PIERO 

BIOGRAFIA DE PIERO

Piero, el conocido cantautor cuyo verdadero nombre es Piero De Benedictis nació en Italia en abril de 1944 y comenzó interpretando temas italianos en Argentina, esto fue a mediados de los 60. En 1969, después de ganar un festival en español logro cierta popularidad; pero en 1976 se exilia en Panamá por problemas políticos aunque no detuvo su carrera. Más tarde se marcha a España e Italia.
En 1981 reaparece en el espectáculo llamado la gran vuelta de Piero y graba un álbum doble bajo el titulo “Calor Humano”. En 1985 realizo un tour por Latinoamérica y participa en un proyecto para ayudar a jóvenes pobres conducido por la UNICEF, donde se defendía los derechos de los niños y jóvenes.
En el 2001 aparece con un nuevo trabajo de temas no editados.
Piero siempre ha estado trabajando y en su haber hay una larga lista de temas de su propia inspiración.

JOSE JOSE 

BIOGRAFIA DE JOSE JOSE

JOSE JOSE:
El 17 de febrero de 1948, en la ciudad de México, nació José Rómulo Sosa Ortiz (José José), hijo de un tenor y una concertista de piano, lo que le valió para acostumbrar su oído a la música.
Desde pequeño, entre juegos y travesuras, entonaba cantos infantiles y cantaba el himno nacional en fechas importantes en su vida de estudiante, comenzando así a pulir su voz.
Aprendió a tocar la guitarra y se integró a un trío, comenzando de esta manera a mostrar su herencia musical, a la vez que estudiaba mecánica de aviación. En la década de los 60 comenzó animando la vida nocturna de la ciudad de México, pues cantaba en clubes nocturnos y otros sitios de cierta importancia.
Talentoso, tenaz, insistente y sobretodo dotado de un amplio registro, se trazó un estilo, que le sirvió para que en el año 1965 realizara su primer trabajo discográfico donde incluyo temas que se escuchaban en esos días.
Mas tarde se incorpora a un trío de jazz y en 1967 firma un contrato para la casa RCA- VICTOR; pero continua su labor hasta que en 1969 recibe la oportunidad de grabar su primer larga duración que causo furor y conmoción a la vez.
En 1970 encuentra la canción que definitivamente le abriría las puertas al éxito y fue un tema del compositor Dino Ramos, y se embarca en una nave que lo conduce por el mar de la felicidad y el triunfo “La Nave Del Olvido”. El éxito logrado fue tal, que además recibe ofertas de la televisión y el cine, que le sirve para ampliar su popularidad.
La década de los 70 le sirve para mejorar la situación económica de su familia, lo que lo ayuda a sentirse mejor emocionalmente. Este año se presenta en el Segundo Festival De La Canción Latina, conocido hoy como OTI y aquí logra el tercer lugar con el tema “El Triste”. Cabe destacar que el público considerando que el prometedor artista debía ganar el primer lugar protesta la decisión del jurado. Días después este tema se convierte en éxito nacional e internacional, corroborando así que el público tenía la razón. A partir de aquí los éxitos no se hacen esperar y comienzan a escucharse uno tras otro.
Para esta fecha comienzan sus giras a nivel nacional e internacional y para el de abril de 1970 llega a la ciudad de Los Ángeles a recoger su primer disco de oro, pasando de esta forma a convertirse en el artista más joven de moda dentro del género romántico, un logro rápido y que perduró por varios años. En ocasiones la fama no se sabe asimilar y eso pasó con José José, pues aquí comienzan a aparecer mujeres y amistades que junto al dinero terminan por conducirlo a una crisis física y espiritual y comienzan a mezclarse triunfos y tristezas y en 1971 retomado su carrera con un ímpetu nuevo graba el tema “Buscando Una Sonrisa”, que también fue tema de su primera película. Este año logra el premio como revelación del año y pasa a convertirse en un ídolo mundial.
El 1972 es otro año repleto de triunfos, fama y éxito y aseguraba en sus presentaciones un lleno total, motivo por el cual todas las plazas reclamaban su presencia y en cada sitio que se presentaba desplegaba romanticismo a la máxima potencia. Independientemente de la fama y fortuna y el continuo subir de su nombre, el matrimonio que había contraído hacia dos años con una mujer veinte años mayor que él y su salud mental, comienzan un deterioro tan rápido como su ascenso al trono, aquí comienzan a agudizarse una vez mas los problemas de salud y en 1973 su salud se agravó tanto que sufrió un paro respiratorio; pero sus ganas de vivir y su publico logran que se recupere y pase de nuevo a cosechar nuevos triunfos dentro de su carrera musical. Su trabajo continuó y varias ocasiones mas ha tenido problemas de salud por la adicción al alcohol; pero cada vez que reaparece su público lo recibe como en sus primeros años y por gusto es apodado el príncipe de la canción.

SILVIO RODRIGUEZ 

BIOGRAFIA DE SILVIO RODRIGUEZ

Silvio Rodríguez, por parte de padre, y Domínguez, por parte de madre, nace un 29 de noviembre de 1946 en San Antonio de los Baños, un pueblo ubicado en un valle muy fértil en La Habana y zona fundamentalmente tabacalera, en el seno de una familia campesina. Su abuelo fue tabaquero y conoció a José Martí, cuando Silvio tan sólo tenia 12 años. Su padre, Víctor Dagoberto Rodríguez Ortega, fue campesino, y siempre fue un hombre liberal y de ideas socialistas. Su madre, Argelia Domínguez León, fue peluquera. Silvio ha manifestado en diversas ocasiones que su afición por la música le viene por parte de su madre, que se pasaba el día cantando boleros y sones santiagueros. Silvio tuvo un tío que tocaba el bajo pero, desde el punto de vista musical, fue su madre la que le dormía con canciones de la trova, se bañaba con danzones, barría con boleros y cocinaba con sones. Su madre debió ser música por vocación, y de hecho ha colaborado esporádicamente con Silvio en algunos trabajos.

Silvio ha sido estudiante, alfabetizador, empleado gastronómico, dibujante, soldado, cantante y padre. Fue empleado de la televisión cubana y trabajó con el grupo de experimentación sonora del ICAIC (Instituto Cubano de las Artes y de la Industria Cinematográfica), donde grabó sus primeros discos y canciones. Empezó a escribir poemas a los siete u ocho años. En la revista «Mella» dibujaba una historieta que se llamaba «El Hueco», una historia muy profunda, con textos de Norberto Fuentes. Cuando trabajaba allí, aprendió los primeros acordes de guitarra con su compañero Lázaro Fundora.

A los 16 años recomenzó los estudios de piano, pero tuvo que volver a dejarlos cuando, el 4 de marzo de 1964, fue llamado al Servicio Militar Obligatorio -SMO-, de las Fuerzas Armadas Revolucionarias -FAR-. Silvio partió rumbo a la región más occidental del país. Tenía 17 años cuando le enviaron primero a una unidad en Pinar del Río durante tres meses. Después desarrolló un primer periodo de doce semanas de entrenamiento en la Unidad 3234, de Infantería, en Artemisa, y fue trasladado a la Unidad 1087, de Servicios de Retaguardia del Ejército Occidental. Posteriormente, ubicado en la 2107, de Comunicaciones, en El Calvario, el recibió un curso de Telegrafía y desarrolló la labor de ayudante del operador de radio.

Entonces se compró una guitarra. En el ejército conoció a Esteban Baños, con quien aprendió mucho de la guitarra. A partir de ese momento, no abandonaría más el instrumento. En todo ese tiempo nunca dejó de escribir poemas y compuso algunos relatos. Entre 1964 y 1965 compuso sus primeras canciones. En 1967 debutó en el programa de televisión Música y Estrellas, vestido con sus botas militares que, según aclaró mas tarde, era lo único que tenia para ponerse. Su primera actuación fue en el Museo de Bellas Artes. Por esa época hizo dúo con Luis López, cantaban sus canciones y se presentaron en dos ocasiones a festivales de Aficionados de la FAR. No resultaron premiados, pero fueron felicitados. En 1975, cuando llevaba ocho años de profesional y había compuesto cientos de canciones, hace su primer disco en solitario, Días y Flores.

Su influencia sobre toda una generación, junto a sus compañeros de La Nueva Trova Cubana, también conocida como Movimiento de la Nueva Trova ha sido reconocida en todo el mundo, incluso por quienes no están de acuerdo con sus ideas políticas. Queda patente que el genio de Silvio es capaz de atraer a quien él quiere y a quien no. Ha colaborado con muchos cantantes y músicos de todo el mundo.

BASILIO 

BIOGRAFIA DE BASILIO

Basilio, disfrutó de popularidad cuando la música de los 60 comenzó a decaer y lo logró durante diez años. Su figura exótica, alto, atractivo y de amplia sonrisa dejando al descubierto su blanca dentadura logro enamorar a las mujeres y en la prensa se le llamaba el cantante de color.
Su verdadero nombre es Basilio Fergus Alexander y nació en Panamá en 1947 dentro de una familia acomodada y se aficiono a la música influenciado por su hermana que estudiaba piano.
Al fallecer sus padres, se fue a vivir con unos tíos que no consentían su espíritu rebelde, aventurero e intranquilo y cansado de la tutela familiar se marcha a Francia a estudiar medicina; pero el no era de estar mucho tiempo en el mismo lugar y entonces decide mudarse a Madrid donde encontró los ambientes musicales a los que se asocia y rápidamente logra un contrato, entonces viaja a Londres a grabar su primer disco donde apareció el tema “No Digas Adiós” que lo catapulta al estrellato en España. Su bonita voz y su swing lo ayudaron al éxito y rápidamente apareció en las revistas y la televisión, haciéndose muy popular en el mundo del espectáculo.
En febrero de 1970 fue elegido para competir en el certamen donde se escogería la persona que representaría a España en Eurovisión y quedo solo a dos puntos de Julio Iglesias; pero para él esto no supuso decepción.
Su vida rodeada de coches caros y chicas rubias lo mantenían en las revistas del corazón y voz y estilo lo colocaron en los hit-parade. Rápidamente se escucho fuera de España, su voz llego a Portugal, Francia, Inglaterra e incluso Japón y con temas como “Tal Vez Mañana”, “El Tiempo Vuela”, “Como El Perfume De Una Rosa” y otras mas apareció su primer larga duración.
Su fama se extiende por Latinoamérica y participa en otro festival donde con el tema “Alguien” de Augusto Alguero llega al lugar numero dos.
Basilio cuidaba mucho su figura, su vestir y siempre lucia elegante y coqueto.
En 1971 en el programa-concurso Canción 71 se presentó y con la canción “Tierras Lejanas” se llevo el primer lugar.
Su buena racha queda rota por su inconsistencia, frivolidad e informalidad y su luz comenzó a apagarse y se marcho a Miami.
Cuando ya todos se habían olvidado de Basileo, un día amanecieron con “Cisne Cuello Negro”, un tema de Manuel Alejandro que era interpretado por la bella y potente voz de Basileo y regresa a la cumbre.
De repente su estela de éxitos se volvió a esfumar, y se marcho de España.
En la década de los 80 el tema “Vivir Lo Nuestro” y la voz de Basileo reaparecieron en la radio y ya en los 90 se volvió a escuchar con “Costumbres”.
Su voz aun se recuerda como en sus mejores momentos, lastima que él no supo valorar una carrera que le dio fama y fortuna, echando por el suelo lo logrado por la poca responsabilidad en su carrera.

ARMANDO MANZANERO 

BIOGRAFIA DE ARMANDO MANZANERO

Armando Manzanero nació el 7 de diciembre de 1935, en la ciudad de Mérida, México y desde temprana edad comenzó sus estudios de música logrando a la edad de 16 años comenzar su actividad profesional al trabajar como pianista.
A la edad de 22 años comenzó como director musical en la disquera CBS y pasando a ser pianista de grandes figuras como Lucho Gatica y Pedro Vargas por citar solo algunos.
En 1959 edita su primer disco y mas tarde con temas como “Somos Novios”, la cual ha sido traducida al inglés por el conocido Perry Como y otros como “Adoro”, “No”, Voy A Apagar La Luz” entre muchas mas, lo han mantenido al tope del éxito.
Manzanero ha recibido muchos premios y trofeos, como el quinto lugar en el festival de la Canción En México, en 1962, en Miami en el año 1965 gano el primer lugar en un festival y otros muchos mas como en 1993 premio a la excelencia otorgado por la Revista Billboard. Manzanero también se ha presentado en muchos escenarios internacionales como Sao Pablo, Buenos Aires, El Metropolitan De México, el Teresa Carreño de Caracas, Venezuela, Madison Square Garden en New York, además de lugares reconocidos de Europa, Asia y otros sitios de gran prestigio internacional.
La carrera de Armando Manzanero se extiende a través de mas de treinta discos, mas de 400 canciones, sobrepasando los cuarenta años de total prestigio, e incluso componiendo temas para películas; pero su mayor trofeo es ser reconocido por diferentes generaciones y que sus canciones permanezcan en los corazones del público por mucho tiempo.

SONIA SILVESTRE 

BIOGRAFIA DE SONIA SILVESTRE

Sonia Silvestre, conocida cantante dominicana, nació en la ciudad de San Pedro de Macorís el 16 de agosto de 1952 y en 1963 su familia decidió emigrar a Santo Domingo. Ya establecida en la capital Sonia hizo contactos con los ambientes de rock, hippie y muchos movimientos juveniles de izquierda que estaban de moda en esos años.
Mientras estudiaba pedagogía, realiza lo que fue su primera presentación como vocalista en 1970 en el programa Gente. Deapues comienza a presentarse en un centro nocturno logrando buena aceptación; pero la fama real la alcanza en el IV Festival De La Canción Dominicana donde alcanza el segundo lugar con el tema “Donde Podré Gritarte Que Te Quiero” de la autoría de Leonor Porchella De Brea. Más tarde graba su primer LP donde todos los temas pasan a convertirse en éxitos.
En 1973 viaja a Cuba donde realiza varias presentaciones enriqueciendo su repertorio y dando una imagen de significado social, motivada por el movimiento de la nueva canción y se muestra versátil al interpretar temas dentro de diferentes géneros musicales. Muestra de ello es “La Tarde Esta Llorando” dentro de la balada, “Yo Pisare Las Calles Nuevamente” dentro de los temas de movimientos sociales y “Mi Guachiman” mostrando su trabajo dentro del folklore
Las presentaciones de Sonia han sido internacionales, apareciendo en Puerto Rico, Nicaragua, Venezuela, España, Colombia, México y Estados Unidos y ha logrado presentaciones en varios certámenes de gran importancia logrando premios y reconocimiento en todos ellos.
La discográfica de Sonia es extensa donde destacan “Sonia
En Buenos Aires”, “Sonia Nueva Canción”, “Sonia Canta Poetas De La Patria”, “Amor Y Desamor” y ha incursionado en la bachata (genero del folklore dominicano) con mucho acierto.
Durante los años 1975 y 1977 logro ser reconocida como la mas popular por Premio El Dorado y ellos mismos le dieron el premio por el mejor espectáculo en 1977, lo que demuestra que su trabajo ha ido en ascenso.
Definitivamente el trabajo realizado por Sonia Silvestre (Sonia Margarita Silvestre) no tiene desperdicio y su destacada labor en la música la hace acreedora de un espacio dentro de los cantantes de moda en los años de la década prodigiosa.

RAPHAEL 

BIOGRAFIA DE RAPHAEL

En 1962, Raphael se alzo con el triunfo en el Festival De Benidorm; pero este galardón lo logro después de su aprendizaje en centros nocturnos, donde adquirió la suficiente experiencia para una carrera que ya llega a mas de cuarenta años.
Según declaraciones del cantante, que nació en Linares, una pequeña ciudad del sur de España el 5 de mayo de 1943, estará en el negocio del canto por mucho tiempo más y muestra de eso es que cuando realiza sus presentaciones en Madrid o en otra ciudad del mundo, el público lo recibe como en sus mejores momentos. Y si como en sus mejore momentos, porque definitivamente ya no es el mismo que una vez vimos cantando “Yo Soy Aquel”. Su experiencia es mucho mayor; pero su voz no es igual y suena a cansada.
La voz de Raphael siempre fue el centro de su personalidad, pues va de tenor a barítono dentro de la canción popular y moderna y fue bien recibido en su país porque en una época que la mayoría de los cantantes eran imitaciones de los ingleses o norteamericanos, el creo un personaje basado en su raíz flamenca y con tonalidades de los cantantes franceses, donde la expresión del cuerpo forma parte de la música. Esa independencia de lo extranjero hizo que fuese respetado desde su primera aparición. Definitivamente Raphael es Raphael y no hay otro igual.
Después del triunfo en el festival, su carrera fue ascendente; pero ha tenido dos etapas, una del 1962 hasta 1966 y la otra de 1966 hasta 1968.
Su primera etapa, donde la unión musical con el compositor Manuel Alejandro, le dio ventas increíbles con temas que lo fueron consagrando con esas letras amorosas de sus inicios. Entonces aparece “El Tamborilero”, un tema grabado en época de navidad, lo que definitivamente le da un giro de 180 grados a su carrera y su aparición en el Festival De Eurovisión en 1966 con “Yo Soy Aquel” y al siguiente año con “Digan Lo Que Digan”, que comienza su carrera totalmente ascendente e imparable y pasa definitivamente a ser conocido en el resto de los países.
Después de tocar el cielo tantas veces, en 1969, comienza la comercialización de su trayectoria y aquí aparecen discos con canciones del acervo latinoamericano, tal vez tratando de extender su fama por ese continente, cosa que no necesitaba, pues esto ya lo había logrado con temas espectaculares. De aquí en adelante el intérprete pierde su genio, su figura y su estrella da paso a que muchos cantantes se le acerquen competitivamente; pero hay que reconocer que con el paso del tiempo no solo él ha perdido calidad. Definitivamente los ochenta no son los sesenta.
Miguel Rafael Martos Sánchez, ese hombre que conocemos como Raphael, logro realizar una carrera que incluye el cine nos ha dejado muestras de calidad vocal pocas veces escuchadas y su presencia en el escenario es indiscutiblemente mucho mas que excelente

ROCIO DURCAL 

BIOGRAFIA DE ROCIO DURCAL

Roció Durcal nació en Madrid el 4 de octubre de 1944 y su nombre verdadero es Maria De Los Ángeles De Las Heras Ortiz. Provenía de una familia obrera y cuando pequeña era tranquila, nadie imaginaba el futuro que tendría por su forma de ser. Desde edad escolar soñaba con ser artista y le gustaba cantar para sus compañas de clase y así fue creciendo su inclinación por el arte.
su abuelo siempre la acompañaba a recorrer las emisoras de radio donde se realizaban concursos, que casi siempre ganaba y la edad de quince años dio su primer paso profesional y fue en televisión española en un programa concurso y un cazatalentos rápidamente se puso en contacto con ella. Aquí por primera vez hablo ella de sus deseos de ser artista. Aquí comenzó su entrenamiento y clases de canto, actuación y todo lo relacionado al cine y el canto. Finalmente llego la hora de su primer trabajo en el cine “Canción De Juventud” y aquí demostró que no se había equivocado, pues las ventas de taquilla fueron por todo lo alto y el éxito espectacular.
En 1962 aparece el segundo trabajo en cine para Roció y en esta ocasión fue con “Roció De La Mancha”. Para la promoción se realizo una gira por España y esto provoco verdaderos tumultos, pues a su paso todos la querían conocer y ella sabía hacerlo, pues su comportamiento ante los admiradores fue fenomenal.
A la edad de diecisiete años viaja a México y más tarde a Venezuela, Puerto Rico y poco a poco se fue dando a conocer. En 1963 otra nueva película, “La Chica Del Trébol” y su papel como actriz fue maravilloso.
En 1964, en el film “Tengo 17 Años”, mostró que ya había madurado mucho y muestra que ya no es una niña. Este año también trabajo en el teatro y su papel fue magnifico.
En los siguientes años sus trabajos en “Acompáñame” en 1965, “Buenos Días Condesita”, en 1966, “Amor En El Aire” realizada en 1967 continuaron mostrando que su trabajo iba en asenso y ya no era la chica prodigio de su infancia, sino una artista que se iba consagrando cada día mas. Después continuaron otras como “Las Leandras” realizada en 1969 y el 15 de enero de 1970 contrajo matrimonio con el ya famoso Junior.
Después de un retiro para atender a su hija, regresa a su trabajo y repitió en el teatro. En 1976, en un viaje a México, conoció a Juan Gabriel y este encuentro determino un cambio en su trabajo, pues aquí comenzó a desarrollar aun más su carrera de cantante y en 1977, después de aparecer su primer trabajo discográfico con temas de Juan Gabriel su carrera como cantante ascendió vertiginosamente.
Mas tarde se distancia del compositor y graba algunos trabajos de boleros, cosa que la mantuvo en el gusto popular. También trabajo con Marco Antonio Solís que resultó de un éxito increíble y ya en la década de los ochenta y noventa su carrera se ha mantenido en el tope de la popularidad.
No cabe dudas que Roció Durcal desde sus inicios demostró su calidad artística y esto junto con su sencillez la han ayudado a mantenerse durante mucho tiempo en la popularidad y el gusto del público.
Mas tarde sus temas de Rafael Pérez Botija, Roberto Livi y Bebu Silvetti donde demuestra versatilidad y su ultimo disco del 2002, donde destacan “Sombras Nada Mas”, “Caminito” y “A Media Luz” han hecho de Roció Durcal una estrella que no tiene fronteras en el canto.

LEONARDO FAVIO 

BIOGRAFIA DE LEONARDO FAVIO

Leonardo Favio, comenzó su carrera musical en 1968 y se destaco como cantante y compositor y a la vez participaba en varios espectáculos de radio en busca de mayor promoción. Con una voz intensa y muy peculiar fue escalando peldaños.
Después del cambio de su ciudad natal, Mendoza a Buenos Aires se adentra en el mundo del cine y realiza un pequeño papel en la película “Ángel De España” en 1957 y al siguiente año apareció en “El Secuestrador”.
En el 1970 con temas como “Fuiste Mía Un Verano”, “Ella…Ella Ya Me Olvido” y “O Quizás Simplemente Te Regale Una Rosa” logra dar su primer gran paso en la música al lograr que estas grabaciones ocupen los primeros puestos en las listas de popularidad y conquista definitivamente el publico de Latinoamérica. Muchos de sus primeros éxitos pasaron a convertirse en clásicos de la época; pero mas tarde su transformación a la música cristiana lo alejó del mercado popular y ha realizado varias giras para financiar sus propios proyectos.

JOSE LUIS RODRIGUEZ 

BIOGRAFIA DE JOSE LUIS RODRIGUEZ

JOSE LUIS RODRIGUEZ:
Posiblemente el ídolo mas importante de la canción hispanoamericana de los ochenta y noventa, es sin duda alguna José Luis Rodríguez, apodado el puma, después de realizar una telenovela en la que su personaje recibía ese sobrenombre. A esto hay que sumar su mirada felina que cautiva al público femenino.
Nació el 14 de enero de 1943 en una modesta casa en Caracas, Venezuela. Su padre era de Islas Canarias y del aprendió algunas coplas. Tras la muerte de su padre, la familia quedo en una completa pobreza.
Siendo José Luis un jovencito, se puso a trabajar y a los 17 años decidió que su futuro estaba en la canción y es cuando forma el cuarteto Los Zeppy, y que no eran más que imitadores de los afamados Platters. Aquí el era el vocalista principal. Con la experiencia adquirida y cierto éxito logrado se integra a la orquesta Billo`S Caracas Boys como solista, donde estuvo cuatro años, logrando reconocimiento; pero sus deseos eran ser solista, para de esta forma lograr un protagonismo total. La oportunidad dorada se le presenta cuando participa en su primera telenovela y después del éxito realiza otras donde cantar era parte el trabajo y así poco a poco cautivaba al público femenino y convencía al público masculino. Tras la popularidad lograda en las telenovelas, solo faltaba el éxito musical a nivel internacional y en 1977 lo logra con “Voy A Perder La Cabeza Por Tu Amor”, del compositor Manuel Alejandro. Tras este rotundo éxito musical extiende sus triunfos por muchos países incluyendo España.
Después llegaron éxitos como “Culpable Soy Yo”, “Dulcemente Amargo” y “Un Toque De Locura”.
En el escenario es un huracán de sentimientos; pero al bajar del mismo se nota frió y calculador y al hablar mide sus declaraciones. Otra de sus características es su elegancia y caballerosidad y aunque en la actualidad realiza menos presentaciones y grabaciones, dejó establecida su calidad al cantar y actuar.

NELSON NED 

BIOGRAFIA DE NELSON NED

Nelson Ned realizo una carrera musical de mucha calidad con temas sentimentales y logro éxito como compositor y cantante y la mejor prueba de su gran calidad fueron sus ventas no solo en Latinoamérica, sino que paso fronteras continentales y llego a Europa y África y en varios países ha sido premiado con discos de oro por sus ventas espectaculares. Como confirmación de sus triunfos como compositor, la prueba es la interpretación de ellos por otras voces e incluso cantantes extranjeros de la talla de Matt Monroe.
Su debut lo realizo en 1968 y ese mismo año con “Todo Pasara” logra ganar el primer festival de la canción en Buenos Aires, dando así un gran paso hacia un futuro prometedor. El siguiente año, en Brasil logra mucha popularidad y comienza su internacionalización, con presentaciones en Estados Unidos,, varios países latinoamericanos, cruza el Atlántico y llega a Europa y mas tarde a África.
Sus presentaciones en el Madison Square y el Carnegie Hall son algunas muestras de prestigiosas presentaciones y sirven para avalar una carrera exitosa.
Después de lograr aplausos, éxitos y triunfos en 1993 se convierte al cristianismo y decide solo grabar temas de contenido

PALITO ORTEGA 

BIOGRAFIA DE PALITO ORTEGA

De argentina salieron al mundo una extensa lista de nombres de triunfadores y ahí hay que destacar a Palito Ortega, que cargo muchos aplausos y fue un fiel exponente de esa nueva ola surgida en la década de los 60. Sus presentaciones llegaron a España. Sus triunfos no tiene discusión y lo hizo de una manera muy autentica y refrescante, pues la mayoría de sus composiciones tiene letras sencillas y alegres; pero eso junto su voz su suficiente para que el publico lo aceptara por varios años. Como muchos otros cantantes, su procedencia era humilde y antes del triunfo realizo varias labores independientes a la de la música.
En sus inicios utilizo varios seudónimos y apareció en varios sitios logrando que en 1959 bajo el nombre Nery Nelson; pero su asociación con Dino Ramos en 1962 fue fructífera para el y ya en 1963 comenzó con RCA Victor y con sus composiciones comenzó como hoy se le conoce, Palito Ortega. De aquí en adelante sus apariciones en televisión fueron frecuentes y comenzó a cosechar una cadena de éxitos que incluyeron temas como “La Felicidad”, “Al Lado”, “Corazón Contento” y “Despeinada” entre otros. Letras optimistas, divertidas que la juventud disfrutaba al maximo en contraste con su carácter tímido.
Por mas de veinte años gozo de la popularidad y participo en el cine, logrando mayores triunfos para una carrera que no se detenía. Finalmente grabo treinta cuatro discos y tuvo ventas de más de quince millones de copias.
En la actualidad esta de vuelta en la música y espera que su nuevo trabajo discográfico, salido en el 2003 tenga la aceptación de sus anteriores trabajos.
Palito Ortega nació el 8 de mayo de 1942 en Tucumán y en la década de los 80, su entrada a la política lo alejó del campo donde se dio a conocer.

ROBERTO CARLOS 

BIOGRAFIA DE ROBERTO CARLOS

Roberto Carlos lleva mas de treinta años en el mundo artístico, gozando de popularidad y cuando en la actualidad edita un nuevo trabajo es recibido cono en sus mejores momentos.
Roberto Carlos Braga, su verdadero nombre, nació el 19 de abril de 1941 en el seno de una familia humilde y en 1947 su maestra le surgiere que estudie piano.
A la edad de nueve años aparece en la radio interpretando temas que estaban de moda en esa época. en 1955 se traslada a Río De Janeiro e influenciado por los artistas roqueros de moda en esos años como Elvis Presley y Billy Halley forma un grupo llamado Sputnik. En el año 1959 aparece su primera producción, un disco en portugués que paso sin pena ni gloria; pero para 1965 ya era todo un ídolo en Brasil y sus apariciones en radio y televisión eran frecuentes. Este mismo año edita dos discos que lo terminan por convertir en el artista mas representativo de la nueva ola brasileña.
En 1968 comienza a buscar su internacionalización y se presenta en Italia, en el festival de San Remo ocupando finalmente el primer lugar. De aquí en adelanta su equipo de trabajo lidereado por su amigo inseparable Erasmo Carlos, comienza a trabajar duramente y empiezan a crear temas en español en busca del mercado latinoamericano y dando un giro a su música que lo lleva de un roquero a ser uno de los artistas mas románticos de la época de aquí en adelante con temas mas serios comienza a entrar en los corazones de sus seguidores a la vez que hablaba también de amor y paz.
En 1973 con “La Distancia” y “Un Gato En La Oscuridad” la carrera se vuelve imparable y realiza un concierto para la Cadena Globo. Este concierto logro tanto éxito que ha tenido que repetirlo todos los años. En sus discos siempre incluye algún tema donde habla de dios y es debido a su fe tan grande.
En su trayectoria musical el éxito ha sido tal que ha vendido mas de setenta millones de discos y aun cuida de su trabajo como en sus primeros días, pues el respeto que siente por el publico en lo principal en su trabajo.
En 1978 cuando su esposa estaba enferma le dedica el trabajo “Yo Te Amo” y se ha convertido en un tema siempre cantado en sus conciertos. Este año también publica “Lady Laura” que dedico a su nana. Este mismo año estaba en México para la presentaron de su concierto, el cual coincide con la visita del Papa. Aquí le piden que componga un tema para él y es cuando crean “Amigo”.
En la década de los 80 ya es todo uno de los grandes y su éxito había alcanzado a Francia, Italia y otros países por sus grabaciones en varios idiomas.
En 1989 se le otorga un Grammy dentro de la música hispana, lo que muestra que su recorrido por la música no ha sido cuestión de suerte, sino de calidad.

LOLITA FLORES 

BIOGRAFIA DE LOLITA FLORES

Indiscutiblemente la vida de Lolila esta marcada por el mundo artístico donde creció. La amistad de sus padres con la farándula española e incluso la amistad sostenida con artistas de la talla de Aydrey Hepburn, Ava Gardner y Frank Sinatra y rodeada de viajes, teatros, cine y música lograron que desde pequeña ese gusanillo artístico se incubara en su cuerpo y a la edad de cinco años apareció en el cine en una película titulada “La Gitana Y El Charro” y aunque en su juventud declaraba ser tímida e incluso pensó en ser azafata, no pudo escapar de lo que era interiormente y finalmente se decidió por la música.
Dolores González Flores, nació en Madrid el 6 de mayo de 1958 y es la mayor de tres hermanos y la fiesta de bautizo estuvo matizada por rumbas, música y guateque. Desde niña, rodeada de la farándula y el ir y venir de su madre Lola Flores hizo que creciese al cuidado de su tata Dioni; pero en ocasiones era incorporada a algunas giras de su madre, donde hacia reír a los presentes con las imitaciones que realizaba de Lola.
Desde joven tuvo amistad con Marisol y tal vez esto finalmente hizo que finalizado sus estudios de bachillerato, dejara los estudios por el arte y con su voz aguda, amplia textura y eso si mucha garra comenzó a recorrer España con su voz y hasta cruzo el Atlántico para darse a conocer en Hispanoamérica, rechazando ofertas de desnudos e incluso tuvo tiempo para componer algunos temas.
El primer tema grabado fue “Mi Carta” de su inspiración y su primer disco apareció en 1977. al siguiente año se publica su segundo trabajo discográfico, titulado “Esperame”; pero hubo que seguir esperando, pues aunque en el disco aparecieron temas de Perales, Manuel Alejandro y Juan Gabriel no tuvo el éxito que deseaba e incluso en su patria su carrera se estanco; pero si logro despegar fuera de ella, grabando temas que ni siquiera se escucharon alla.
La década de los ochenta continuo con su carrera fuera de España, donde recibió numerosos premios y entre sus amores y fracasos hasta que finalmente se casa con un argentino y sentimentalmente se estabiliza; pero musicalmente no lograba la aceptación que se esperaba. Después de otro receso musical por el nacimiento de su hija, parte fuera de su país para recoger los triunfos del disco “Locura De Amor”.
Finalmente en España logra el éxito, pero no fue fácil pues tuvo que luchar mucho, parece que la cruz de ser hija de Lola Flores es pesada; pero ella supo llevarla con dignidad hasta que logró por ella misma quitarse esa carga de encima y convencer a sus paisanos de su calidad artistica.

EMILIO JOSE 

BIOGRAFIA DE EMILIO JOSE

Cuando en 1970 Emilio José salió a la luz publica, con poemas de un famoso escritor y música añadida por él, daba la impresión de ser un moderno mas dentro de la canción protesta; pero a diferencia de muchos el cantaba al amor, al mar y a las flores, sin ir a complicaciones, pues el trabajo era algo sencillo.
En 1970 se trasladó de su ciudad natal, Córdoba a Madrid, aunque antes había vivido en Barcelona donde se desempeño en diferentes trabajos. Ya residiendo en la capital sale su primer trabajo en 1972 que incluyo temas como, “Puerto De Mar” y “Barrio De Marineros”. Este disco titulado “Campo Herido”tuvo buena aceptación y al siguiente año en el Festival De Benidorm con la canción “Soledad” se instalo en la cima de su carrera y económicamente le proporciono buenos resultados, pues otros muchos cantantes y orquestas la hicieron parte de su repertorio, lo que finalmente le da el empujón final.
Después de este éxito no ha logrado otro tema que lo iguale; pero continúo trabajando y en 1975 aparece un nuevo disco que dedico a su padre que ya había fallecido. Aquí sobresalió el tema “Mi Barca” y sus giras por Latinoamérica fueron frecuentes al igual que los reconocimientos que recibió. Mas tarde otro disco que dedicaba al mar, por la cantidad de temas le donde lo mencionaba.
Su trabajo siempre ha estado buscando la perfección y eso es difícil de encontrar; pero el ama la lírica y sobretodo siempre ha querido ser autentico, sin parecerse a otros. Este interés en su trabajo no ha permitido que se comercialice y aunque continuó adelante, no le ha sido fácil abrir las puertas.
En 1979 y 1980 aparecieron nuevas publicaciones con la casa Belter; pero cambia a la disquera Hispavox y en 1983 con un disco titulado “Un Paso Adelante” donde se puso mucha ilusión y el resultado fue bueno; pero siempre a la espera de otro tema que lo devuelva a la cima.
En 1992 reaparece con un disco similar al el inicio de su carrera, pues otra vez puso música a poemas conocidos; pero con resultados similares a los anteriores, pues su trabajo gusta y es aceptado; pero no logra regresar a las listas de éxito como en sus inicios.
Otro cambio de disquera, un nuevo disco y como el personalmente me relató, “lo veremos cantar por otro milenio mas”
Emilio José nació el 16 de junio de 1950 y su verdadero nombre es José Emilio López Delgado.

DYANGO 

BIOGRAFIA DE DYANGO

Dyango logró una profunda formación musical por los estudios realizado en un conservatorio, además conoce, maneja y domina varios instrumentos musicales. Todo esto lo coloca por encima de muchos de sus colegas. Estos conocimientos musicales los ha puesto en su carrera y junto a la experiencia que ha adquirido hace que mantenga una carrera activa y vigente. En ese conservatorio estudio solfeo, piano, trompeta y violín y comenzó en los clubes de la ciudad a ganarse la vida.
El verdadero nombre de Dyango es José Gómez romero, el nació en Barcelona el 8 de mayo de 1940 y su amor a la música es gracias a su padre que fue músico.
Dyango aprovecho el Festival De La Canción De Aranda De Duero para presentarse y darse a conocer con el tema “Me Dijo Que Me Amaba”, esto en 1965.
Su carrera al éxito no ha sido fácil, pues el público siempre lo que ha querido y admirado tanto en España como en Latinoamérica y la critica lo aceptaba por sus cualidades; pero no lograba entrar en las listas de éxito, cosa que finalmente sucede en 1976 cuando gana el Festival De Benidorm con la canción “Si Yo Fuera El”.
De esta fecha en adelante comenzó grabando un disco por año y poco a poco se fue dando a conocer y las disqueras comienzan a interesarse más en su trabajo.
En 1977 aparece un disco de boleros que incluyeron entre otros, temas como “La Barca”, “Nosotros”y “El Día Que Me Quieras”.
El año 1978 Dyango reaparece con un disco lleno de temas italianos y después en 1979 otro disco con éxitos de los sesenta, aquí incluyo “Ma Vie”, “Rogare” y “El Mundo”. Este trabajo le valió para darle otro empuje a su carrera que se tornaba indetenible.
La década de los ochenta realizo nuevas grabaciones que lo mantuvieron en el tope de su carrera musical, incluso cuando edito un disco en catalán.
Su estilo es de romanticismo clásico y en esa línea ha logrado grabar más de cuarenta discos. Su fama ha llegado a Latinoamérica y se ha mantenido en mercados difíciles como México, Argentina, Venezuela y Colombia.
Pero también esta el Dyango magnifico que conocimos finalizando la década de los sesenta donde grabó temas como “Éramos”, “Lejos De Mi”, “Ilusión”, la fabulosa “Aline” y Ausencia” entre otros. Además a realizado dúos con artistas de la talla de Celia Cruz, Oscar De León, Pimpinela y el tenor Jaime Aragall, pues Dyango sabe y a incursionado en otros géneros como cuando grabo “Un Bel Di Vedrenmo” de la obra “Madame Buterfly” y “Esperame En El Cielo” del trío Los Panchos. Eso hace que su personalidad musical se agigante y haya sido premiado con cincuenta y cinco discos de oro y cuarenta de platino y no solo en España y Latinoamérica, sino también en Estados Unidos.
De la discografía de Dyango cabe destacar los discos “Morir De Amor”, “A Corazón Abierto” y “Quan L`Amor Es Tan Gran”, este último en catalán.
Definitivamente Dyango es uno de los cantantes más internacionales que ha tenido España.

MANOLO GALVAN 

BIOGRAFIA DE MANOLO GALVAN

MANOLO GALVAN:
Manolo Galvan se ganó un puesto en el corazón de los argentinos, pues cuando su carrera como solista comenzó a tener valor y se residencio en ese país del sur de América fueron muchos los admiradores que ganó. Esto sucedió entre 1972 y 1973; pero su larga trayectoria se traslada mucho mas atrás, pues sus inicios fueron en el grupo Los Sonor, uno de los grupos grupo iniciadores de lo que se comenzó a denominar música moderna en España. En este grupo participo en la inauguración de una discoteca, que mas tarde llego a ser frecuentada por Los Sirex y el Dúo Dinámico.
Manolo abandona el grupo en busca de una carrera como solista y recibe una proposición para grabar un disco; pero esto fracasó porque para el productor su voz cascada no interesaba, esto mas tarde resulto su éxito, y entonces decide regresar a Málaga y comienzan sus contactos con los ambientes musicales y culturales de la ciudad. En esta oportunidad además de perder la oportunidad de grabar su primer disco, también se le escapo la posibilidad de participar en el Festival De Benidorm.
Ya establecido en Málaga se suma a un grupo musical que después de incorporar un baterista, cambiar de estilo y nombre para titularse Los Gritos, donde finalmente se convirtió en el motor del grupo, pues además de cantar, componía y tocaba la guitarra. Después de un corto alejamiento, se reincorpora y pasan a denominarse Zarzamora. Finalmente como solista comenzó una carrera triunfal y es ahí donde su voz pasa a tomar gran valor, pues resultaba única y agradable y logra cobrar mucha fama en su país natal; pero como ya se menciono fue en Argentina que realmente su carrera se volvió imparable y ha resultado ser el artista de español de mayores triunfos y mayor trayectoria. Esto le sirvió para viajar por Hispanoamérica, Estados Unidos e incluso llegar a Canadá.
Manolo Galván nació en Alicante y a la edad de quince años quería ser cantante en oposición a su familia; pero a tanta insistencia de su parte recibe de regalo una guitarra y comenzó interpretando temas sociales y políticos de moda por aquellos años.
En su carrera como solista participo en varios festivales y con el tema “Por Que Te Quiero Tanto” es que se les abren las puertas en Argentina. Mas tarde el tema “Te Quise, Te Quiero Y Te Querré” le sirve para mantenerse en el tope y en 1973 definitivamente se muda a Buenos Aires.
Su carrera continúo con mucho éxito en Argentina y aunque en su tierra casi ya ni escucha, aun su carrera permanece vigente.
Entre sus temas mas destacados están “El Regreso” de 1971, “Vagabundo” de 1972, “Deja De Llorar” y “Pequeño Gorrión” de 1973.
En 1974 popularizo “Mujer” y “Nuestra Casa”, en 1975 “Tu Silencio”, “Acuérdate De Mi” y otros mas.
Según declaraciones del propio Manolo Galván debe su éxito a Juan Pardo quien siempre ha estado ayudándolo, pues al inicio fue él quien le dio la mano y después le ha proporcionado algunos temas de gran valor.

JOSE LUIS PERALES 

BIOGRAFIA DE JOSE LUIS PERALES

Su primer contacto con un instrumento musical, un laúd que comenzó a tocar a los 6 años de edad, le abrió la puerta a un mundo que inmediatamente hizo suyo y optó como forma de expresión y de realización personal: la música. A los 16 años todo esto se manifestó con la composición de su primer tema.

Nacido en la provincia de Cuenca, en uno de los períodos más difíciles de la reciente historia de España, José Luis tuvo que marchar a Sevilla para poder llevar a cabo sus estudios de electrónica en la Universidad Laboral de la capital andaluza. Allí formó su primera agrupación musical, con la que ganó el primer premio del festival organizado por dicha universidad. Más tarde se trasladó a Madrid y allí alternó el trabajo con sus composiciones. En 1970, Rafael Trabuchelli descubrió a aquel joven compositor que, además, no tenía mala voz. Su primer éxito como compositor fue la canción "Por qué te vas", interpretado por Janette que sería el tema principal de la película "Cría Cuervos" de Carlos Saura. Tras mucha insistencia de los directivos de la compañía, José Luis Perales se decide a interpretar sus composiciones y la primera de sus canciones, "Celos de mi guitarra", es un éxito total en España y Latinoamérica. Ambos temas hacen de él el compositor más solicitado de la música española. Seguramente es el autor español más prolífico, con más de 450 canciones registradas en la Sociedad General de Autores Españoles (S.G.A.E.). Una vez establecido como cantautor, Perales se refugia en su provincia natal y desde allí compone para él y para otros intérpretes. Como compositor, José Luis Perales ha escrito algunas de las páginas más brillantes de la música popular de los últimos 30 años. Cuando compone para otros él mismo confiesa que se mete en la piel del intérprete e intenta reflejar o lo que el otro sentiría y cómo lo expresaría. "Marinero de Luces", el álbum que escribió para Isabel Pantoja, es el ejemplo más claro. A su inspiración se deben temas universales como "Y quién es él", "Un Velero Llamado Libertad", "Me Llamas", "EL Amor", "Te Quiero", "Quisiera Decir Tu Nombre", "Amor Sin Límites" y "América" que han sido éxito en su voz o en la de los intérpretes más importantes de la música hispanoamericana. Mocedades, Massiel, la mencionada Isabel Pantoja, Julio Iglesias, Rocío Jurado, Raphael, Jeanette, Paloma San Basilio, Miguel Bosé, Lola Flores, Vicente y Alejandro Fernández, Ana Gabriel y hasta La oreja de Van Gogh son algunos de los artistas que han puesto voz a sus letras.

Ha recibido más de 100 discos de oro y platino a lo largo de su carrera. Se ha presentado en los escenarios más emblemáticos de los países americanos como el Carnegie Hall de Nueva York, el Estadio Luna Park de Buenos Aires, El James Night Center de Miami, El Estadio Peñarol de Montevideo o el Auditorio Nacional de México. Sensibilizado, desde sus comienzos, con los más desprotegidos, Jose Luis Perales colabora con ellos cediendo los derechos de una de las canciones de cada disco a Aldeas Infantiles S.O.S.

 

BIOGRAFIA DE ROLANDO LA SERIE

La carrera artística de Rolando Laserie es atípica. Nació en Matas, incógnito pueblo de Santa Clara, el 27 de agosto de 1923 y desde los 9 años aprendió a tocar timbales (pailas), instrumento al que dedicaría los primeros años de su vida profesional, de la que también formaba parte, al menos al principio, el oficio de zapatero. Desarrolló su vocación de cantante en esa equívoca zona que eran las academias de baile, aunque hay una anécdota no confirmada según la cual cuando tenía 20 años sustituyó a Miguelito Cuní en una presentación que hizo en Santa Clara la orquesta de Arcaño y sus Maravillas. Como percusionista, actuaba de forma esporádica con la Banda Municipal de Santa Clara.

En 1946 inicia el periplo común de los músicos de la época: viaja a La Habana, donde comienza como percusionista en la orquesta de los Hermanos Palau. En la capital colaboró eventualmente con diferentes agrupaciones, hasta que ingresó en la Banda Gigante de Benny Moré, como timbalero y se le permitió también formar parte del coro acompañante.

En esa grandiosa época que fueron los años 50, hay una figura que merece capítulo aparte y que aparece relacionada con una parte muy importante de los acontecimientos musicales, ya sea como promotor, compositor, arreglista o director de orquesta. Me refiero a Ernesto Duarte, quizás la persona que más contribuyó a la formación del Benny como director de banda.

Como narra Cristóbal Díaz Ayala en Música cubana, del areyto a la nueva trova, Duarte fue uno de los auspiciadores del cantante Rolando Laserie, quien con voz y estilo inconfundibles, pronto devendría mito.

La irrupción de Laserie como bolerista no estuvo acompañada por los mejores augurios. El sello discográfico Gema (propiedad de los hermanos Álvarez Guedes y de Duarte), decidido a promocionar a jóvenes que tuvieran algo nuevo que decir en el competitivo mundo musical de la época, comenzó su experimento con aquel timbalero ambicioso. Durante las grabaciones, el propio cantante escuchó decir a uno de los ejecutivos de la firma: "Este Álvarez Guedes debe tener mucha plata o está loco, porque mira que grabarle a ese negrito que no sabe ni cantar...". Quizá tuviera mucha plata, porque sin dudas sabía hacerla, pero loco no estaba. El disco se estructuró sobre los arreglos de Duarte, dueño de una sonoridad de jazz band cubana que marcó toda una época, y en él se respetó la novedosa forma de interpretar del casi debutante y que consistía, entre otras cosas, en un coloquialismo popular que ni siquiera intentaba una dicción "correcta". En esa época se presumía que había una forma correcta de hablar el castellano que era, faltaría más, el que empleaban la clase media-alta cubana, y cuyos acentos, pronunciaciones y tonos eran considerados un estándar cultural. Aún los cantantes populares, sobre todo los dedicados a música "romántica", procuraban asumir esa convención. Los resultados no siempre eran los más felices, como cuando algún o alguna intérprete con una forma de decir que parecía de patricio cubano del XIX, soltaba con toda naturalidad un "...dijistes que me querías...", pero el caso es que resultaba insólito sentir el habla popular habanera en un bolero y esa fue la forma en que comenzó a cantar Laserie, felizmente respetada por los empresarios de Gema


En su primera grabación Mentiras tuyas, de Mario Fernández Porta, se aprecia un estilo que nunca abandonó y que era su sello personal.

Otro de sus aportes fue incorporar la forma de decir de la rumba, especialmente del guaguancó, con permanentes incursiones coloquiales, verdaderas escenificaciones de diálogos, y que el filin también aprovecharía.

Todo eso y su excelente y cálida voz, hicieron que desde su primer single, grabado en 1957, Laserie se convirtiera en un ídolo con título propio: "El Guapo" o "El Guapachoso" de la canción, que de ambas formas se le conocía. Estos atributos le ganaron un injustificado ataque por parte de la crítica, que asumía la cursilería reinante como un patrón.

Guillermo Cabrera Infante, que fue su amigo, decía, sin embargo, que era el segundo mejor cantante cubano, después de Benny Moré.

Rolando Laserie era osado en grado sumo. Entre otras cosas, se atrevió a hacer una recreación personalísima de Lágrimas negras, un verdadero clásico. Era un artista inteligente y sabía o intuía que nuestra música debía su grandeza a su insólita capacidad de establecer cánones y romperlos casi inmediatamente, lo cual había creado una verdadera tradición popular, una cultura, que permitía asimilar las novedades, siempre que estuvieran avaladas por la calidad.

Otro de sus atrevimientos estelares fue la grabación de Los cuarenta, tango de Gorrindo Grela al que respeta la letra (voseo y lunfardo incluidos) pero, eso sí, con sonido de bolero y entonación popular cubana y que fue muy bien recibido en Buenos Aires, contra todo pronóstico.


Después del triunfo de la revolución marchó a Miami, adonde fue a parar una buena parte de su público. Allí continuó su carrera y su mito. Murió en 1998

PEDRO FLORES 

BIOGRAFIA DE PEDRO FLORES

Pedro Flores fue uno de los mejores compositores de baladas y boleros que Puerto Rico ha producido. Nació el 9 de marzo del 1894 en Naguabo, Puerto Rico, en el seno de una familia pobre con 12 hijos. Su familia, al igual que muchas otras en Puerto Rico, luchó por sobrevivir esa época de transición entre dos gobiernos coloniales, el de España y el de Estados Unidos. Flores, sufrió la muerte de su padre, cuando apenas tenía 9 años viéndose forzado a trabajar para ayudar a mantener la familia.

A los 16 años de edad se graduó de la Universidad de Puerto Rico como maestro. Por cinco años ejerció el magisterio en diferentes pueblos en la costa sureste de la isla. Luego de un año trabajando en la central azucarera en la cercana isla de Vieques, en el 1918 fue reclutado por el ejército de los Estados Unidos al servicio militar. Sirvió en posiciones clericales. A los 24 años fue dado de baja del ejército y por dos años tuvo varios trabajos.

Flores se embarcó en una nueva fase en su vida al mudarse a la ciudad de Nueva York. Una fase que a fin de cuentas trajo como fruto su genio musical y le brindó su inolvidable fama. Los comienzos de esta etapa de su vida no fueron los mejores. Realizó diversos trabajos para sobrevivir hasta el 1928. En ese tiempo tuvo un encuentro fatídico con otro puertorriqueño, Rafael Hernández, cantante que goza actualmente de igual fama.

Su asociación con Hernández y con el círculo de amigos del cantante; en su mayoría músicos, le proveyeron una salida y encendieron la chispa de su expresión creativa que produjo cantidad de canciones clásicas. Canciones que incluían una gama de temas universales, desde la separación con un ser querido, tal como "Despedida" (letra), un amor perdido, como en "Linda" y el sentimiento patriótico como en "Sin bandera", para sólo mencionar algunas.

La amistad de Flores con Hernández fue muy íntima, pero no faltó el componente competitivo. Cada artista trabajó para producir la mejor y más popular canción. De hecho, Hernández sentía envidia por la belleza de "Sin Bandera" de Flores. Eso llevó a que Hernández escribiera su famosa canción "Preciosa", un buen tributo a su amistosa rivalidad con Flores, quien inspiró su esfuerzo. La rivalidad llevó a Flores a formar una banda para competir con el Trío Borinquen de Hernández. A su vez, Hernández acusó a Flores de componer una ráfaga de canciones en solo una semana, incluyendo éxitos memorables, tales como "Sueño de Amor", "Quejas del alma" y "Abandono".


Flores organizó el Cuarteto Flores el cual comenzó a grabar sus canciones en el 1930. A pesar de que más tarde se añadieron músicos el grupo mantuvo el término de cuarteto. Pero Flores tenía problemas con la compañía publicadora de su música y abandonó el cuarteto para irse a México.También vivió algún tiempo en Cuba pero este período fue marcado por muy poco éxito y hasta por un retiro del mundo musical. Eventualmente, Flores regresó a Nueva York y fundó un nuevo cuarteto con un grupo de músico muy talentosos, entre ellos Daniel Santos.

A Flores se le recuerda por las baladas más preciosas producidas por puertorriqueño alguno. Entre estas, se encuentran "Perdón" (letra), "Esperanza alguna" (letra), "Bajo un Palmar" (letra), "Amor", "Margie", "Querube", Obsesión, ((letra) y "Linda". Estas y otras han sido interpretadas por diversos artistas y han llegado al alma del espírit puertorriqueño.

Pedro Flores murió en julio del 1979.

RAFAEL HERNANDEZ 

BIOGRAFIA DE RAFAEL HERNANDEZ

Las obras de Rafael Hernández Marín, uno de los compositores más importantes de la música puertorriqueña durante el siglo 20, han logrado desafiar las pruebas del tiempo. Hernández nació en Aguadilla, Puerto Rico, el 24 de octubre de 1892.

Comenzó a tomar clases de música a los 12 años, con los profesores Jose Ruallán Lequerica y Jesus Figueroa. Aprendió a tocar varios instrumentos, tales como: la corneta, el violín, el trombón, el bombardino, la guitarra y el piano. En su adolescencia, se mudó a San Juan, donde tocó en la Orquesta Municipal bajo la dirección de Manuel Tizól.

En 1912, compuso su primera canción, una danza titulada "María y Victoria", pero con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial, Hernández tuvo que servir en las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos, donde tocó con la Banda Militar.

Después de su experiencia militar, Hernández se mudó a Nueva York donde conoció a próceres tales como: Luis Muñoz Marín, Luis Llorens Torres, Luis Palés Matos y Pedro Flores. Más tarde viajó a Cuba, donde condujo la Orquesta del Teatro Fausto en la Habana. Después de 4 años, retornó a Nueva York, donde organizó al Trío Borínquen. Después de un período breve de logros, con canciones como: "Siciliana", "Me la Pagarás" y "Menéalo", el Trío Borínquen fue disuelto y Hernández fundó otro grupo.

La nueva banda fue llamada Conjunto Victoria, através de la cual Hernández tuvo uno de los períodos más importantes de su carrera ascendiente. Al comienzo de los años 40, Hernández viajó a Méjico, un país que siempre consideró su segundo hogar; emprendió estudios en el Conservatorio Nacional de la Música de Méjico, del cual se graduó como maestro de armonía, composición y contrapunto.

Volvió a Puerto Rico en el 1953 y, después de varios viajes exitósos a diferentes pueblos de la Isla, trabajó como consultante de música para la recién-creada emisora gubernamental, WIPR. Entre los años 1956 a 1959, sirvió como Presidente Honorario de la Asociación de Compositores y Autores de Puerto Rico. Hernández participó en varias causas cívicas y ayudó a fundar Beisból de Pequeñas Ligas para jóvenes puertorriqueños.

El 11 de diciembre de 1965, Hernández murió --después de una larga lucha contra el cáncer. Su herencia al Pueblo consta de más de 3,000 composiciones musicales de diversos géneros, incluyendo clásicos tales como: "Silencio" (letra), "Ausencia" (letra), "Campanitas de Cristal" (letra), "Preciosa" (letra) y "El Cumbanchero". Pero, quizás su canción más famosa sea "Lamento Borincano" (texto de la canción), que ha sido grabada por numerosos artistas desde que se escribió. Ella representa las luchas del jíbaro puertorriqueño para poder subsistir; el arquetipo de un héroe que el pueblo puertorriqueño se ha identificado con muy de cerca. Identificarse con este pobre jíbaro, desanimado por su inabilidad de vender sus mercancías en la placita del pueblo puede ser interpretado como representación de la lucha propia de Puerto Rico por su identidad nacional e independencia en la cara de su historia colonial. Una de las versiones más viejas de la canción fue interpretada por Alonso Ortiz Tirado-Lamento Borincano. Una versión moderna-Lamento Borincano fué hecha por los esfuerzos de colaboración de: Gilberto Santa Rosa, Marc Anthony y La India.

Las obras de Hernández fueron aclamadas más allá de su natal Puerto Rico. Los mejicanos de la región de Puebla consideraban "Que Chula es Puebla" como su himno oficioso. De la misma manera, muchas personas en la República Dominicana consideran "Linda Quisqueya" como su segundo himno nacional.

MARCO ANTONIO MUNIZ 

BIOGRAFIA DE MARCO ANTONIO MUNIZ

Marco Antonio Muñiz nació el 3 de marzo de 1933 en Guadalajara, Jalisco, y desde muy pequeño demostró tener aptitudes para el canto.

A los 13 años dejó la escuela y decidió ganarse la vida cantando en la calle y algunos lugares concurridos de Ciudad Juárez, Chihuahua, lugar en el que residió cuando era niño.

Sin embargo, no tuvo mucha suerte y regresó a su natal Guadalajara con el fin de proveer a su familia de más ingresos económicos, por lo que dejó a un lado el canto y comenzó a trabajar en una joyería, lugar en el que aprendió el oficio y como muestra de ello aún conserva un diamante en su muñeca izquierda.

Su afán por obtener más dinero lo obligó a laborar en una panadería, pero su inquietud por el mundo de la farándula lo hicieron regresar a ese medio, en el que aceptó trabajar como portero en la estación de radio XEW, en el Distrito Federal, y posteriormente como encargado de levantar los letreros de "aplausos".

A partir de entonces se fue relacionando con diversos artistas y alternó su trabajo con el de secretario de la cantante y actriz argentina Libertad Lamarque y del destacado cantante cubano Benny Moré.

La influencia romántica de la época inspiró a Marco Antonio Muñiz a formar su propio trío al cual llamó Los Brillantes, que se presentó por primera vez en una casa de citas propiedad de la señora Graciela Olmos, a quien la llamaban "La Bandida".

En 1953 Muñiz formó junto con Juan Neri y Héctor González el trío "Los Tres Ases", agrupación con la que obtuvo éxito tras éxito interpretando boleros como Vanidad y Estoy Perdido.

Su debut como solista fue con el tema Luz y Sombra, bajo la batuta de Chucho Zarzosa y su orquesta, lo que dio como resultado la grabación de temas tan famosos como Escándalo y Por Amor.

TITO RODRIGUEZ 

BIOGRAFIA DE TITO RODRIGUEZ

Pablo "Tito" Rodríguez nació el 4 de enero de 1923, en Santurce, Puerto Rico. Su padre era de la República Dominicana y su madre de Cuba. El internacionalmente reconocido vocalista, percusionista, director de banda, compositor, y productor de grabaciones, era igualmente talentoso como "uptempo" sonero y cantante romántico.

A la edad de 16 años, tocaba maracas y cantaba como segunda voz con el Cuarteto Mayari antes de trasladarse a la ciudad de Nueva York para vivir con su hermano mayor, Johnny quien se había mudado allí en 1935. Un vocalista y compositor popular, Johnny formó su propio trío en 1940. Las grabaciones que hizo con su trío en el sello Seeco fueron recojidas en la colección "Encores De Johnny Rodríguez y Su Trio" y "Siempre Favoritas de Johnny Rodríguez Y Su Trio."

El primer trabojo de Rodríguez en la Ciudad de Nueva York fue con el Cuarteto Caney. Después de un breve tiempo con Enric Madriguera y Xavier Cugat como cantante y bongista (instruments: bongo); un año en el Ejército de los Estados Unidos, estos fueron seguido por el trabajo de cantante con Noro Morales. "El Dinamico Tito Rodríguez" fue una re-editación de una colección de Morales con Rodríguez.

En 1946 el pianista y compositor cubano Curbelo reclutó a Rodríguez y a Tito Puente (en los timbales ) para su banda, que llegó a ser una "incubadora" para el futuro sonido de mambo de Nueva York. Grabaciones hechas por la banda de Curbelo durante los dos años que Rodríguez estaba con él fueron compilados posteriormente en "Los Reyes Del Mambo." En 1946, mientras la banda de Curbelo aparecía en el club nocturno China Doll, Rodríguez conoció a una muchacha del coro americana-japonesa llamada Tobi Kei, con quien se casó unos meses después.

En febrero 1947, mientras aun estaba con Curbelo, Rodríguez participó en una sesión de grabación de Chano Pozo para el sello de Gabriel Oller SMC, que incluyó la banda de Machito, Arsenio Rodríguez y Miguelito Valdes. Curbelo despidió a Rodríguez en 1947 cuando él le había dado un día libre para cuidar de su esposa enferma, pero alguien le informó a Curbelo que Rodríguez había pasado el día bebiendo en una barra. Rodríguez estuvo despempleado por varios meses.

Después dirigió un quinteto efímero, que él formó a finales del 1947, Rodríguez organizó un conjunto de trompetas llamadó los Mambo Devils en 1948. El grabó ocho canciones con esta banda en el sello SMC. Cuatro de éstas fueron arregladas por Tito Puente, quien luego se convirtió en su competidor musical. Rodíguez luego agrandó su grupo a una banda grande, que él dirigió hasta 1965.

En 1949 él firmó con Tico Records, formada apenas un año anterior. Rodríguez tuvo que re-nombrar su banda a Lobos del Mambo debido a que la compañía de grabación se oponía al nombre Mambo Devils. Hizo dos trabajos para este sello, entre 1949 y 1953 y entre 1956 y 1958, durante este tiempo lanzó 78 grabaciones de RPM, seis volúmenes de mambos de 10 pulgadas, y varios álbumes de 12 pulgada. El material de estos dos períodos se compilaron luego en "Nostalgia y Uptempo." Tito no grabó durante el 1950 a causa de la turba en la compañía que suspendió toda grabación en Tico. El reasumió las grabaciones el año siguiente cuando los problemas se resolvieron.

En la persecución de cruzar a otros mercados, Rodríguez cambió al sello de RCA en 1953 y sus grabaciones en este sello vendieron muy bién. Ritmo y Melodia, 15 Joyas Tropicales fue la compilación más reciente sacada de su período de RCA. A su regreso a Tico, lanzó Wa Pa Cha. Su lanzamiento final para ellos fue Señor Tito Rodríguez.

En 1960 firmó con United Artists Records con el acuerdo que él sería el único líder de banda musical latino que grabaría para la compañía. Su primer álbum con este sello, Live at the Palladium, fue un éxito magnífico, empañado sólo por el conflicto continuo entre Puente y Rodríguez sobre los "top billings" en la sala de baile del Paladium en Nueva York y otros lugares.

En 1962, Rodríguez tuvo tres canciones consecutivas que fueron "hits" magníficos: "Vuela La Paloma," "Cuando, Cuando" y "Cara De Payaso," y todas llegaron a la cima de los "charts" musicales en Puerto Rico y otros países sudamericanos. Rodríguez y su banda grabaron "Back Home In Puerto Rico" durante una estadía de dos semanas en la isla durante junio 1962. Su regreso fue marcado por recepciones oficiales de gobierno y amplia cobertura por los medios noticiosos.


El trató también de encontrar la fama en Las Vegas con una revista musical, pero fue un fracaso deprimente que causó una gran pérdida financiera. Rodríguez grabó también como cantante primario con el La Playa Sextet, cuya alineación substituyó la guitarra eléctrica de su líder puertorriqueño, Payo Alicea, por el piano tradicional. Una compilación de cortes de La Playa Sextet con Rodríguez como vocalista principal, fue lanzado bajo el título, "Tito dice ... Separala También!"

En 1963 él lanzó el jazz latino Live At Birdland, que incluyó a los músicos del jazz Zoot Sims, Clark Terry, Bob Brookmeyer, Al Cohen y Bernie Leighton. Ese mismo año Rodríguez tuvo un "hit" inmenso con su album From Tito Rodríguez with Love que incluyó la canción "Inolvidable". La canción fue escrita por el líder de banda/pianista cubano Julio Gutierrez. El siguió esta grabación con una serie de álbumes románticos suaves de bolero, esparcido con colecciones de uptempo como Tito Tito Tito, en el cuál Israel "Cachao" Lopez como acompañante sirvió de defensor de las sesiones de Jam latino, el momento culminante fue el track de apertura "Descarga Cachao."

Su álbum de la compilación: The Best of Tito Rodriguez incluyó muchas de sus canciones clásicas que fueron "hits" como Asi, Asi.

La disputa entre Rodríguez/Puente se reflejó en algunos de las grabaciones que Rodríguez hizo para el sello Musicor Records, tal como "Avisale A Mi Contrario Que Aqui Estoy Yo" del álbum Carnival Of The Americas. El vocalista cubano Miguelito Valdes y Machito apelaron a los dos combatientes en la canción "Que Pena Me Da", compuesto por Valdes para su reunión de colaboración en 1963. Rodríguez y su banda acompañaron al cantante Nelson Pinedo en su lanzamiento de Musicor "A Latin in America."

Malos contratos de negocios y el constante choque con sus colegas sobre la paga lo llevaron a disolver su banda y mudarse a Puerto Rico en 1966. Las actitudes negativas hacia los "Nuyoricans" inicialmente le previno de irrumpir en la televisión en Puerto Rico, pero él logró obtener un programa cuando la compañía matriz de United Artists adquirió uno de los canales de la isla. Artistas invitados tales como Shirley Bassey, Tony Bennett y Sammy Davis Jr. aparecieron en su programa. El creyó que sentimientos anti-Nuyorican fueron también la razón por la cual él no recibió un premio por su programa.

Sintiéndose rechazado por su propia gente, Rodríguez se mudó a Coral Gables, Florida, en los Estados Unidos. El regresó a Nueva York para la delicia de la audiencia a capacidad maxima del Manhattan Center con la canción títulado "Estoy Como Nunca". El siguió con el álbum El Doctor el que contuvo Esa Bomba, su última canción sobre la rivalidad la cual apuntó hacia Tito Puente.

Rodríguez demostró los primeros signos de enfermedad en 1967 al hacer uno de su últimos programas de televisión. El decidió fundar su propio sello disquero TR en 1969 y mientras esperaba por lor resultados de las pruebas en el Reino Unido, usó a músicos ingleses para grabar la música de su primer álbum de TR, "Inolvidable/Unforgetable." Le fue confirmado que él padecía de leucemia pero él insistió en que los resultados fueran mantenidos en secreto. TR, Records, Inc, fue lanzado en agosto 1971 y su segundo álbum en el sello, "Palladium Memories," se vendió bien. Se unió a Louie Ramírez para el tercer lanzamiento, "Algo Nuevo." La presentación del 25 Aniversario de Rodríguez, se grabó en un club nocturno en Perú, fue lanzado un mes antes de su muerte. El álbum provocó la especulación acerca de si él lo había pensado que este fuera una despedida. La última apariencia de Rodríguez fue con Machito y su banda en el Madison Square Gargen el 2 de febrero de 1973. El perdió finalmente la batalla con la leucemia y 26 días después, el 28 de febrero de 1973, Rodríguez murió en los brazos de su esposa.

FELIPE PIRELA 

BIOGRAFIA DE FELIPE PIRELA

El Bolerista de América”

Por: José Antonio Orellán

Del “Empedrao” para el mundo. Quien conozca la ciudad de Maracaibo, capital del petrolero estado Zulia al occidente de Venezuela, sabe que una de las mas populares zonas es la del barrio “El empedrao”, (sic) como se dice en criollo, o maracucho si así lo prefieren. De esta barriada han surgido un grueso e importante número de poetas, compositores, cantantes, trovadores y gaiteros, como se llama a los interpretes de la gaita, género autóctono. Así pues, al humilde hogar de Don Felipe Pirela y Doña Lucía Morón de Pirela llegó aquel 4 de Septiembre de 1941 la bendición de un hijo, bautizado como Felipe Antonio Pirela Morón, a quien el futuro, por su privilegiada voz, concisa compostura y particular interpretación, le otorgaría el reconocimiento de “El Bolerista de América”.



Durante sus inicios con "Los Peniques"
Los Inicios. Los primeros pasos para el entonces novel cantante se da con las orquestas de Juanito Arteta y Los Peniques, por las que transitó sin mucha relevancia. De hecho, su llegada a esta última se da por la insistencia de un amigo suyo relacionado a Jorge Beltrán, el director de la agrupación. Para entonces Los Peniques contaba con los vocalistas Victor Piñero, Chico Salas, Ada Vizuet y Tony Izaguirre, lo cual le dificultaba el camino a Pirela, quien se conformaba con cantar al menos una canción en el último set bailable. Todo transcurría sin pena ni gloria, hasta que un buen día el maestro Billo Frómeta le escuchó cantar y mostró interés por sus servicios.


Llega el gran momento. La entrevista pautada con Billo debía darse en la casa de los Pirela Morón, por lo que la familia se preparó a fin de agradar al Maestro. Cuando éste llegó a la vivienda no hizo más que expresar: “... Quiero contratarlo para que sea el bolerista de mi orquesta. Usted tiene mucho futuro... canta como los ángeles ...”. Corría el año 1960, y a Billo le había sido levantado un veto impuesto por la Asociación de Músicos del Distrito Federal y Estado Miranda.
Con la Orquesta Billo's Caracas Boys durante el lanzamiento del LP "Paula". De izquierda a derecha: Felipe Pirela, Cheo García, Paula Bellini y Billo Frómeta.

Billo comenzó a reestructurar su orquesta, lo que para él sería su “Tercera República”, sin duda alguna, la más exitosa de su carrera y con la que trascendió aún después de su muerte. Para ello se hizo además de los servicios de otro maracucho: el guarachero Cheo García. Con la orquesta Billo’s Caracas Boys, las voces de Felipe Pirela y Cheo García adquieren gran prestigio, individualmente, y por la manera como hilvanan sus voces y ritmos en los famosos mosaicos creados por el Maestro. La orquesta causa sensación en el Continente, al tiempo que la dulce voz de Pirela seduce a cientos de miles de fanáticas, si se quiere huérfanas de un ídolo, ante la ausencia de su hasta entonces amor platónico: Alfredo Sadel, quien había tomado la decisión de dedicarse al bel canto.



Felipe Pirela en una de sus presentaciones para la TV.
Una nueva estrella en el firmamento. Pirela obtiene fama con la orquesta Billo’s Caracas Boys. Paralelamente comienzan a lloverle ofertas de otros países, la más tentadora, desde México. El cantante le consultó a su mentor, anticipándole sus deseos de mantenerse en la orquesta en la que llevaba mas de dos años. No obstante, Billo sabía que ya era hora de que Pirela comenzara a volar; no sería él quien cortara sus alas, atándolo a su orquesta, truncándole su camino al estrellato definitivo. Tras la venia y asesoría de Billo, Pirela parte al país azteca donde le esperaba el camino a la internacionalización como solista y su posterior consagración como “El Bolerista de América”.
Una vez cumplido su compromiso en México Pirela regresa a Venezuela, ya que había empeñado su palabra de matrimonio a la joven Mariela Montiel. Las nupcias se celebran en septiembre de 1964. Vale señalar que Pirela (23) es diez años mayor que ella, al tiempo que la unión, tan furtiva como efímera, llega a un triste desenlace con un escandaloso divorcio que marcó al Bolerista de América para siempre.



El siempre bien recordado y apreciado Felipe Pirela. "El Bolerista de América".
“Sombras nada más” o el auge y caída de un ídolo. Sumido en una fuerte depresión, con su decepción a cuestas, Pirela decide marcharse de Venezuela. Su fama y prestigio adquiridos le permiten abrir las puertas de Hispanoamérica. En su exilio graba el LP “Entre tu amor y mi amor”, que adquiere impresionantes cifras de ventas traducidas en reconocimientos artísticos. Al tema promocional que da título al disco se suma una seguidilla de éxitos. A pesar de ello, el mal ya estaba hecho. Desmoralizado y socavado en su orgullo sufre una nueva depresión, transitando senderos inesperados que igualmente disminuyen el intenso brillo de su estrella. Se radica en Puerto Rico, donde comienza a cantar en locales nocturnos de dudosa reputación.
Así llega la fatídica noche del 2 de Julio de 1972. Según cuenta la leyenda, luego de culminar su presentación en el bar “El Molino Rojo” con su interpretación del tema “Sombras”, se despide del dueño del local y de los habituales clientes, tomando un rumbo incierto. Interceptado en una oscura calle, y en circunstancias aún confusas, una certera bala extingue la luz de su existencia. Si el tema en cuestión fue o no su última interpretación no es la razón que nos ocupa ahora, así sea muy cierto como ajuste al colofón de su triste historia:


“... Pude ser feliz

y estoy en vida muriendo

y entre lágrimas viviendo

el pasaje mas horrendo

de este drama sin final ...”

("Sombras" . Autores: Contursi - Lomuto

DANNY RIVERA