes musicales y culturales de la ciudad. En esta oportunidad además de perder la oportunidad de grabar su primer disco, también se le escapo la posibilidad de participar en el Festival De Benidorm.
Ya establecido en Málaga se suma a un grupo musical que después de incorporar un baterista, cambiar de estilo y nombre para titularse Los Gritos, donde finalmente se convirtió en el motor del grupo, pues además de cantar, componía y tocaba la guitarra. Después de un corto alejamiento, se reincorpora y pasan a denominarse Zarzamora. Finalmente como solista comenzó una carrera triunfal y es ahí donde su voz pasa a tomar gran valor, pues resultaba única y agradable y logra cobrar mucha fama en su país natal; pero como ya se menciono fue en Argentina que realmente su carrera se volvió imparable y ha resultado ser el artista de español de mayores triunfos y mayor trayectoria. Esto le sirvió para viajar por Hispanoamérica, Estados Unidos e incluso llegar a Canadá.
Manolo Galván nació en Alicante y a la edad de quince años quería ser cantante en oposición a su familia; pero a tanta insistencia de su parte recibe de regalo una guitarra y comenzó interpretando temas sociales y políticos de moda por aquellos años.
En su carrera como solista participo en varios festivales y con el tema “Por Que Te Quiero Tanto” es que se les abren las puertas en Argentina. Mas tarde el tema “Te Quise, Te Quiero Y Te Querré” le sirve para mantenerse en el tope y en 1973 definitivamente se muda a Buenos Aires.
Su carrera continúo con mucho éxito en Argentina y aunque en su tierra casi ya ni escucha, aun su carrera permanece vigente.
Entre sus temas mas destacados están “El Regreso” de 1971, “Vagabundo” de 1972, “Deja De Llorar” y “Pequeño Gorrión” de 1973.
En 1974 popularizo “Mujer” y “Nuestra Casa”, en 1975 “Tu Silencio”, “Acuérdate De Mi” y otros mas.
Según declaraciones del propio Manolo Galván debe su éxito a Juan Pardo quien siempre ha estado ayudándolo, pues al inicio fue él quien le dio la mano y después le ha proporcionado algunos temas de gran valor.

JOSE LUIS PERALES 

BIOGRAFIA DE JOSE LUIS PERALES

Su primer contacto con un instrumento musical, un laúd que comenzó a tocar a los 6 años de edad, le abrió la puerta a un mundo que inmediatamente hizo suyo y optó como forma de expresión y de realización personal: la música. A los 16 años todo esto se manifestó con la composición de su primer tema.

Nacido en la provincia de Cuenca, en uno de los períodos más difíciles de la reciente historia de España, José Luis tuvo que marchar a Sevilla para poder llevar a cabo sus estudios de electrónica en la Universidad Laboral de la capital andaluza. Allí formó su primera agrupación musical, con la que ganó el primer premio del festival organizado por dicha universidad. Más tarde se trasladó a Madrid y allí alternó el trabajo con sus composiciones. En 1970, Rafael Trabuchelli descubrió a aquel joven compositor que, además, no tenía mala voz. Su primer éxito como compositor fue la canción "Por qué te vas", interpretado por Janette que sería el tema principal de la película "Cría Cuervos" de Carlos Saura. Tras mucha insistencia de los directivos de la compañía, José Luis Perales se decide a interpretar sus composiciones y la primera de sus canciones, "Celos de mi guitarra", es un éxito total en España y Latinoamérica. Ambos temas hacen de él el compositor más solicitado de la música española. Seguramente es el autor español más prolífico, con más de 450 canciones registradas en la Sociedad General de Autores Españoles (S.G.A.E.). Una vez establecido como cantautor, Perales se refugia en su provincia natal y desde allí compone para él y para otros intérpretes. Como compositor, José Luis Perales ha escrito algunas de las páginas más brillantes de la música popular de los últimos 30 años. Cuando compone para otros él mismo confiesa que se mete en la piel del intérprete e intenta reflejar o lo que el otro sentiría y cómo lo expresaría. "Marinero de Luces", el álbum que escribió para Isabel Pantoja, es el ejemplo más claro. A su inspiración se deben temas universales como "Y quién es él", "Un Velero Llamado Libertad", "Me Llamas", "EL Amor", "Te Quiero", "Quisiera Decir Tu Nombre", "Amor Sin Límites" y "América" que han sido éxito en su voz o en la de los intérpretes más importantes de la música hispanoamericana. Mocedades, Massiel, la mencionada Isabel Pantoja, Julio Iglesias, Rocío Jurado, Raphael, Jeanette, Paloma San Basilio, Miguel Bosé, Lola Flores, Vicente y Alejandro Fernández, Ana Gabriel y hasta La oreja de Van Gogh son algunos de los artistas que han puesto voz a sus letras.

Ha recibido más de 100 discos de oro y platino a lo largo de su carrera. Se ha presentado en los escenarios más emblemáticos de los países americanos como el Carnegie Hall de Nueva York, el Estadio Luna Park de Buenos Aires, El James Night Center de Miami, El Estadio Peñarol de Montevideo o el Auditorio Nacional de México. Sensibilizado, desde sus comienzos, con los más desprotegidos, Jose Luis Perales colabora con ellos cediendo los derechos de una de las canciones de cada disco a Aldeas Infantiles S.O.S.

 

BIOGRAFIA DE ROLANDO LA SERIE

La carrera artística de Rolando Laserie es atípica. Nació en Matas, incógnito pueblo de Santa Clara, el 27 de agosto de 1923 y desde los 9 años aprendió a tocar timbales (pailas), instrumento al que dedicaría los primeros años de su vida profesional, de la que también formaba parte, al menos al principio, el oficio de zapatero. Desarrolló su vocación de cantante en esa equívoca zona que eran las academias de baile, aunque hay una anécdota no confirmada según la cual cuando tenía 20 años sustituyó a Miguelito Cuní en una presentación que hizo en Santa Clara la orquesta de Arcaño y sus Maravillas. Como percusionista, actuaba de forma esporádica con la Banda Municipal de Santa Clara.

En 1946 inicia el periplo común de los músicos de la época: viaja a La Habana, donde comienza como percusionista en la orquesta de los Hermanos Palau. En la capital colaboró eventualmente con diferentes agrupaciones, hasta que ingresó en la Banda Gigante de Benny Moré, como timbalero y se le permitió también formar parte del coro acompañante.

En esa grandiosa época que fueron los años 50, hay una figura que merece capítulo aparte y que aparece relacionada con una parte muy importante de los acontecimientos musicales, ya sea como promotor, compositor, arreglista o director de orquesta. Me refiero a Ernesto Duarte, quizás la persona que más contribuyó a la formación del Benny como director de banda.

Como narra Cristóbal Díaz Ayala en Música cubana, del areyto a la nueva trova, Duarte fue uno de los auspiciadores del cantante Rolando Laserie, quien con voz y estilo inconfundibles, pronto devendría mito.

La irrupción de Laserie como bolerista no estuvo acompañada por los mejores augurios. El sello discográfico Gema (propiedad de los hermanos Álvarez Guedes y de Duarte), decidido a promocionar a jóvenes que tuvieran algo nuevo que decir en el competitivo mundo musical de la época, comenzó su experimento con aquel timbalero ambicioso. Durante las grabaciones, el propio cantante escuchó decir a uno de los ejecutivos de la firma: "Este Álvarez Guedes debe tener mucha plata o está loco, porque mira que grabarle a ese negrito que no sabe ni cantar...". Quizá tuviera mucha plata, porque sin dudas sabía hacerla, pero loco no estaba. El disco se estructuró sobre los arreglos de Duarte, dueño de una sonoridad de jazz band cubana que marcó toda una época, y en él se respetó la novedosa forma de interpretar del casi debutante y que consistía, entre otras cosas, en un coloquialismo popular que ni siquiera intentaba una dicción "correcta". En esa época se presumía que había una forma correcta de hablar el castellano que era, faltaría más, el que empleaban la clase media-alta cubana, y cuyos acentos, pronunciaciones y tonos eran considerados un estándar cultural. Aún los cantantes populares, sobre todo los dedicados a música "romántica", procuraban asumir esa convención. Los resultados no siempre eran los más felices, como cuando algún o alguna intérprete con una forma de decir que parecía de patricio cubano del XIX, soltaba con toda naturalidad un "...dijistes que me querías...", pero el caso es que resultaba insólito sentir el habla popular habanera en un bolero y esa fue la forma en que comenzó a cantar Laserie, felizmente respetada por los empresarios de Gema


En su primera grabación Mentiras tuyas, de Mario Fernández Porta, se aprecia un estilo que nunca abandonó y que era su sello personal.

Otro de sus aportes fue incorporar la forma de decir de la rumba, especialmente del guaguancó, con permanentes incursiones coloquiales, verdaderas escenificaciones de diálogos, y que el filin también aprovecharía.

Todo eso y su excelente y cálida voz, hicieron que desde su primer single, grabado en 1957, Laserie se convirtiera en un ídolo con título propio: "El Guapo" o "El Guapachoso" de la canción, que de ambas formas se le conocía. Estos atributos le ganaron un injustificado ataque por parte de la crítica, que asumía la cursilería reinante como un patrón.

Guillermo Cabrera Infante, que fue su amigo, decía, sin embargo, que era el segundo mejor cantante cubano, después de Benny Moré.

Rolando Laserie era osado en grado sumo. Entre otras cosas, se atrevió a hacer una recreación personalísima de Lágrimas negras, un verdadero clásico. Era un artista inteligente y sabía o intuía que nuestra música debía su grandeza a su insólita capacidad de establecer cánones y romperlos casi inmediatamente, lo cual había creado una verdadera tradición popular, una cultura, que permitía asimilar las novedades, siempre que estuvieran avaladas por la calidad.

Otro de sus atrevimientos estelares fue la grabación de Los cuarenta, tango de Gorrindo Grela al que respeta la letra (voseo y lunfardo incluidos) pero, eso sí, con sonido de bolero y entonación popular cubana y que fue muy bien recibido en Buenos Aires, contra todo pronóstico.


Después del triunfo de la revolución marchó a Miami, adonde fue a parar una buena parte de su público. Allí continuó su carrera y su mito. Murió en 1998

PEDRO FLORES 

BIOGRAFIA DE PEDRO FLORES

Pedro Flores fue uno de los mejores compositores de baladas y boleros que Puerto Rico ha producido. Nació el 9 de marzo del 1894 en Naguabo, Puerto Rico, en el seno de una familia pobre con 12 hijos. Su familia, al igual que muchas otras en Puerto Rico, luchó por sobrevivir esa época de transición entre dos gobiernos coloniales, el de España y el de Estados Unidos. Flores, sufrió la muerte de su padre, cuando apenas tenía 9 años viéndose forzado a trabajar para ayudar a mantener la familia.

A los 16 años de edad se graduó de la Universidad de Puerto Rico como maestro. Por cinco años ejerció el magisterio en diferentes pueblos en la costa sureste de la isla. Luego de un año trabajando en la central azucarera en la cercana isla de Vieques, en el 1918 fue reclutado por el ejército de los Estados Unidos al servicio militar. Sirvió en posiciones clericales. A los 24 años fue dado de baja del ejército y por dos años tuvo varios trabajos.

Flores se embarcó en una nueva fase en su vida al mudarse a la ciudad de Nueva York. Una fase que a fin de cuentas trajo como fruto su genio musical y le brindó su inolvidable fama. Los comienzos de esta etapa de su vida no fueron los mejores. Realizó diversos trabajos para sobrevivir hasta el 1928. En ese tiempo tuvo un encuentro fatídico con otro puertorriqueño, Rafael Hernández, cantante que goza actualmente de igual fama.

Su asociación con Hernández y con el círculo de amigos del cantante; en su mayoría músicos, le proveyeron una salida y encendieron la chispa de su expresión creativa que produjo cantidad de canciones clásicas. Canciones que incluían una gama de temas universales, desde la separación con un ser querido, tal como "Despedida" (letra), un amor perdido, como en "Linda" y el sentimiento patriótico como en "Sin bandera", para sólo mencionar algunas.

La amistad de Flores con Hernández fue muy íntima, pero no faltó el componente competitivo. Cada artista trabajó para producir la mejor y más popular canción. De hecho, Hernández sentía envidia por la belleza de "Sin Bandera" de Flores. Eso llevó a que Hernández escribiera su famosa canción "Preciosa", un buen tributo a su amistosa rivalidad con Flores, quien inspiró su esfuerzo. La rivalidad llevó a Flores a formar una banda para competir con el Trío Borinquen de Hernández. A su vez, Hernández acusó a Flores de componer una ráfaga de canciones en solo una semana, incluyendo éxitos memorables, tales como "Sueño de Amor", "Quejas del alma" y "Abandono".


Flores organizó el Cuarteto Flores el cual comenzó a grabar sus canciones en el 1930. A pesar de que más tarde se añadieron músicos el grupo mantuvo el término de cuarteto. Pero Flores tenía problemas con la compañía publicadora de su música y abandonó el cuarteto para irse a México.También vivió algún tiempo en Cuba pero este período fue marcado por muy poco éxito y hasta por un retiro del mundo musical. Eventualmente, Flores regresó a Nueva York y fundó un nuevo cuarteto con un grupo de músico muy talentosos, entre ellos Daniel Santos.

A Flores se le recuerda por las baladas más preciosas producidas por puertorriqueño alguno. Entre estas, se encuentran "Perdón" (letra), "Esperanza alguna" (letra), "Bajo un Palmar" (letra), "Amor", "Margie", "Querube", Obsesión, ((letra) y "Linda". Estas y otras han sido interpretadas por diversos artistas y han llegado al alma del espírit puertorriqueño.

Pedro Flores murió en julio del 1979.

RAFAEL HERNANDEZ 

BIOGRAFIA DE RAFAEL HERNANDEZ

Las obras de Rafael Hernández Marín, uno de los compositores más importantes de la música puertorriqueña durante el siglo 20, han logrado desafiar las pruebas del tiempo. Hernández nació en Aguadilla, Puerto Rico, el 24 de octubre de 1892.

Comenzó a tomar clases de música a los 12 años, con los profesores Jose Ruallán Lequerica y Jesus Figueroa. Aprendió a tocar varios instrumentos, tales como: la corneta, el violín, el trombón, el bombardino, la guitarra y el piano. En su adolescencia, se mudó a San Juan, donde tocó en la Orquesta Municipal bajo la dirección de Manuel Tizól.

En 1912, compuso su primera canción, una danza titulada "María y Victoria", pero con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial, Hernández tuvo que servir en las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos, donde tocó con la Banda Militar.

Después de su experiencia militar, Hernández se mudó a Nueva York donde conoció a próceres tales como: Luis Muñoz Marín, Luis Llorens Torres, Luis Palés Matos y Pedro Flores. Más tarde viajó a Cuba, donde condujo la Orquesta del Teatro Fausto en la Habana. Después de 4 años, retornó a Nueva York, donde organizó al Trío Borínquen. Después de un período breve de logros, con canciones como: "Siciliana", "Me la Pagarás" y "Menéalo", el Trío Borínquen fue disuelto y Hernández fundó otro grupo.

La nueva banda fue llamada Conjunto Victoria, através de la cual Hernández tuvo uno de los períodos más importantes de su carrera ascendiente. Al comienzo de los años 40, Hernández viajó a Méjico, un país que siempre consideró su segundo hogar; emprendió estudios en el Conservatorio Nacional de la Música de Méjico, del cual se graduó como maestro de armonía, composición y contrapunto.

Volvió a Puerto Rico en el 1953 y, después de varios viajes exitósos a diferentes pueblos de la Isla, trabajó como consultante de música para la recién-creada emisora gubernamental, WIPR. Entre los años 1956 a 1959, sirvió como Presidente Honorario de la Asociación de Compositores y Autores de Puerto Rico. Hernández participó en varias causas cívicas y ayudó a fundar Beisból de Pequeñas Ligas para jóvenes puertorriqueños.

El 11 de diciembre de 1965, Hernández murió --después de una larga lucha contra el cáncer. Su herencia al Pueblo consta de más de 3,000 composiciones musicales de diversos géneros, incluyendo clásicos tales como: "Silencio" (letra), "Ausencia" (letra), "Campanitas de Cristal" (letra), "Preciosa" (letra) y "El Cumbanchero". Pero, quizás su canción más famosa sea "Lamento Borincano" (texto de la canción), que ha sido grabada por numerosos artistas desde que se escribió. Ella representa las luchas del jíbaro puertorriqueño para poder subsistir; el arquetipo de un héroe que el pueblo puertorriqueño se ha identificado con muy de cerca. Identificarse con este pobre jíbaro, desanimado por su inabilidad de vender sus mercancías en la placita del pueblo puede ser interpretado como representación de la lucha propia de Puerto Rico por su identidad nacional e independencia en la cara de su historia colonial. Una de las versiones más viejas de la canción fue interpretada por Alonso Ortiz Tirado-Lamento Borincano. Una versión moderna-Lamento Borincano fué hecha por los esfuerzos de colaboración de: Gilberto Santa Rosa, Marc Anthony y La India.

Las obras de Hernández fueron aclamadas más allá de su natal Puerto Rico. Los mejicanos de la región de Puebla consideraban "Que Chula es Puebla" como su himno oficioso. De la misma manera, muchas personas en la República Dominicana consideran "Linda Quisqueya" como su segundo himno nacional.

MARCO ANTONIO MUNIZ 

BIOGRAFIA DE MARCO ANTONIO MUNIZ

Marco Antonio Muñiz nació el 3 de marzo de 1933 en Guadalajara, Jalisco, y desde muy pequeño demostró tener aptitudes para el canto.

A los 13 años dejó la escuela y decidió ganarse la vida cantando en la calle y algunos lugares concurridos de Ciudad Juárez, Chihuahua, lugar en el que residió cuando era niño.

Sin embargo, no tuvo mucha suerte y regresó a su natal Guadalajara con el fin de proveer a su familia de más ingresos económicos, por lo que dejó a un lado el canto y comenzó a trabajar en una joyería, lugar en el que aprendió el oficio y como muestra de ello aún conserva un diamante en su muñeca izquierda.

Su afán por obtener más dinero lo obligó a laborar en una panadería, pero su inquietud por el mundo de la farándula lo hicieron regresar a ese medio, en el que aceptó trabajar como portero en la estación de radio XEW, en el Distrito Federal, y posteriormente como encargado de levantar los letreros de "aplausos".

A partir de entonces se fue relacionando con diversos artistas y alternó su trabajo con el de secretario de la cantante y actriz argentina Libertad Lamarque y del destacado cantante cubano Benny Moré.

La influencia romántica de la época inspiró a Marco Antonio Muñiz a formar su propio trío al cual llamó Los Brillantes, que se presentó por primera vez en una casa de citas propiedad de la señora Graciela Olmos, a quien la llamaban "La Bandida".

En 1953 Muñiz formó junto con Juan Neri y Héctor González el trío "Los Tres Ases", agrupación con la que obtuvo éxito tras éxito interpretando boleros como Vanidad y Estoy Perdido.

Su debut como solista fue con el tema Luz y Sombra, bajo la batuta de Chucho Zarzosa y su orquesta, lo que dio como resultado la grabación de temas tan famosos como Escándalo y Por Amor.

TITO RODRIGUEZ 

BIOGRAFIA DE TITO RODRIGUEZ

Pablo "Tito" Rodríguez nació el 4 de enero de 1923, en Santurce, Puerto Rico. Su padre era de la República Dominicana y su madre de Cuba. El internacionalmente reconocido vocalista, percusionista, director de banda, compositor, y productor de grabaciones, era igualmente talentoso como "uptempo" sonero y cantante romántico.

A la edad de 16 años, tocaba maracas y cantaba como segunda voz con el Cuarteto Mayari antes de trasladarse a la ciudad de Nueva York para vivir con su hermano mayor, Johnny quien se había mudado allí en 1935. Un vocalista y compositor popular, Johnny formó su propio trío en 1940. Las grabaciones que hizo con su trío en el sello Seeco fueron recojidas en la colección "Encores De Johnny Rodríguez y Su Trio" y "Siempre Favoritas de Johnny Rodríguez Y Su Trio."

El primer trabojo de Rodríguez en la Ciudad de Nueva York fue con el Cuarteto Caney. Después de un breve tiempo con Enric Madriguera y Xavier Cugat como cantante y bongista (instruments: bongo); un año en el Ejército de los Estados Unidos, estos fueron seguido por el trabajo de cantante con Noro Morales. "El Dinamico Tito Rodríguez" fue una re-editación de una colección de Morales con Rodríguez.

En 1946 el pianista y compositor cubano Curbelo reclutó a Rodríguez y a Tito Puente (en los timbales ) para su banda, que llegó a ser una "incubadora" para el futuro sonido de mambo de Nueva York. Grabaciones hechas por la banda de Curbelo durante los dos años que Rodríguez estaba con él fueron compilados posteriormente en "Los Reyes Del Mambo." En 1946, mientras la banda de Curbelo aparecía en el club nocturno China Doll, Rodríguez conoció a una muchacha del coro americana-japonesa llamada Tobi Kei, con quien se casó unos meses después.

En febrero 1947, mientras aun estaba con Curbelo, Rodríguez participó en una sesión de grabación de Chano Pozo para el sello de Gabriel Oller SMC, que incluyó la banda de Machito, Arsenio Rodríguez y Miguelito Valdes. Curbelo despidió a Rodríguez en 1947 cuando él le había dado un día libre para cuidar de su esposa enferma, pero alguien le informó a Curbelo que Rodríguez había pasado el día bebiendo en una barra. Rodríguez estuvo despempleado por varios meses.

Después dirigió un quinteto efímero, que él formó a finales del 1947, Rodríguez organizó un conjunto de trompetas llamadó los Mambo Devils en 1948. El grabó ocho canciones con esta banda en el sello SMC. Cuatro de éstas fueron arregladas por Tito Puente, quien luego se convirtió en su competidor musical. Rodíguez luego agrandó su grupo a una banda grande, que él dirigió hasta 1965.

En 1949 él firmó con Tico Records, formada apenas un año anterior. Rodríguez tuvo que re-nombrar su banda a Lobos del Mambo debido a que la compañía de grabación se oponía al nombre Mambo Devils. Hizo dos trabajos para este sello, entre 1949 y 1953 y entre 1956 y 1958, durante este tiempo lanzó 78 grabaciones de RPM, seis volúmenes de mambos de 10 pulgadas, y varios álbumes de 12 pulgada. El material de estos dos períodos se compilaron luego en "Nostalgia y Uptempo." Tito no grabó durante el 1950 a causa de la turba en la compañía que suspendió toda grabación en Tico. El reasumió las grabaciones el año siguiente cuando los problemas se resolvieron.

En la persecución de cruzar a otros mercados, Rodríguez cambió al sello de RCA en 1953 y sus grabaciones en este sello vendieron muy bién. Ritmo y Melodia, 15 Joyas Tropicales fue la compilación más reciente sacada de su período de RCA. A su regreso a Tico, lanzó Wa Pa Cha. Su lanzamiento final para ellos fue Señor Tito Rodríguez.

En 1960 firmó con United Artists Records con el acuerdo que él sería el único líder de banda musical latino que grabaría para la compañía. Su primer álbum con este sello, Live at the Palladium, fue un éxito magnífico, empañado sólo por el conflicto continuo entre Puente y Rodríguez sobre los "top billings" en la sala de baile del Paladium en Nueva York y otros lugares.

En 1962, Rodríguez tuvo tres canciones consecutivas que fueron "hits" magníficos: "Vuela La Paloma," "Cuando, Cuando" y "Cara De Payaso," y todas llegaron a la cima de los "charts" musicales en Puerto Rico y otros países sudamericanos. Rodríguez y su banda grabaron "Back Home In Puerto Rico" durante una estadía de dos semanas en la isla durante junio 1962. Su regreso fue marcado por recepciones oficiales de gobierno y amplia cobertura por los medios noticiosos.


El trató también de encontrar la fama en Las Vegas con una revista musical, pero fue un fracaso deprimente que causó una gran pérdida financiera. Rodríguez grabó también como cantante primario con el La Playa Sextet, cuya alineación substituyó la guitarra eléctrica de su líder puertorriqueño, Payo Alicea, por el piano tradicional. Una compilación de cortes de La Playa Sextet con Rodríguez como vocalista principal, fue lanzado bajo el título, "Tito dice ... Separala También!"

En 1963 él lanzó el jazz latino Live At Birdland, que incluyó a los músicos del jazz Zoot Sims, Clark Terry, Bob Brookmeyer, Al Cohen y Bernie Leighton. Ese mismo año Rodríguez tuvo un "hit" inmenso con su album From Tito Rodríguez with Love que incluyó la canción "Inolvidable". La canción fue escrita por el líder de banda/pianista cubano Julio Gutierrez. El siguió esta grabación con una serie de álbumes románticos suaves de bolero, esparcido con colecciones de uptempo como Tito Tito Tito, en el cuál Israel "Cachao" Lopez como acompañante sirvió de defensor de las sesiones de Jam latino, el momento culminante fue el track de apertura "Descarga Cachao."

Su álbum de la compilación: The Best of Tito Rodriguez incluyó muchas de sus canciones clásicas que fueron "hits" como Asi, Asi.

La disputa entre Rodríguez/Puente se reflejó en algunos de las grabaciones que Rodríguez hizo para el sello Musicor Records, tal como "Avisale A Mi Contrario Que Aqui Estoy Yo" del álbum Carnival Of The Americas. El vocalista cubano Miguelito Valdes y Machito apelaron a los dos combatientes en la canción "Que Pena Me Da", compuesto por Valdes para su reunión de colaboración en 1963. Rodríguez y su banda acompañaron al cantante Nelson Pinedo en su lanzamiento de Musicor "A Latin in America."

Malos contratos de negocios y el constante choque con sus colegas sobre la paga lo llevaron a disolver su banda y mudarse a Puerto Rico en 1966. Las actitudes negativas hacia los "Nuyoricans" inicialmente le previno de irrumpir en la televisión en Puerto Rico, pero él logró obtener un programa cuando la compañía matriz de United Artists adquirió uno de los canales de la isla. Artistas invitados tales como Shirley Bassey, Tony Bennett y Sammy Davis Jr. aparecieron en su programa. El creyó que sentimientos anti-Nuyorican fueron también la razón por la cual él no recibió un premio por su programa.

Sintiéndose rechazado por su propia gente, Rodríguez se mudó a Coral Gables, Florida, en los Estados Unidos. El regresó a Nueva York para la delicia de la audiencia a capacidad maxima del Manhattan Center con la canción títulado "Estoy Como Nunca". El siguió con el álbum El Doctor el que contuvo Esa Bomba, su última canción sobre la rivalidad la cual apuntó hacia Tito Puente.

Rodríguez demostró los primeros signos de enfermedad en 1967 al hacer uno de su últimos programas de televisión. El decidió fundar su propio sello disquero TR en 1969 y mientras esperaba por lor resultados de las pruebas en el Reino Unido, usó a músicos ingleses para grabar la música de su primer álbum de TR, "Inolvidable/Unforgetable." Le fue confirmado que él padecía de leucemia pero él insistió en que los resultados fueran mantenidos en secreto. TR, Records, Inc, fue lanzado en agosto 1971 y su segundo álbum en el sello, "Palladium Memories," se vendió bien. Se unió a Louie Ramírez para el tercer lanzamiento, "Algo Nuevo." La presentación del 25 Aniversario de Rodríguez, se grabó en un club nocturno en Perú, fue lanzado un mes antes de su muerte. El álbum provocó la especulación acerca de si él lo había pensado que este fuera una despedida. La última apariencia de Rodríguez fue con Machito y su banda en el Madison Square Gargen el 2 de febrero de 1973. El perdió finalmente la batalla con la leucemia y 26 días después, el 28 de febrero de 1973, Rodríguez murió en los brazos de su esposa.

FELIPE PIRELA 

BIOGRAFIA DE FELIPE PIRELA

El Bolerista de América”

Por: José Antonio Orellán

Del “Empedrao” para el mundo. Quien conozca la ciudad de Maracaibo, capital del petrolero estado Zulia al occidente de Venezuela, sabe que una de las mas populares zonas es la del barrio “El empedrao”, (sic) como se dice en criollo, o maracucho si así lo prefieren. De esta barriada han surgido un grueso e importante número de poetas, compositores, cantantes, trovadores y gaiteros, como se llama a los interpretes de la gaita, género autóctono. Así pues, al humilde hogar de Don Felipe Pirela y Doña Lucía Morón de Pirela llegó aquel 4 de Septiembre de 1941 la bendición de un hijo, bautizado como Felipe Antonio Pirela Morón, a quien el futuro, por su privilegiada voz, concisa compostura y particular interpretación, le otorgaría el reconocimiento de “El Bolerista de América”.



Durante sus inicios con "Los Peniques"
Los Inicios. Los primeros pasos para el entonces novel cantante se da con las orquestas de Juanito Arteta y Los Peniques, por las que transitó sin mucha relevancia. De hecho, su llegada a esta última se da por la insistencia de un amigo suyo relacionado a Jorge Beltrán, el director de la agrupación. Para entonces Los Peniques contaba con los vocalistas Victor Piñero, Chico Salas, Ada Vizuet y Tony Izaguirre, lo cual le dificultaba el camino a Pirela, quien se conformaba con cantar al menos una canción en el último set bailable. Todo transcurría sin pena ni gloria, hasta que un buen día el maestro Billo Frómeta le escuchó cantar y mostró interés por sus servicios.


Llega el gran momento. La entrevista pautada con Billo debía darse en la casa de los Pirela Morón, por lo que la familia se preparó a fin de agradar al Maestro. Cuando éste llegó a la vivienda no hizo más que expresar: “... Quiero contratarlo para que sea el bolerista de mi orquesta. Usted tiene mucho futuro... canta como los ángeles ...”. Corría el año 1960, y a Billo le había sido levantado un veto impuesto por la Asociación de Músicos del Distrito Federal y Estado Miranda.
Con la Orquesta Billo's Caracas Boys durante el lanzamiento del LP "Paula". De izquierda a derecha: Felipe Pirela, Cheo García, Paula Bellini y Billo Frómeta.

Billo comenzó a reestructurar su orquesta, lo que para él sería su “Tercera República”, sin duda alguna, la más exitosa de su carrera y con la que trascendió aún después de su muerte. Para ello se hizo además de los servicios de otro maracucho: el guarachero Cheo García. Con la orquesta Billo’s Caracas Boys, las voces de Felipe Pirela y Cheo García adquieren gran prestigio, individualmente, y por la manera como hilvanan sus voces y ritmos en los famosos mosaicos creados por el Maestro. La orquesta causa sensación en el Continente, al tiempo que la dulce voz de Pirela seduce a cientos de miles de fanáticas, si se quiere huérfanas de un ídolo, ante la ausencia de su hasta entonces amor platónico: Alfredo Sadel, quien había tomado la decisión de dedicarse al bel canto.



Felipe Pirela en una de sus presentaciones para la TV.
Una nueva estrella en el firmamento. Pirela obtiene fama con la orquesta Billo’s Caracas Boys. Paralelamente comienzan a lloverle ofertas de otros países, la más tentadora, desde México. El cantante le consultó a su mentor, anticipándole sus deseos de mantenerse en la orquesta en la que llevaba mas de dos años. No obstante, Billo sabía que ya era hora de que Pirela comenzara a volar; no sería él quien cortara sus alas, atándolo a su orquesta, truncándole su camino al estrellato definitivo. Tras la venia y asesoría de Billo, Pirela parte al país azteca donde le esperaba el camino a la internacionalización como solista y su posterior consagración como “El Bolerista de América”.
Una vez cumplido su compromiso en México Pirela regresa a Venezuela, ya que había empeñado su palabra de matrimonio a la joven Mariela Montiel. Las nupcias se celebran en septiembre de 1964. Vale señalar que Pirela (23) es diez años mayor que ella, al tiempo que la unión, tan furtiva como efímera, llega a un triste desenlace con un escandaloso divorcio que marcó al Bolerista de América para siempre.



El siempre bien recordado y apreciado Felipe Pirela. "El Bolerista de América".
“Sombras nada más” o el auge y caída de un ídolo. Sumido en una fuerte depresión, con su decepción a cuestas, Pirela decide marcharse de Venezuela. Su fama y prestigio adquiridos le permiten abrir las puertas de Hispanoamérica. En su exilio graba el LP “Entre tu amor y mi amor”, que adquiere impresionantes cifras de ventas traducidas en reconocimientos artísticos. Al tema promocional que da título al disco se suma una seguidilla de éxitos. A pesar de ello, el mal ya estaba hecho. Desmoralizado y socavado en su orgullo sufre una nueva depresión, transitando senderos inesperados que igualmente disminuyen el intenso brillo de su estrella. Se radica en Puerto Rico, donde comienza a cantar en locales nocturnos de dudosa reputación.
Así llega la fatídica noche del 2 de Julio de 1972. Según cuenta la leyenda, luego de culminar su presentación en el bar “El Molino Rojo” con su interpretación del tema “Sombras”, se despide del dueño del local y de los habituales clientes, tomando un rumbo incierto. Interceptado en una oscura calle, y en circunstancias aún confusas, una certera bala extingue la luz de su existencia. Si el tema en cuestión fue o no su última interpretación no es la razón que nos ocupa ahora, así sea muy cierto como ajuste al colofón de su triste historia:


“... Pude ser feliz

y estoy en vida muriendo

y entre lágrimas viviendo

el pasaje mas horrendo

de este drama sin final ...”

("Sombras" . Autores: Contursi - Lomuto

DANNY RIVERA 

BIOGRAFIA DE DANNY RIVERA

La música ha sido el estilo de vida de Danny Rivera desde que comenzó a cantar en su vecindario de Santurce donde nació el 27 de febrero de 1945. Sus talentos musicales fueron agudizados cantando en el coro de su iglesia durante su juventud. Su ambiente y humilde comienzo enmarcó su carácter de por vida, en términos de su personalidad y de su apoyo a causas.

Se dio cuenta de que la carrera como cantante que había soñado había comenzado cuando se le ofreció un trabajo en un hotel de San Juan, Puerto Rico con la popular orquesta de César Concepción. Subsecuentemente, fur honrado como el mejor cantante del año en el 1968 en un Festival de Popularidad. Este honor le llevó a varios contratos en la radio y en la televisión.

Su primera grabación fue con una banda llamada "Clean Cuts" y un año más tarde firmó un contrato de grabación con el sello Velvet lo que le ayudó a lanzar su carrera como cantante popular en Puerto Rico. Para el 1969, se encontraba en los primeros puestos de popularidad con éxitos tales como "Porque yo te amo" y "Fuiste mía un verano", seguido rápidamente por "Manolo", "Mi Viejo" (letra), "Yo y la rosa" y "Va cayendo una lágrima".

En el 1971 tomó las hondas radiales por asalto con su éxito "Jesucristo". Un año más tarde solidificó su posición de artista de primera con su álbum Mi hijo, el cual incluía temas exitosos tales como "Tu pueblo es mi pueblo", "Amada amante" y "Tantos deseos de ella". Su álbum doble Danny Rivera en concierto, fue una producción pionera en su género durante la década de los 70's.

Más tarde firmó con el sello Graffity y lanzó uno de sus álbumes más populares en el mercado internacional: Muy amigos cantado junto a la popular cantante estadounidense Eydie Gorme. La canción más popular de ese álbum fue "Para decir adiós", escrita por Roberto Figueroa. Luego grabó Alborada con la orquesta del mismo nombre, la cual fue reconocida como el principal ejemplo de la nueva ola de musica folklórica en los años 70's. Luego firmó con TH de Venezuela y lanzó Serenata, álbum que incluye su versión de la famosa canción de "Don Felo: "Madrigal".

A mitad de la década del 80, Danny comenzó su propia compañía productora: D.N.A. y grabó canciones clásicas en un álbum doble llamado: Así cantaba Cheíto González e Inolvidable Tito, en honor de su famoso compatriota, Tito Rodriguez. También grabó varios álbumes de música tradicional navideña, incluyendo Pido paz, Controversia, Los niños Jesús del mundo, Mi canción es paz y Ofrenda.

Hasta el día de hoy, Danny ha obtenido tres discos dorados y cuatro platinos con canciones tales como Mí Pueblo Es Tu Pueblo, que demuestra su poder, gracia y estilo. Ha recibido tres nominaciones al premio Grammy y ha ganado numerosos premios y honores a través de América Latina. En España, donde vivió por tres años, grabó cuatro álbumes. En los Estados Unidos, ha trabajado con estrellas tales com Whitney Houston y Lionel Richie, además de grabar su álbum "Danny".



Danny ha entretenido en innumerables escenarios a través de Puerto Rico, América Latina y Estados Unidos.Ha compartido tarima con artistas de la talla de Julio Iglesias y Plácido Domingo.

Durante los años 90´s, Danny lanzó muchos más álbumes exitosos incluyendo Canto a la humanidad, Tiempo al tiempo y Daniel. Es el único puertorriqueño que se ha presentado por tres temporadas consecutivas en el Carnegie Hall de Nueva York. Esto dio como resultado su álbum grabado en vivo: En Vivo Desde El Carnegie Hall con su maravilloso tema "Alegoría", el cual típicamente ejemplifica su estilo único. Ese disco llegó a ser el número uno en popularidad en Puerto Rico y fue seleccionado el Mejor Disco por la Fundación Nacional de Cultura Popular en el 1999.

JAVIER SOLIS 

biografia de javier solis

Su nombre de pila fue Gabriel Siria Levario. Nació en México, en una barriada marginal, el 1º de septiembre de 1931, en el Hospital Homeopático de Chimalpopoca. No conoció a su padre, Francisco Siria, de oficio obrero, quien era un alcohólico y su madre, Juana Levario, lo dejó a cargo de su tío materno Valentín Levario quien se dedicaba a la panadería y la esposa de éste, Angela López.
Creció en el barrio Tacubaya. Alcanzó a terminar sus estudios de primaria, mas no pudo continuar debido a la muerte de su madre adoptiva, situación que lo obligó a trabajar para conseguir el sustento. Se desempeñó en diversos oficios: panadero, carnicero, carpintero, cargador de mercados, lavador de autos... incluso se llegó a disfrazar de payaso en los circos. En sus ratos libres gozaba practicando el boxeo, durando 6 años en la categoría amateur.

A los 18 años, ya sintiendo inclinación por la música, ganaba concursos de canto en las carpas de barrio, como la del Teatro Salón Obrero y la del Salón Escandón, interpretando tangos bajo el seudónimo de Javier Luquín. En uno de éstos concursos, donde de premio se llevaba el ganador un par de zapatos, fue declarado fuera de concurso gracias a su talento. Tomó clases de canto con el maestro Noé Quintero.
Formó el Dueto Guadalajara, el Trío Flamingo que luego pasó a llamarse Trío México, posteriormente se dedicó a ser solista, actuando en Garibaldi y en Tenampa, donde los mariachis le tenderon la mano dejándolo cantar. Su admiración por Pedro Infante le condujo a adoptar en sus inicios un estilo de canto muy similar al de Infante, sin saber que él poseía todas las capacidades para imponer un estilo propio, sólo lo sabría tiempo después.

Fue muy tímido, sobretodo con las mujeres, precisamente por su origen humilde que siempre quiso ocultar. Sin embargo tuvo 5 matrimonios, de cuyas uniones quedaron nueve hijos. Se casó por primera vez a los 20 años.
A mediados de 1955 conoció a Julio Rodríguez, integrante de Los Panchos, el cual lo recomendó para una audición con la compañía Columbia, en donde cambió su sobrenombre a Javier Solis. Felipe Valdés Leal, director artístico de la compañía aprobó su audición. Grabó su primer sencillo a finales de este año, incluyendo canciones como "Por qué negar" y "Qué te importa", el cual le mereció su primer disco de platino el 5 de septiembre de 1957.
El 18 de abril de 1957 durante el entierro de Pedro Infante surgió de entre la multitud el joven Javier Solís, subiéndose a una cripta y comenzó a imitar a Pedro Infante con la canción "Grito Prisionero" con mayor énfasis, ésto ocasionó el retraso del lanzamiento de sus primeras grabaciones, ya que los productores no eran partidarios del estilo imitador de Solís. Cargó con el lastre de imitador de Pedro Infante durante diez años. Rafael Carrión (compositor) intervino mucho en el fortalecimiento de su estilo propio.

El músico Felipe Valdés Leal siempre creyó en él. Una tarde de 1958 cuándo Javier Solis grababa "Llorarás, llorarás" bajo la influencia del estilo de Infante, Valdés Leal logró hacer surgir el estilo propio y la voz auténtica de Solis a base de consejos. Este disco, "Llorarás, llorarás" hizo que se consolidara como el máximo exponente del bolero ranchero no solo en México, sino en Estados Unidos, Centro y Suramérica, y un año después en España.
Una vez se afianzó con su estilo, interpretó gran número de boleros rancheros. Los boleros rancheros, consisten en una ranchera abolerada, sin las estridencias de las canciones charras, dicho género musical nace el 23 de abril de 1949 con la canción "Amorcito Corazón". También interpretó rancheras como "Las rejas no matan", "Renunciación" y "Esta tristeza mía", además de valses y tangos como "En esta tarde gris".




Su voz de gran hermosura, permitía lograr la media voz, que consiste en alcanzar altas tonalidades y posteriormente descolgarse a tonos bajos sin desafinar. Posee un cancionero completo de melodías agradables al oído en su totalidad, en conjunto una gran obra de arte. Además de su excelente voz, poseía una memoria prodigiosa ya que se aprendía las letras de las canciones con solo la primera vez que las escuchaba.
El 18 de junio de 1959 realiza su primera gira internacional a los Estados Unidos, Centro y Suramérica, presentándose en teatros de la talla de El Million Dolar, Teatro de Puerto Rico y el Teatro Lyceum.

En febrero de 1960 realiza su primera película: El Norteño, luego de la cual vendrían 33 películas más, alternando con artistas de la talla de María Victoria, Lola Beltrán y Luis Aguilar. No alcanzó a consagrarse en el campo histriónico, pero se ganó elogiosos comentarios de algunos cineastas y de críticos especializados por sus facultades naturales y por su naturalidad.
En 1960 conoce a quien fuese su última esposa, Blanca Estela Saenz, de la cual tuvo dos hijos: Gabriel y Gabriela. Debido a que siempre se avergonzó de su pasado, cuando comenzó a enamorar a Blanca Estela, quien contaba con 17 años en ese entonces, se inventó que era indígena de la tribu Yaki y se tenían que casar según el ritual de dicha tribu: uniendo sus respectivas sangres, a lo cual Blanca Estela no puso reparo.

Su carrera fue maratónica, grabó más de 320 canciones, un album por mes, tan solo en 1965 filmó 10 películas. También en el año de 1965, participó en el programa colombiano "Yo y Tú", al ser invitado por la actríz Alicia del Carpio; durante su estadía en Colombia se alojó en el Hotel Tequendama de Bogotá.

El 8 de febrero de 1965 graba otro éxito: Sombras que batió todos los récords en ventas y le mereció una medalla por parte de su disquera, como reconocimiento por su gran calidad como cantante y excelente vendedor de discos.
El 12 de abril de 1966 fue internado en la Clínica Santelena en México D.F. debido a sus problemas con la vesícula, el día 13 fue operado satisfactoriamente, pero como tenía la costumbre de comer hielo y beber agua fría, pese a la prohibición médica sobre ello, luego de la intervención quirúrgica, se le produjo un infarto cardíaco, acarreándole la muerte el 19 de abril de 1966 a los 34 años de edad, cuando se encontraba en la cima de la gloria. Antes de su muerte dijo: "Que rieguen con mucha agua mi tumba, sé que me voy a morir, esto no tiene remedio". El 20 de abril su cuerpo fue inhumado en el lote de actores del Panteón Jardín de la Ciudad de México.
Entre los boleros rancheros, la canción más conocida y aclamada es "Payaso", mientras que en el género de las rancheras se destaca por "Renunciación".
Cuenta hasta hoy en día con una gran número de fanáticos que lo quieren e incluso lo imitan. Entre ellos el colombiano Lucho García, el cual lo imita con tal fervor que lo llevó a componerle la canción titulada "El Inmortal".
Las canciones interpretadas con esa prodigiosa voz de Javier Solís, hacen que los amores permanezcan vivos en cualquiera de sus etapas: el nacimiento del idilio, su trancurso y su fin.

JOSE FELICIANO 

BIOGRAFIA DE JOSE FELICIANO

José Feliciano nació ciego el 10 de septiembre de 1945 en Lares, Puerto Rico. Uno de once hermanos, su pasión por la música comenzó a la edad de tres años. Emprendió la tarea de enseñarse a sí mismo a tocar la guitarra a la edad de 9 años y para cuando tenía 23 ya había ganado dos Premios Grammy, había tocado en gran parte del planeta y había grabado en cuatro idiomas.

Luego de una temprana fama como intérprete en estilo flamenco de pop y rock, Feliciano se volvió más hacia la corriente principal de la música latina convirtiéndose así en uno de los artistas más populares del mundo hispanohablante. A partir de 1962 realizó una mezcla de español y de material americano en los clubes folks y en los cafés de Greewich Village.

Contratado por RCA, publicó un single efectista Everybody Do The Click antes de grabar un impresionante primer album en 1964. ¡Los apasionados arreglos de sus recientes hits continuaron dando fruto en Feliciano! Con el bajista Jazz Ray Brown entre sus músicos, el tratamiento latino de Feliciano de la canción de the Doors Light My Fire, convirtió en su primer hit, el cual se vendió por más de un millón de copias y le dio una gran popularidad en 1968.

Este éxito fue seguido por la versión R&B de Tommy Tucker, el clásico "Hi-Heel Sneackers" y su popularidad fue tal que fue escogido para cantar "The Star-Spangled Banner" en las Series Mundiales de béisbol de 1968. Sin embargo, la aplicación de su característico estilo Latin-jazz en el himno nacional de los Estados Unidos causó controversia entre los tradicionalistas.

En el Reino Unido, donde grabó un album en vivo en 1969, su versión de los Bee Gees "The Sun Will Shine" tuvo un éxito menor, pero los 70 vieron a la compañía RCA promover el material hispanohablante de Feliciano a través de Latinoamérica. Grabó albums en Argentina, México y Venezuela y mantuvo un show televisivo difundido a través del continente. También cantó el tema musical de la serie de televisión estadounidense Chico And The Man.

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Feliciano nunca abandonó su audiencia hispanohablante y produjo muchos albums para su gente a través de los años. Entre sus mejores se encuentran La Copa Rota, Nuestro Juramento, Reloj, y Por Que Te Tengo Que Olvidar? y vibrantes y románticas canciones como el Madrigal, en acorde con sus raíces Puertorriqueñas.

En paralelo con los albums latinos, Feliciano continuó grabando canciones en Inglés, especialmente en Compartements, producido por Steve Cropper. En 1976, Felicino cambió de compañía discográfica para Private Stock donde el productor Jerry Wexler fue traído para recontituír el ambiente del temprano trabajo de Feliciano en Sweet Soul Music.

Cuando Motown creó su propia etiqueta de Música Latina en 1981, Feliciano encabezó la lista grabando el Romance in The Night, producido por Rick Jarrad así como albums latinos ganadores de Premios Grammy. En 1987 grabó junto con EMI música de guitarra clásica así como pop en Inglés (I'm Never Gonna Change) y, más allá de esto, grabaciones en español (Tu Immenso Amor).

Sus intereses por el jazz continuaron y uno de sus más recientes albums, Steppin' Out, fue grabado para Optimism. Se unió a PolyGram Latino record's en 1995 y publicó El Americano en 1996.

Feliciano ha sido aclamado por los críticos a través del mundo como "el más grande guitarrista en vivo". Ha ganado más de cuarenta albums de Oro y Platino; dieciseis nominaciones al Grammy, ganado seis Premios Grammy y ha sido el destinatario de incontables premios prestigiosos y reconocimientos a lo largo de los años. Ha grabado más de 60 albums durante una increíble e impresionante carrera.

MOCEDADES 

BIOGRAFIA DE MOCEDADES

Corría el año 1967 en Bilbao, la villa más grande del País Vasco, cuando unos cuantos jóvenes estudiantes seguidores de la música folk, de los espirituales y, como la mayoría, también de los Beatles, decidieron unirse para formar un grupo músical que en principio se llamó "Voces y Guitarras". Así pasaron un año actuando cerca de su lugar de origen, hasta que un buen día decidieron grabar una cinta de cassette, y enviarla por medio de un amigo a una compañía de discos en Madrid. Fue así como esa cinta llegó a manos de Juan Carlos Calderón que inmediatamente se interesó por ellos y se convirtió en su productor durante más de 11 años. Así se inició la andadura como MOCEDADES, teniendo sus mejores éxitos, tales como Eres Tú que se presentó en el festival de Eurovisión en el año 1973, quedando en segundo lugar. Un año después pegó en EEUU, siendo una de las más radiadas y llegando a los primeros lugares de las listas de éxito, según Billboard y Cash Box. Tómame o Déjame fue superventas en España y muchos países de América al igual que La Otra España, El Vendedor, ¿Quién Te Cantará?, Me Siento Seguro, etc.

En el año 1980 firmaron contrato con la CBS (hoy Sony) y trabajaron siete años con Oscar Gómez como productor, teniendo nuevamente éxitos como Amor de Hombre (del que se vendieron en unos meses más de 500.000 copias sólo en España), La Música, Maitechu Mía (con Plácido Domingo), 15 Años de Música (disco en directo que nuevamente fue récord de ventas en España y América), Colores (cantado con su compositor, Donovan, en castellano e inglés), Sobreviviremos, etc. Con su nuevo disco compacto de octubre de 1997, titulado MOCEDADES Canta a Walt Disney, el grupo tiene ahora más de 20 discos originales. Puede que esta cifra se multiplique varias veces a la hora de evaluar las recopilaciones y también sería incalculable las veces que se ha incluído una canción de MOCEDADES en discos junto a otros artistas. MOCEDADES ha grabado en varios idiomas: castellano, euzkera, inglés, francés, alemán, italiano, portugués, angoleño y latín, pero sus grabaciones se han conocido y vendido en todo el mundo en lengua castellana.

MOCEDADES empezó con ocho componentes y ha tenido varios cambios de personal a lo largo de su historia. Los primeros dos discos grabaron los ocho componentes originales: los hermanos Uranga (Amaya, Estíbaliz, Izaskum y Roberto), los hermanos Blanco (Rafaél y Sergio), José Ipiña y Francisco Panera. A finales del año 1970 se marcharon José Ipiña y Francisco Panera y entró Javier Garay. En el año 1972 dejaron el grupo Estíbaliz y los hermanos Rafaél y Sergio Blanco y se incorporó en él nuevamente José Ipiña y entró Carlos Zubiaga. Con esta formación de "los seis históricos" de Amaya, Carlos, Izaskum, Javier, José y Roberto llegaron sus mejores éxitos.

En el año 1984 abandonó el grupo Amaya para cantar en solitario. Entró en su lugar Ana Bejerano con la que el grupo grabó tres discos más: Colores, Sobreviviremos e Intimamente. Este último lo grabaron Ana, Javier, Izaskum, Roberto e Iñaki (otro de los hermanos Uranga quien entró ya que José y Carlos también se fueron en el 1988) y salió al mercado en el año 1992, llevando ya varias reediciones. Un año más tarde hubo una marcha de componentes que dejó sólos a los dos históricos, Izaskum y Javier, que tuvieron que buscar nuevos colaboradores para grabar su siguiente disco, Suave Luz. No les resultó nada fácil hallar a gente que entendiera y asumiera la historia de MOCEDADES, pero encontraron a José García, Iñigo Zubizarreta e Inés Rangil para grabar este disco que salió al mercado en el año 1995, con arreglos del guitarrista mallorquín Joan Bibiloni.

Las cosas han cambiado mucho de los años '60 y '70 a los '90, y ahora que estamos a las puertas del siglo que viene MOCEDADES se plantea como entrar en él. La respuesta es obvia: con las mismas ganas con las que empezó a fines de los años '60 y de la mano de un creador de ilusiones, Walt Disney, al que MOCEDADES quiere rendir un homenaje con su nuevo disco. Este disco ha sido grabado junto a Javier e Izaskum por Arsenio Gutiérrez, Idoia Arteaga, José Antonio Las Heras y Fernando González y producido nuevamente por Juan Carlos Calderón después de 17 años de no haber trabajado juntos. Sin duda se abre una nueva etapa para MOCEDADES que puede ser tan exitosa y productiva como las anteriores.

JUAN GABRIEL 

BIOGRAFIA DE JUAN GABRIEL

JUAN GABRIEL
La dura infancia de una leyenda

Juan Gabriel nació en Parácuaro, Michoacán, el 7 de enero de 1950. Sus padres fueron Gabriel Aguilera Rodríguez, arriero de Jacona, Michoacán; y Victoria Valadez Rojas, campesina de Parácuaro, Michoacán.

Fue el menor de 10 hermanos: Rosa, quien murió casi recién nacida; Virginia, su única y consentida hermana; José Guadalupe, Gabriel, Pablo, Miguel; después nacieron tres Rafaeles y los tres murieron.

Cuando nació Juan Gabriel, una comadre de su mamá, María de Jesús Valverde, sugirió que lo bautizaran como "Alberto", en honor al personaje de una historia cubana, El Derecho de Nacer, llamado Albertico Limonta, el cual estaba de moda, gracias a una radionovela.

A los 3 meses de nacido, su padre que usualmente quemaba el pastizal para después sembrarlo, en una ocasión no tuvo control sobre éste, causando daños en propiedad ajena. Por la preocupación y miedo a lo que vendría, se tiró al río y entró en estado de shock. Por tal motivo, lo internaron, pero no se supo más de él. Algunas personas cuentan que murió y otros dicen que se escapó. Este hecho inspiraría a Juan Gabriel a componer la canción "De sol a sol".

La madre de Juan Gabriel se vio en la necesidad de escapar del pueblo a las tres de la mañana rumbo a Apatzingán, de ahí a Morelia y de Morelia hasta Ciudad Juárez, Chihuahua, donde ya la esperaba la Sra. María Romero Mora, quien le permitió hospedarse en un pequeño cuarto. Dicha casa estaba situada entre las calles de Mejía y Ramón Corona, frente al albergue y escuela de música "SEMJASE".

Cuatro años después, lo internaron en la escuela de mejoramiento social para menores, mejor conocida como "El Tribunal", donde la patrona de su mamá, la Sra. María de Jesús Meana, le consiguió un lugar.

A los 7 años de edad, ahí mismo, conoce a Don Juan Contreras de Zacatecas, maestro de hojalatería, quien le enseñó a Alberto a trabajar y a ser observador. Alberto lo consideraba como su padre, su abuelo, su consejero, su maestro y su mejor amigo. En él confiaba y sólo a ese hombre le contaba la tristeza que sentía al estar alejado de su madre. En recuerdo de este hombre, Alberto luego adoptaría el nombre de Juan.

De esta etapa de su vida, nace la canción "Eternamente Agradecido".

Cuando cumplió los 13 años de edad, y con la ventaja de que él era el responsable de salir a tirar la basura, aprovechó la oportunidad de no volver al internado.



Hablar de Juan Gabriel es hablar de música, letras y sentimientos que a lo largo de 30 años han recorrido de norte a sur y de costa a costa no sólo la geografía de México, sino también la sensibilidad de millones de almas en los Estados Unidos y América Latina.

No se trata únicamente de un artista, sino de un ser humano tan sencillo como cualquiera; a pesar de las enormes proporciones que ha logrado su carrera, pocos como él tuvieron tanto en su contra. Después de una niñez carente de amor y recursos económicos, de ocho años internados en un orfanato en Ciudad Juárez y de otros más de batalla contra la adversidad, pudo salir adelante gracias a su gran empeño, enorme talento y calidad humana.

En efecto, Juan Gabirel, uno de los más importantes cantautores de su generación y quien ha grabado temas para más de 200 artistas, tanto mexicanos como internacionales, ha vendido hasta la fecha más de 40 millones de discos. Sus canciones, principalmente baladas y de corte ranchero, son tocadas e interpretadas una y otra vez.

Este extraordinario artista, escribe sus primeras canciones- "No tengo dinero", "Esta rosa roja", "Qué divino amor", "En esta primavera" y "Siempre en mi mente"- y marca a principios de los años setenta toda una época de éxitos ininterrumpidos.

Así mismo, el grandísimo triunfo de sus creaciones rancheras, obras que fueron avaladas por José Alfredo Jiménez cuando afirmó que Juan Gabriel llegaría muy lejos, al tiempo que diría emocionado, después de escuchar "Se me olvidó otra vez": "me hubiera gustado mucho componer esta canción".

Otro gran crédito al artista mexicano fue el sentimiento que transmite la letra de "La muerte del Palomo", canción que fue compuesta a sus años, así como también "Siempre estoy pensando en Ti", "No vale la pena", "La farsante", "Inocente pobre amigo" y "No me vuelvo a enamorar", entre otras muchas del mismo corte.


Seguramente recordará también el "réquiem" que compuso con dedicatoria a doña Victoria, su querida madre ausente, a través del famoso poema musical titulado "Amor eterno". Temas llenos de nostalgia como "Hasta que te conocí", "Aunque te enamores" y "Yo no nací para amar" abren el camino a otras de tono parecido como "Yo no sé que me pasó", "Te lo pido por favor" y "Querida".
Pero también existe el Juan Gabriel alegre y bailador, el joven que se ganó la vida cantando como Adán Luna en varios centros nocturnos de Ciudad Juárez, sitios en los que comenzó a adquirir las tablas que más tarde lo consagrarían como intérprete de su propio espectáculo con el ritmo de: "El Noa Noa", "Nadie baila como tú" y "Bésame".

En el año 2000, Juan Gabriel presenta su nuevo disco titulado "Abrázame Muy Fuerte" en el cual se convierte nuevamente en narrador de cuentos, vividor de historias, que a través de la música hilvana vivencias, a ratos propias, por momentos ajenas y mágicamente producto de la inspiración creadora.

La grandeza un artista se mide en gran manera en la capacidad de reinventarse y rejuvenecerse a si mismo, grandes hay pocos y pocos llegan a ser grandes. Juan Gabriel lo logró.

LOS ANGELES NEGROS 

LOS ANGELES NEGROS

Una historia que comienza en San Carlos, Chile, en 1968, cuando cinco estudiantes deciden iniciar una aventura que trascendió a toda América Latina. Un grupo musical que con su estilo interpretativo uniera corazones en todo el mundo de habla hispana.

La oportunidad de demostrar su talento artístico surge a raíz de un concurso efectuado en la provincia de Chillán, mismo que al hacerce acreedores del primer lugar, les dan la oportunidad de grabar su primer material discográfico titulado "¿Por qué te quiero?", cuyo sencillo del mismo nombre traspasa las fronteras musicales y logra colocarse en un gran éxito en poco tiempo.

De ahí que las giras y presentaciones a nivel nacional no se hicieron esperar, y para 1969 surge el primer contrato para llevar su música romántica a Ecuador, posteriormente a Perú, Argentina, Bolivia, Paraguay, siendo los número uno en cada uno de estos lugares, abarrotando plazas y llevando el romanticismo a todo Centro y Sudamérica; posteriormente se sumaron Venezuela, Colombia, Curacao, República Dominicana, Puerto Rico, Estados Unidos y aún llegan hasta Canadá y por último a México, donde demuestran ser unos ídolos, y llega a ser tal su aceptacion entre los mexicanos que a partir de 1982 deciden establecerse en México.

El nombre de "Los Ángeles Negros" surge a raíz de una leyenda en donde se dice que en una noche de tormenta cayó un rayo en un gran árbol que estaba en el centro de la plaza principal, y que al quemarlo le dejó una forma, que las primeras personas que lo vieron le llamaron el ángel negro, según cuenta Mario Gutierrez, director, fundador y actual guitarrista del grupo.

Sus éxitos principales son:

Y volveré

Murió la flor

Debut y despedida

Déjenme si estoy llorando

Mi niña

A tu recuerdo

A la mujer que tanto amé

Si las flores pudieran hablar

Despacito

A tí

Vete en silencio

Sus actuales integrantes son:

Luis Patricio Astudillo Adasme, chileno, baterista.

Antonio Saavedra, chileno, vocalista.

Mario Hernán Gutiérrez Contreras, chileno, guitarrista.

Edilberto Martínez Dorantes, mexicano, vocalista.

Horacio Medina Íñiguez, mexicano, bajista.

Alejandro Muñoz Velázquez, mexicano, tecladista.


Los Ángeles Negros, un conjunto músico vocal que en su tiempo fue pionero de un movimiento artístico que muchos siguieron a través de décadas y que en la actualidad muchos han continuado. Ese estilo único que sólo ellos han sabido conservar, pese a los cambios que ha sufrido el grupo en los 33 años de trayectoria musical.

JUAN BAU 

BIOGRAFIA DE JUAN BAU

JUAN BAU:

NACIO EL 24 DE DICIEMBRE DE 1948 EN UNA LOCALIDAD CERCA DE VALENCIA, EN ESPAÑA.
DESDE NIÑO SE VIO ATRAIDO POR LA MUSICA Y A LOS 15 AÑOS SE UNIO A OTROS CHICOS Y FORMARON UN GRUPO LLAMADO LOS PIKENS, DONDE EL TOCABA LA GUITARRA Y CANTABA TEMAS DE ELVIS PRESLEY, TOM JONES Y OTROS DE MODA EN AQUELLOS AÑOS.

DE AQUI PASO A OTRO GRUPO MAS VETERANO, EL CUAL TUVO ALGUNAS PRESENTACIONES JUNTO A GRUPOS DE RENOMBRE. A JUAN BAU LE OFRECIERON REALIZAR UNAS PRUEBAS EN MADRID, LAS CUALES RESULTARON OPTIMAS Y ENTONCES LE OFRECIERON UN CONTRATO. EN 1971 APARECIO SU PRIMER DISCO CON TEMAS COMO "PEQUEÑAS COSAS" Y "DENTRO DE MI ALMA", DONDE SE ESTRENO COMO COMPOSITOR DE LAS LETRAS Y LA MUSICA.
EL DISCO FUE ACOGIDO CON CIERTA ESPERANZA Y ADEMAS, CON LA AYUDA DE ALGUNAS PUBLICACIONES Y PROGRAMAS TELEVISIVOS, LE SIRVIERON DE PLATAFORMA DE LANZAMIENTO Y SU NOMBRE COMENZO A ESCUCHARSE ENTRE OTROS YA CONOCIDOS.

MAS TARDE APARECIO "TU NO COMPRENDES" Y "SIGUE TU CAMINO". PERO SU GRAN EXITO Y CANCION QUE LO IDENTIFICA ANTE SU PUBLICO APARECIO EN EL SIGUIENTE DISCO EN 1973, "LA ESTRELLA DE DAVID".


SUS PROXIMOS DISCOS LO MANTUVIERON EN EL TOPE DE LA POPULARIDAD, LOGRANDO SU PRIMER DISCO DE ORO EN 1974, GRACIAS AL DISCO "PENAS".
SUS TEMAS MAS DESTACADOS A PARTIR DE ESTA FECHA FUERON "NATACHA Y YO", Y "FANTASIA" ENTRE OTROS; PERO NUNCA LOGRARON IGUALAR "LA ESTRELLA DE DAVID.
SU CARRERA SE HIZO RAPIDA Y VERTIGINOSA, ENTRE LAS PRESENTACIONES EN ESPAÑA Y LOS VIAJES A LATINOAMERICA DONDE FUE BIEN COTIZADO Y ENTONCES SE ALEJO DE LA GUITARRA Y LA COMPOSICION.

AL PRINCIPIO DE LOS 80 APARECIO "HOY ME LLAMARA", "ACARICIAME" Y OTRAS MAS.
ENTRE 1982 Y 1986 SU CARRERA SUFRIO UN BACHE PROFESIONAL EN ESPAÑA, PUES LA CASA DISQUERA PARA LA QUE GRABABA LE PIDIO HACER CANCIONES DENTRO DE OTRA LINEA MUSICAL.
MAS TARDE APARECIERON NUEVOS DISCOS CON RECOPILACIONES Y TEMAS QUE FUERON EXITO EN VOCES DE OTROS CANTANTES DE SU EPOCA.

PARA EL Y SUS SEGUIDORES SUS TEMAS NO PASAN DE MODA Y SIGUEN PERTENECIENDO AL PRESENTE Y EL SE HA DEDICADO A SU FAMILIA Y SU VOZ ES AUN COMO EN SUS INICIOS PUES EL CONTINUA CULTIVANDOLA EN SUS ESTUDIOS.

NICOLA DI BARI 

BIOGRAFIA DE NICOLA DI BARI

NICOLA DI BARI: Nombre real, Michele Scommegna. Nació en 1940 en Zapponeta (Foggia). Comenzó a cantar en 1960, pero su particular tono de voz tardó en imponerse. En 1963 grabó su primer simple, y al año siguiente logró cierta repercusión con "Amore Torna a Casa", siendo invitado a participar en el festival de San Remo 1965. Compartió con Gene Pitney el tema "Amici Miei" que alcanzó la ronda final. En 1966 y 1967 volvió a participar con Pitney, interpretando "Lei mi Aspetta" y "Guardati Alle Spalle", sin llegar a la final. Su carrera discurrió sin grandes sucesos, hasta que un poco sorpresivamente logró un éxito enorme en San Remo 1970, donde alcanzó el segundo lugar con "La Prima Cosa Bella", en dupla con Ricchi e Poveri. La consagración definitiva le llegó en la edición 1971 del festival, cuando compartió con Nada la canción ganadora "Il Cuore é Uno Zingaro". Repitió el triunfo en 1972 (primer año en el que las canciones tuvieron un sólo intérprete) con "I Giorni dell'Arcobaleno". En su última actuación en San Remo fue finalista en 1974, con "Il Matto del Villaggio". Su fama fue muy grande en Argentina y otros paises sudamericanos, por los que realizó continuas giras en los 70 y 80, grabando muchos temas en castellano. Otros éxitos: "Vagabondo", "Chitarra Suona Piú Piano", "Agnese", "Il Mondo é Grigio, il Mondo é Blu".

ADAMO 

BIOGRAFIA DE ADAMO

Emigró a Bélgica desde Italia con sus padres, a la edad de tres años, siendo un estudiante brillante Adamo pudo evitar la industria del carbón destino de muchos emigrantes, y se a concentrado en sus estudios académicos y musicales.

Adamo es una de las màs grandes estrellas en el mundo musical de lengua francesa.

Las influencias de Adamo incluyen los versos de Victor Hugo y la música de , Jacques Prèvert, Georges Brassens el tango y las "canzonette Italiane".

En los años sesenta, setenta,... Adamo alcanzó su cumbre poetica y comercial, vendiendo a hoy mas de noventa millones de copias de sus álbumes en todo el mundo, colocando a los primeros puestos de las Hit Parade mundiales bellìsimas canciones como: La noche, Ella, Quiero, Dolce Paola, Vous permettez,Monsieur, Tu nombre, Inch'Allah, ,Tombe la neige, Un mechòn de tus cabellos, En bandolera, Nuestra novela, Como siempre, Mis manos en tu cintura, Yo te ofresco, Se combate en cualquier lugar, Era una linda flor, El anuncio, Una làgrima en las nubes, Pequeña Felicidad, Es mi vida, Despues, Marie la mer, Junto a ti, Si fueras tù , Colinas de Rabiah, Te darè, Mas fuerte che yo, Ahora o nunca, La mujer que amo.....

Adamo el poeta de la canciòn a continuado a hacer vivir su musica hecha de Amor de sensibilidad de ironìa inteligente de empeño social y humano.

JULIO IGLESIAS 

BIOGRAFIA DE JULIO IGLESIAS

Julio Iglesias, cuyo nombre completo es Julio José Iglesias de la Cueva, nació en Madrid, em 1943, hijo del Dr. Iglesias Puga y Maria del Rosario de la Cueva.

A Julio Iglesias le gustaba el deporte y jugaba como portero en el equipo de fúlbol del Real Madrid a la vez que estudiaba. Pero un gravísimo accidente de coche en 1962 truncó su carrera deportiva y a punto estuvo de costarle la vida.

Estuvo durante un año y medio semi paralítico y con mínimas esperanzas de volver a andar. Fue entonces cuando le regalaron una guitarra y cuando empezó a componer.

Afortunadamente, pudo recuperarse de su lesión y continuó sus estudios. También se fue a Inglaterra a estudiar inglés.

En 1968 tuvo su primer éxito con la canción 'La vida sigue igual', con la que ganó el festival de Benidorm.

En 1971 se casó con Isabel Preysler, de la que se separó en 1975. Con ella tuvo tres hijos: Chábeli, Julio José y Enrique.

En 1971 participó en el festival de Eurovisión, mientras las ventas de sus discos se multiplican en todo el mundo.

Ha grabado discos en gran cantidad de idioma: español, ingles, francés, alemán, italiano, portugués y hasta en japonés. También ha colaborado con muchos artistas de la talla de Frank Sinatra, Diana Ross, Stevie Wonder y muchos más.

En 1983 le entregan el disco de diamantes por haber vendido más de cien millones de discos en todo el mundo y en 1984 le ponen una estrella en el camino de la fama, en Hollywood.

Actualmente está unido sentimentalmente a Miranda, una joven holandesa, veistidós años menor que él y con la que hasta la fecha ha tenido dos hijos.

LEO DAN 

BIOGRAFIA DE LEON DAN

BIOGRAFÍA

Leo Dan, nació en la ciudad santiagueña de Atamisqui el 22 de marzo de 1942. Su largo camino recorrido dentro del mundo de la música se inicio cuando sólo tenía 13 años. A esa edad formó un grupo folklórico con sus amigos, iniciando así el esclarecimiento de un sueño que en ese entonces parecía lejano. Por otro lado, se dedicaba a un hobby: la doma de potros, una habilidad que demuestra en la película "Como te extraño mi amor, la cual grabaría mas tarde.

Los chicos, ávidos de éxito, se presentaron durante dos años en radios y algunos rincones de Santiago de Estero, de donde son originarios y Tucumán gozando de muy buena aceptación para su corta edad. Tiempo después tuvo la oportunidad de pertenecer a la orquesta "Las estrellas Americanas del Jazz", que aunque fue una enriquecedora experiencia, el formar parte de una orquesta implicaba seguir ciertos parámetros que condujeron a Leo Dan hacia la independencia para sacar a flote su ingenio y sensibilidad.

"Los Demonios" es el nombre que el grupo conformado por Leo Dan y unos amigos llevaba para interpretar temas de rock y twist, ritmos que en la década del 60 significaron un punto de quiebre en la historia de la música. Corría 1960 y sintió deseos de componer algo movido, "seguramente inspirado en una amiguita de mi pueblo; fue mi debut como creador y titulé la canción llamada Dulce", dice él emocionado. En 1963, cuando tenía 18 años, grabó Celia" y "Siento que te amo", las cuales fueron las primeras composiciones que le dieron gran proyección y fueron grabadas en Columbia Records, Argentina. Siendo "Celia" el número uno en ventas y reproducción a nivel internacional.

Desde el inicio de su carrera alcanza un alto nivel de popularidad por toda latinoamérica, que lo llevó a tener una serie de televisón en Buenos Aires en el Canal 9, llamado "Bajo el signo de Leo".

No había por qué limitarse al mundo de la música y televisión, así que el cine fue también blanco del talento de Leo Dan, en cintas como "Santiago querido", "Cómo te extraño mi amor", "La novela de un joven pobre" y "La muchacha de abordo".

El 31 de marzo de 1966 Leo Dan se casa con Mariette, elegida Miss Mar del Plata ese mismo año. También en ese año, grabó su LP "Libre, solterito y sin nadie", curioso, ¿verdad?



En 1970, debido al gran éxito que estaban teniendo sus composiciones, Leo decide mudarse junto a su familia a la capital Azteca, donde se radicaría por los siguientes 10 años, volviendo 10 años después a su querida Argentina.

En 1975, Leo Dan graba su primer disco con mariachis, titulado "Leo Dan". Leo nos cuenta algo: "Queridos amigos, quiero comenzar con una historia. Tenía aproximadamente unos doce años de edad cuando despertó en mí el amor a México a tavés de su música, tal vez no soñaba conocerlo, porque mi preocupación era practicar el falsete, y mis recursos económicos lejanos.

Jorge Negrete, Miguel Aceves Mejía eran mis ídolos, mis maestros a través de sus discos.

Mas tarde mis canciones me dieron el regalo de poder conocer México, y así escuchar su música en el mero corazón, en su escencia. Así comenzó mi deseo por grabar con mariachis. Le propuse a mi director artístico, Enrique Cano Alis, quien sin negarmelo me aconsejó inteligentemente buscaríamos canciones, esperaríamos el momento, y entonces así sí. Todo esto duró cinco años.

Me comprometí componer canciones que me hicieran sentir mexicano, y sobre todo que convencieran a mi director artístico. Entonces fue que no desperdiciaba oportunidad de estar donde hubiera mariachis.

Creo que aquí comenzó mi suerte cuando hice varias giras con José Alfredo Jiménez, lo empecé a estudiar y a escucharlo, me dí cuenta que en cada canción siempre había una frase que al pueblo le llegaba. Compuse cincuenta y tres canciones, las presenté un día con toda mi ilusión, pero más que nada con todo mi amor, muchas me rechazaron, pero no éstas que ahí les van

Gracias a Enrique Cano por confiar en mí, gracias a Luis Cárdenas por los arreglos gracias a CBS por darmela oportunidad de llegar otra vez al público, y gracias a Dios por querer tanto a México". (Palabras en la contraportada del disco).

A principios de los 80´s Leo Dan deja México y se aventura en la política de su país, Argentina. Participa como precandidato a la gubernatura de Santiago del Estero pero no gana, ya que le dicen que hablaba como mexicano, que ironía, ¿verdad? Regresa a México solo a grabar discos y también graba en Colombia y Argentina. Ya para esos años se va a vivir a EUA donde reside actualmente.

Más de 2000 canciones son las que Leo Dan tiene en su haber, que han sido producidas bajo distintos géneros, de tal forma que sus temas han abarcado los distintos gustos del público colocándose como uno de los compositores más prolíficos de nuestra época. Leonardo Favio, Palito Ortega, Marisela, Ramón Ayala, Ramón Ayala Jr. , José José, Ornella Vanoni, Grupo Garibaldi, Marco Antonio Muñiz, Pedro Fernández, Los Carlos, María Marta Serralima, la Sonora Dinamita, Olga Guillot, Wilfrido Vargas, Toño Rosario, Los Mirlos, Los Diners, Los Tobas, Alex Bueno, los Manzeros Santiagueños, Lorenzo Montecarlo, Julio Preciado, Café Tacuba, y muchos otros son los artistas que han interpretado sus canciones convirtiéndolos en grandes éxitos.

Ganador de numerosos Discos de Oro y Platino, así como de un premio Grammy como mejor compositor y con más de 40 millones de copias vendidas en el mundo, avalan la trayectoria de este sin igual cantautor.

También es autor del libro "Las Curaciones Milagrosas de Leo Dan" y "Un pequeño grito de fé" (títulos que estamos tratando de conseguir para compartirlos con ustedes) que se publicó por primera vez hace ocho años, el cual sale nuevamente a la luz pública.

Su más reciente álbum, "De Regreso" fue producido por Oscar "el cachorro" López, bajo el sello discográfico Tres Pesos/Hoffsa, incluye "Con un Poquito de Suerte" (Leo Dan y Mariana Teves), canción que espera triunfe como otras de sus creaciones porque rinde homenaje a la vida y al amor, "pero siempre con el cobijo de Dios". Además, compila muchos éxitos de su carrera, las cuales son nuevas versiones para brindar un tono más fresco.

CHARLES AZNAVOUR 

BIOGRAFIA DE CHARLES AZNAVOUR

Charles Aznavour
Varenagh Aznavourian


Compositor, intérprete y actor francés



"No tengo proyectos. No tengo más que una vida que llenar"
Charles Aznavour



Nació el 22 de mayo de 1924 en París, hijo padres armenios. Hizo su debut en el mundo de la canción junto a su hermana Aida, y casi al mismo tiempo en el teatro, donde trabajó desde los 11 años. En el año 1941 conoce a Pierre Roche y juntos componen e interpretan a dúo. "J´ai bu", cantada por Georges Ulmer, ganó en 1947 el Grand Prix. Actuaban en la primera parte de los conciertos de Edith Piaf, hasta que Roche se fue a Quebec. Aznavour escribió para Piaf ("Jézébel"), Juliette Gréco ("Je hais les dimanches"), Eddie Constantine ("Et bâiller, et dormir"), posteriomente escribe ("Je m´voyais déjà"). El éxito le llega en 1953 con "Sur ma vie". Después le siguieron "Viens pleurer au creux de mon épaule", "Tu t´laisses aller", "La mamma", "Comme ils disent". En el cine se reveló como un actor de talento en Un taxi pour Tobrouk (1961) de Denys de La Patellière y en El tambor de hojalata (1979) de Volker Schlöndorff.Entre sus temas de mayores popularidad en america latina fueron la bohemia,quien, yo te dare calor,buen aniversario,con,la mama,y por tanto este que fue un exito rotundo,charles aznavour todavia continua haciendo presentaciones y cine hasta esta fecha.

JOAN MANUEL SERRAT 

BIOGRAFIA DE JOAN MANUEL SERRAT

Joan Manuel Serrat nació el 27 de diciembre de 1943 en Poble Sec (Barcelona), en el seno de una familia obrera de la postguerra española.

Cursó estudios de Perito Industrial a la vez que tocaba la guitarra. En 1964 se presenta en un programa de Radio Barcelona para interpretar una de sus canciones. Poco tiempo después le llaman para ofrecerle un contrato y grabar su primer disco.

Serrat fue uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la 'Nova Cançó' catalana. En 1968 se anuncia que Serrat será el representante de España en el Festival de Eurovisión, con el tema 'La, la, lá', un guiño de la dictadura a las nuevas generaciones rebeldes. Pero esas generaciones no se dejan comprar fácilmente y Serrat anuncia que no actuará si no le permiten cantar en catalán, lo que le valió un prolongado veto en la televisión nacional. Su puesto en el Festival fue cubierto por una jovencísima Massiel que se llevó el premio con el mismo tema de Serrat. En 1969 nace su primer hijo, Queco y realiza su primera gira por sudamérica, repitiendo un año después. Publica un disco titulado 'Dedicado a Antonio Machado' y en 1970 'Mi niñez'.

A finales de 1970 se encierra en el Monasterio de Montserrat, en Barcelona, junto a un buen puñado de intelectuales y artistas, en señal de protesta por el proceso de Burgos y en contra de la pena de muerte.

En 1971 publica uno de sus discos más importantes: 'Mediterráneo'. Para entonces Serrat se había convertido en uno de los principales símbolos de la libertad, tanto en España como en América Latina.

Un año después vuelve a rendir tributo a uno de los grandes poetas de las letras hispanas: 'Miguel Hernández' es el título. Finalmente, en 1974 se le retira el veto en Televisión Española.

En 1975, a raíz de unas declaraciones suyas, tuvo que exiliarse durante un año, debido a la orden de busca y captura que se emitió contra él. Además, muchos de sus trabajos fueron retirados y censurados con el régimen.

En 1981 publica 'En tránsito', con el que consigue situarse en lo más alto de las listas españolas. En 1983 sale a la luz 'Cado loco con su tema' y realiza una gran gira por Sudamérica excepto en Chile, donde es censurado por Pinochet.

En los años siguientes publica 'El sur también existe', 'Bienaventurados', 'Utopía' y 'Nadie es perfecto'. En 1996 se une a Victor Manuel, Ana Belén y Miguel Ríos para realizar una gira por toda España en el espectáculo titulado 'El gusto es nuestro', obteniendo un éxito apoteósico en todas las ciudades en las que actuaron.

En 1988 publicó 'Sombras de la China', un disco mayúsculo en su carrera.

Por fin, después de muchos años el maestro Miralles vuelve a trabajar con Serrat en los arreglos y la orquestación de los temas que componen su nuevo álbum, 'Versos en la boca', una colaboración que décadas atrás produjo verdaderas obras maestras de la música española. Para entendernos, como el George Martin de los Beatles. Música pensada para sublimar las mejores letras de la música española.

DANNY DANIEL 

BIOGRAFIA DE DANNY DANIEL

Daniel Candón de la Campa, nació en Gijón a muy pocos metros de la playa de San Lorenzo, muy cerca del campo del Molinón, donde acompañado de su padre va cada domingo a ver a su equipo del alma. Le gustaba dibujar, pero desde niño lo que mas le gustaba era jugar al futbol. Llego a alinearse en tercera división el en equipo de Ensidesa. Fué una gran promesa en la cantera de Sporting. En 1965, una grave lesión en la rodilla hizo que su vida se decantara hacia su otra gran pasión: la música.

Danny hereda de su padre la afición por la música. Su padre le hace estudiar tres años de solfeo y le hace un regalo fantástico para Danny; una acordeón. En aquelos tiempos Danny escuchaba Radio Luxemburgo y por ella descubria grandes canciones que todavía no llegaban a España. Le gustaba Renato Carosone entre otros. Danny tenia la ilusión de salir de su tierra y de emprender nuevas aventuras.

De sus primeros amores y recordando precisamente uno de ellos, y un tiempo después, nació una de sus mas grandes composiciónes " POR EL AMOR DE UNA MUJER".

De Asturias salta a Palma de Mallorca y comienza ganandose la vida cantando. Se acompaña con su guitarra y comienza en un hotel de C´an Pastilla, con un repertorio para turistas, con canciones populares como; Besame mucho, La luna y el toro, Malagueña, etc. No conforme con esto se marcha a Suecia , luego a Hamburgo, volviendo a Mallorca dos años después. alli Bonet de San Pedro -el crooner mallorquin por excelencia- , le aconseja ir a Madrid para intentar introducirse en el mundo del disco.

Empieza a componer y a grabar canciones de su inspiración. Danny compuso su primera canción en 1969. Puso musica a un poema de Gustavo Adolfo Bécquer. La primera canción que Danny Daniel grabó en su vida tenía letra de Tony Obrador, un cantante mallorquín a quién Danny conoció en su estancia en la isla. Un francés fué quien le sugirio utilizar su nombre de pila y el apelativo familiar que alterados dan como resultado; DANNY DANIEL.

En un estudio de grabación conoció a Donna Higtower, cantante especializada en gospell. De la relación surgieron canciones compuestas e interpretadaa por ambos unas veces a dúo y otras cada uno individualmente. " Dreams like mine" y posteriormente "El vals de las mariposas" Estos temas fueron grabados por Danny en 1971 el primero junto a Donna. En este mismo año se publico también otro disco sencillo de gran éxito con dos canciones " Hoy tan bonita" y "A mi madre".

Danny y Dona se presentan al festival de la canción de Málaga en dos ocasiones, en la tercera edición del festival consiguen el segundo premio con "Dreams like mine" y en la cuarta edición consiguel el primer premio con " Si tu coges mi mano". Con Donna compone "This world today is a mess" que vende mas de siete millones de discos en toda Europa. En Madrid consolidado su éxito "estudis bell" canto con el maestro Luis de Arnedillo durante tres años.

Con "El vals de las mariposas" Danny obtiene un éxito importantísimo y se consagra como gran autor y como gran interprete.

Como autor compuso para Gloria "Yo no soy poeta" que fue un gran éxito por dicha interprete. También compuso "Este mundo es un conflicto" canción que grabó Donna Higtower y con la que consiguipo ser durante varios meses numero unos en las listas francesas y alemanas en 1972. En dicho año Danny graba para EMI ODEON varios sencillos que contienen "Que bonita primavera", " Wait for me", "Vals para Donna" y "It´s gonna be a hit". La unión artistica entre Danny y Donna termina, Danny queria volar sólo y verdaderamente volo muy alto. En 1973 obtiene un gran éxito con "16 años" y también con "Monday morning".

Corre el año 1974, año del gran éxito de Danny con "Por el amor de una mujer" número uno en todas las listas y la carrera de Danny se consolida como un gran artista y una gran voz. Realiza multitud de giras con grandes conciertos en España y América.

Julio Iglesias graba dos grandes composiciones de Danny, los temas; "16 años" y "Por el amor de una mujer" y consigue con ellas un extrardinario éxito en todo el mundo. Julio llega a grabar hasta siete composiciones de Danny Daniel, siete grandes éxitos..

Otros éxitos de Danny son; "Viento de otoño", " Niña no te pintes tanto", "Se que me engañaste un día", "Esa eres tú", "De ti mujer.. yo siempre me he quejado",
y dedicó " In Memoriam" una composición postuma para el gran cantante valenciano Nino Bravo.

Finalizando los años setenta grabó y popularizo "Nunca supe la verdad", "Que pena me da", "La mitad de ti, la mitad de mi", Y en 1980 se instala en Miami y desde entonces vive en America. En 1982 publica desde Estados Unidos para Epic "El amor, el amor" y en 1988 publica para Perfil, "Con ella".. En 1991 publica para Espectacular el albúm "Sueños" .

En 2004 y tras una elaboradísima preparación presenta " Cuando brilla una estrella", su último album. Una excepcional producción realizada en Miami junto al gran director de orquesta clasica venezolano Tulio Cremisini y el talento de Carlo Penisi con una extraordinaria interpretación en la que Danny descubre a los mas jovenes su prodigiosa voz y realiza una meditada y muy preparada incursión en el mundo lírico. Tras años de estudio del repertorio lírico, Danny interpreta magistralmente en esta gran producción grandes temas clasicos de la denominada música culta y también presenta dos nuevas y muy renovadas e impactantes versiones de sus famosísimos "Por el amor de una Mujer" y "El Vals de las mariposas".

El presidente de los Grammy´s Latinos, Manolo Díaz, se entusiasma con el trabajo de Danny y lo presenta a la Compañias Corporación Discográfica Iberoamericana que publica el disco en España y a la discográfica Líderes que publica el disco en América.

En Diciembre de 2003, Ramón Arcusa, gran amigo de Danny, habla con Pedro Cervera, manager del DUO DINAMICO / el dúo mas importante de la historia musical de España/ para gestionar la actividad profesional de Danny y entre todos activan la importante vuelta de DANNY DANIEL en vivo al mundo del espectaculo.

CAMILO SESTO 

BIOGRAFIA DE CAMILO SESTO

CAMILO SESTO:

SU NOMBRE VERDADERO CAMILO BLANES, NACIO EN ALCOY, ALICANTE EL 16 DE SEPTIEMBRE DE 1946.

EN SU ADOLESCENCIA QUIZO SER PINTOR; PERO SU VOCACION POR CANTAR FUE MAS INTENSA. SU CARRERA LA COMENZO EN UN GRUPO MUSICAL INTERPRETANDO CANCIONES DEL DUO DINAMICO Y LOS BRINCOS. EN 1966 PASO A SER EL SOLISTA DEL GRUPO LOS BOTINES, HICIERON MUCHO RUIDO E INCLUSO PARTICIPARON EN UNA PELICULA.
TRAS CONOCER A JUAN PARDO, FUE QUE LA CARRERA DE CAMILO SESTO COMENZO A TOMAR MAS SENTIDO Y FINALMENTE TRIUNFAL. SU PRIMER DISCO NO TUVO NINGUN ECO; PERO CON EL SEGUNDO DIERON EN EL BLANCO. TODO ESTO OCURRIA A FINALES DE LOS AÑOS 60.

EN 1971 PARTICIPO EN EL PROGRAMA-CONCURSO DE TELEVISION CANCION 71 Y AUNQUE NO TUVO MUCHO EXITO, SU VOZ Y FIGURA NO RESULTARON INADVERTIDAS.
TRAS UN TERCER SENCILLO DE DOS TEMAS, SU VOZ COMIENZA A ESCUCHARSE EN LAS EMISORAS DE RADIO Y LOGRA LLEGAR A LISTAS DE EXITO.

UNA NOCHE DE 1972 LE SURGIO DE GOLPE LA LETRA DE UNA CANCION QUE IBA A LANZARLO EN ESPAÑA Y DESPUES EN HISPANOAMERICA, FUE EL BOMBAZO. CAMILO SE PRESENTO EN UNA SALA DE FIESTAS, TODOS LO APLAUDIAN; PERO EL PARECIA FRIO E INSEGURO, SIN EL DOMINIO TOTAL DEL ESCENARIO. ALLI CANTO POR PRIMERA VEZ "ALGO DE MI" Y PARA TODOS ESE GRAN DEBUT EN MADRID SIRVIO COMO SEÑAL DE QUE PRONTO IBA A SURGIR UN GRAN CANTANTE, CAPAZ DE RIVALIZAR CON RAPHAEL Y CON JULIO IGLESIAS QUE COMENZABA A DESPEGAR. DESPUES SALIO SU PRIMER LARGA DURACION Y A PARTIR DE AQUI APARECIERON TEMAS COMO "AMOR, AMAR".

SU CARRERA SE DISPARO Y EN 1973 APARECIO "TODO POR NADA".
EN 1974 "QUIERES SER MI AMANTE" FUE OTRO EXITO EN SU CARRERA.
EN EL AÑO 1975 DESTACO "JAMAS" Y ESTRENO LA OPERA-ROCK "JESUSCRISTO SUPERSTAR", CON LA QUE EL TRIUNFO FUE EN TODA REGLA.

TRAS UN PAR DE DISCOS DE MENOR IMPORTANCIA, EN 1978 GRABO "EL AMOR DE MI VIDA" Y "VIVIR ASI ES MORIR DE AMOR".

LA ESTRELLA DE CAMILO SESTO COMIENZA A APAGARSE Y SUS ADMIRADORAS YA NO ERAN TAN JOVENCITAS Y A LAS NUEVAS GENERACIONES NO LES IMPORTABA LA IMAGEN AMBIGUA DEL ARTISTA.

EN 1983 REAPARECE CON UN ALBUM EN INGLES QUE NO TUVO MUCHA REPERCUSION. HASTA 1986 SUS DISCOS PASARON SIN PENA NI GLORIA, SE MUDO A MIAMI Y ANUNCIO SU RETIRO.
SU PUBLICO FUE CRUEL CON SU CARRERA Y NO LE DIERON UN RECONOCIMIENTO JUSTO, SOBRE TODO EN MADRID CUANDO EN 1991 REAPARECIO ANUNCIANDO QUE VOLVERIA A CANTAR Y LLEVAVA UN NUEVO DISCO PARA RENACER, LLENO DE ESPERANZAS.REALMENTE NADA SUCEDIO Y SE MARCHO DE NUEVO A MIAMI.
NO OBSTANTE CAMILO SESTO FUE UN MAGNIFICO CANTANTE CON UN PUBLICO QUE LO ABONDONO INCLUSO EN SU PROPIO PAIS.

NINO BRAVO 

BIOGRAFIA DE NINO BRAVO

El cantante Nino Bravo, cuyo nombre real era Luis Manuel Ferri Llopis, nació el 3 de agosto de 1944 en un pequeño pueblo valenciano llamado Aielo de Malferit. Cuando apenas contaba un año de edad, su familia decide trasladarse a la capital buscando un mejor futuro.Aun siendo un buen estudiante, Nino Bravo no puede acabar sus estudios, debido a que tenía que trabajar para ayudar económicamente a su familia. Desde muy pequeño, Nino se siente atraído por la música y los ratos libres los dedica a cantar en tunas y rondallas con los chicos de su barrio. Con el tiempo, crearía su primer grupo, Los Hispánicos, que canta temas de Cole Porter, The Platters o Domenico Modugno. Finalmente, el grupo se disuelve con más pena que gloria y en 1962 nace el quinteto Los Superson's, con Nino como cantante solista. Es aquí cuando deja su trabajo en una joyería y comienzan las giras por la región.En 1964 cumple con sus obligaciones militares y, terminadas estas, regresa a su ciudad y entra a trabajar como administrativo en una oficina. Pero la música sigue siendo su sueño y, a través de un amigop, contacta con un afamado mánager de Valencia, quien aconseja al joven que adopte el nombre por el que todos le conocemos, Nino Bravo.Tras realizar una serie de galas y conciertos sin demasiado éxito, firma un contrato con la casa Fonogram. Con ellos publica su primer sencillo, con canciones de Manuel Alejandro. Acude posteriormente al festival de la canción de Barcelona con el tema "No debo pensar en ti", donde es eliminado. En el verano de 1970, Augusto Algueró le ofrece interpretar en tema "Te quiero, te quiero", canción que anteriormente habían interpretado Raphael y Lola Flores, pero que no había llegado a publicarse. Nino Bravo consigue con ella un éxito arrollador siendo elegida canción del verano. A "Te quiero, te quiero" le siguieron "Noelia", "Perdona", "Mi gran amor", "Esa será mi casa", "Mi querida mamá", "Voy buscando" y un largo etcétera. Toma parte en la selección para el festival de Eurovisión, actuando en el programa televisivo Pasaporte a Dublín, donde queda en segunda posición, el mismo año en que salió elegida la cantante Karina. En Noviembre de ese mismo año viaja al festival de Rio de Janeiro, donde representa a España. Tras una polémica votación, quedó segundo en el festival, aunque para muchos resultó ser el ganador moral.En 1972 aparecen dos nuevos trabajos del cantante: "Un beso y una flor" y "Mi tierra". Nino es número uno indiscutible en España como en casi la totalidad de países iberoamericanos y sus canciones se sitúan en los puestos más altos de las listas de éxitos.El 16 de abril de 1973 Nino Bravo acompañado del dúo Humo, al que iba a producir, y Miguel Diurni, sufre un accidente cuando viaja de Valencia a Madrid y fallece a la edad de 28 años cuando se encontraba en el momento cumbre de su carrera profesional.